Ce soir notre invité est Bruno Letort du festival Ars Musica....
EDITORIAL | EDITORIAAL – Bruno Letort
Par | door: Bruno Letort
Directeur Ars Musica
FR
Le Japon fut de tout temps la terre des ébahissements, située entre une mythologie extravagante, une tradition solidement ancrée et un modernisme déconcertant. Cette extravagante modernité n’échappe pas à la sphère musicale et nombreux sont les compositeurs, à l'image de leur chef de file, Toru Takemitsu, à avoir jeté des ponts entre orient et occident. Le festival Ars Musica, lors de sa nouvelle édition explorera le monde sonore du pays du soleil levant, en rendant hommage aux grands maîtres classiques, mais également en s'immergeant dans les musiques électroniques, improvisées, ou noise, sans oublier les musiques traditionnelles et les musiques de films...
Pour comprendre l'évolution de la musique japonaise au fil du temps, il faut entreprendre un regard historique sur le pays du soleil levant. Au IVe siècle de notre ère, des moines japonais voyageant en Chine pour y étudier, ont ramené au pays l’écriture, des disciplines spirituelles et philosophiques dont, en particulier, le bouddhisme et le confucianisme ainsi que de nouvelles structures sociales et politiques. Ces moines ont aussi appris et enseigné par la suite à la cour japonaise de nouvelles formes d’art et, en particulier, de nouveaux instruments de musique et de nouveaux genres musicaux alors inconnus. Le premier genre de musique à faire son apparition est une musique d’ensemble, por-tant le nom de musique de Gagaku, qui signifie musique élégante ou raffinée. Elle fût entendue pour la première fois en 612 et est rapidement devenue la musique officielle de la cour. Depuis leur intro-duction, les instruments de musique japonaise ont été transformés pour s’adapter aux goûts musi-caux des japonais, tant dans leur fabrication, leurs styles et leurs techniques de jeu que dans leurs répertoires. Il existe même plusieurs versions de chacun de ces instruments. Le biwa, le koto, le shamisen et le shakuhachi ont évolué différemment de leurs ancêtres chinois, mais chacun évolua à sa façon, devenant vraiment « japonais » à des périodes différentes de l’histoire du Japon. Ces tradi-tions ont gardé toute leur vigueur au fil du temps et restent un référent, y compris pour la musique d'aujourd'hui.
Ainsi, l'une des figures majeures de la musique contemporaine japonaise, Toru Takemitsu, s'est pas-sionné pour la musique classique occidentale après l'avoir entendue sur les ondes de la radio améri-caine des forces au Japon après la guerre. Cet enthousiasme et cette curiosité l'emmenèrent sur les rives de l'électroacoustique, de l'école de Vienne, de Debussy et de Messiaen, laissant loin derrière lui la tradition japonaise. Pourtant, quelques années après la seconde guerre mondiale, Takemitsu sort bouleversé d'un spectacle de marionnettes Binkaru, ouvrant son cœur à la tradition qu'il avait si farouchement ignorée. « Ce fut un choc », écrit-il « je me suis rendu compte combien j'étais japo-nais ». Désormais, la musique du maître japonais combinera éléments de la musique traditionnelle japonaise et modernisme occidental.
Ce même chemin sera emprunté par des musiciens comme Akira Ifukube, Yuji Takahashi, Ryohei Hirose, Shigeaki Seagusa, Toshio Hosokawa ou Hakira Miyoshi.
Depuis quelques années, un jeune génération de compositeurs japonais, débarrassée de toute con-trainte esthétique, explore sans retenue des univers sonores plurielles, se référant sans complexe no-tamment aux arts populaires, et balayant toute idée de dogme mais souvent en lien avec la spirituali-té, élément fondateur de la tradition. Ce souffle créatif donna naissance à de nombreuses œuvres de Toshio Hosokawa, Daï Fujikura, ou Kenji Sakai.
Les musiques non issues de l'écriture traditionnelle, notamment les musiques improvisées, électro-niques et noise, ont creusé au Japon un sillon très remarquable tant par sa vivacité, que par sa diversi-té et sa singularité. D'Otomo Yoshihide à Ikue Mori, de Ryoji Ikeda à Tomoko Sauvage ou Hoppy Kamiyama, les mouvements se créent et régénèrent influençant musiciens européens et américains.
Ars Musica, festival dont le crédo est la création offrira aux compositeurs occidentaux, l'occasion de dialoguer avec cette Asie énigmatique. Comme un voyage immobile, les musiciens laisseront leur imagination vagabonder vers des langages inouïs, inventant des formes nouvelles. Du concert de dessins avec la mangaka Kan Takahama au cinéma muet japonais, des installations sonores à la rencontre entre le shakuhachi et l'orchestre symphonique, sans oublier les musique électroniques et im-provisées, la biennale Ars Musica cultivera le dépaysement de l'esprit.
Archipel géographique et sonore, le Japon cultive un mystère, une attraction que le festival Ars Mu-sica présentera sous ses multiples facettes. La rencontre entre musiciens occidentaux et orientaux, entre instrumentarium aux factures hétéroclites, aux compositeurs aux langages pluriels sera le fil rouge de ce festival, comme un pont imaginaire entre la Belgique et le Japon.
NL
Japan is sinds mensenheugenis blijven verbazen, steeds zwevend tussen extravagante mythologie, een stevig verankerde traditie en wonderbaarlijk modernisme. Die extravagante moderniteit is ook terug te vinden in de wereld van de muziek. Talrijk zijn de musici die, naar hun grote voorbeeld Toru Takemistsu, bruggen hebben gebouwd tussen Oost en West.
Ars Musica gaat in deze nieuwe editie op verkenning in de klankwereld van het land van de rijzende zon, door hulde te brengen aan de grote klassieke meesters, maar ook door zich onder te dompelen in de elektronische muziek, de improvisatiemuziek of de noise en verliest daarbij de traditionele muziek en de filmmuziek niet uit het oog.
Om de evolutie van de Japanse muziek goed te begrijpen, moet er teruggegaan worden in de geschiedenis van het land van de rijzende zon. In de IVe eeuw, brachten rondreizende Japanse monniken het schrift, de spiritualiteit en de filosofie mee vanuit China, waaronder meer bepaald het boeddhisme, het confucianisme en nieuwe sociale en politieke structuren. Diezelfde monniken bestudeerden en onderwezen vervolgens nieuwe kunstvormen aan het Japanse hof en in het bijzonder, nieuwe muziekinstrumenten en tot dan toe onbekende muzikale genres. Het eerste muziekgenre dat zijn intrede deed, was muziek voor ensemble, en droeg de naam Gagaku, hetgeen elegante of geraffineerde muziek betekent.
Die muziek werd voor de eerste keer gespeeld in 612 en groeide al snel uit tot de officiële muziek van het hof. Sinds hun intrede, zijn de Japanse muziekinstrumenten aangepast aan de muzikale smaak van de Japanners, zowel bij het vervaardigen ervan, als in de stijl, de techniek van spelen en het repertoire. Er bestaan zelfs verschillende versies van elk instrument. De biwa, de koto, de shamisen en de shakuhachi hebben een andere evolutie doorgemaakt dan hun Chinese voorouders. Elk instrument ontwikkelde zich op zijn manier en werd echt “Japans” in verschillende periodes van de Japanse geschiedenis. Deze tradities zijn in de loop ter tijden sterk verankerd gebleven en blijven een referentie, ook voor de muziek van vandaag.
Zo geraakte een van de belangrijkste persoonlijkheden van de hedendaagse Japanse muziek, Toru Takemitsu, volledig in de ban van de westerse klassieke muziek na deze op een Amerikaanse radiozender te hebben gehoord in het naoorlogse Japan. Enthousiasme en nieuwsgierigheid brachten hem ertoe de elektroakoestische muziek te gaan verkennen, de Weense school, en uitgebreid kennis te maken met Debussy en Messiaen, daarbij de Japanse traditie ver achter zich latend. Takemitsu zal echter, enkele jaren na de Tweede Wereldoorlog, in hevige beroering raken door een Binkaru voorstelling met marionetten. Hij besefte plots hoe hij de Japanse traditie volkomen links had laten liggen. “Het was een schok, “schreef hij, “plots was ik me ervan bewust hoe Japans ik wel was.” Vanaf dat ogenblik zal de Japanse meester elementen uit de traditionele Japanse muziek en het westerse modernisme gaan combineren.
Diezelfde weg zal door musici zoals Akira Ifukube, Yuji Takahashi, Ryohei Hirose, Shigeaki Seagusa, Toshio Hosokawa of Hakira Miyoshi afgelegd worden.
Sinds enige jaren, is er een nieuwe jonge generatie Japanse componisten opgestaan, die zich bevrijd heeft van iedere esthetische beperking en die zonder enige terughoudendheid meervoudige klankuniversums verkent. Ze heeft meer bepaald de volkskunst als referentiekader, en wijst daarbij elk dogma af. Ze blijft echter meestal verbonden met de spiritualiteit, die diep geworteld zit in de Japanse traditie. Binnen deze creatieve sfeer zijn heel wat werken van Toshio Hosokawa, Daï Fujikura, of Kenji Sakai tot stand gekomen.
Muziek die niet uit die traditionele schriftuur is ontstaan, zoals geïmproviseerde muziek, elektronische muziek en noise, heeft in Japan diepe veranderingen teweeg gebracht, zowel door haar levendigheid, diversiteit als haar bijzonderheid. Van D'Otomo Yoshihide tot Ikue Mori, van Ryoji Ikeda tot Tomoko Sauvage of Hoppy Kamiyama: stromingen komen op gang, worden elders weer opgepikt en beïnvloeden op hun beurt Europese en Amerikaanse muzikanten.
Ars Musica draagt creatie hoog in het vaandel en geeft de westerse componisten de gelegenheid in dialoog te treden met dat mysterieuze Azië. Zoals tijdens een onbeweeglijke reis, laten de musici hun verbeelding de vrije loop in de meest ongelooflijke vormen en talen. Van tekenconcert met de mangaka Kan takahama tot de Japanse stomme film, de ontmoeting tussen shakuhachi en symfonisch orkest in klankinstallaties, zonder de elektronische en improvisatiemuziek te vergeten, de Ars Musica biënnale neemt de geestmee op reis naar nieuwe onbekende oorden.
Japan cultiveert het mysterie als een waar geografisch klankarchipel, en heeft een bijzondere aantrekkingskracht waarvan Ars Musica u alle facetten laat verkennen. De ontmoeting tussen oosterse en westerse musici, tussen bijzonder en divers instrumentarium en componisten met een meervoudige stem loopt als een rode draad door het festival, zoals een denkbeeldige brug tussen België en Japan.
EDITORIAL | EDITORIAAL – Masafumi Ishii
Par | door: Masafumi Ishii
Ambassadeur du Japon en Belgique | Ambassadeur van Japan in België
FR
En 2016 le Japon et la Belgique célèbrent le 150ième anniversaire de l’établissement de leurs relations diplomatiques qui eu lieu en 1866. Au long de cette période, les deux pays ont développé une relation amicale. A l’occasion de ce 150ième anniversaire, mon souhait est que vous participiez tous à cette année de célébration afin d’approfondir encore le lien étroit qui existe entre nos deux pays.
Cette année, Ars Musica a choisi le Japon pour thème. Grâce à ce festival, vous appécierez de nouvelles créations musicales, produits de la fusion entre la musique tradionnelle japonaise et la musique occidentale. Des créations musicales donc où la musique japonaise, représentante du continent asiatique, s’ouvre à d’autres influences dans le cadre de ce festival. Le son détient une force considérable. La force de la musique qui unifie largement et en profondeur le coeur des hommes est incommensurable. Jouer de la musique ensemble, apprécier la musique ensemble, voilà qui sert d’impulsion à une amitié joyeuse et vivante.
Au cours de cette année 2016 de nombreux évènements, projets et échanges ont lieu en Belgique dans des domaines à la fois variés et à des niveaux différents. Pour mener à bien les préparatifs de cette année de célébration, l’Ambassade du Japon a poursuivi sa collaboration avec la Nihonjinkai a.s.b.l. (Association Japonaise de Belgique), la Belgium-Japan Association & Chamber of Commerce (BJA) et Friends of Japan, et bénéficie aussi du support de nombreuses compagnies belges et japonaises. A l’approche de Ars Musica - Japon j’exprime ici mon sentiment de profonde reconnaissance pour le support de ces compagnies sponsors ainsi que pour la collaboration de tous ceux sur qui nous avons pu compter.
NL
In 2016 vieren Japan en België de 150ste verjaardag van het aangaan van hun diplomatieke betrekkingen, hetgeen plaats had in 1886. Gedurende deze periode hebben de twee landen een vriendschapsband ontwikkeld. Ter gelegenheid van deze 150ste verjaardag is het mijn wens dat jullie allen zouden deelnemen aan de viering opdat de nauwe band tussen de twee landen verder verdiept wordt.
Dit jaar heeft Ars Musica Japan als thema gekozen. Dankzij dit festival zal u genieten van nieuwe muzikale creaties, die voortkomen uit de versmelting tussen de traditionele Japanse muziek en de westerse muziek. Muzikale creaties, waar de Japanse muziek, vertegenwoordiger van het Aziatisch continent, zich openstelt voor andere muzikale invloeden in het kader van dit festival. Klank bezit een aanzienlijke kracht. De kracht van de muziek verenigt en vervult het hart van de mens oneindig. Samen muziek spelen, samen van muziek genieten, dat vrolijkt een vriendschap op en houdt ze levendig.
In de loop van het jaar 2016 hebben talrijke evenementen, projecten en uitwisselingen plaats in België op gevarieerde en verschillende niveaus. Om de voorbereidingen voor dit feestelijk jaar tot een goed einde te brengen, heeft de Japanse Ambassade haar samenwerking verdergezet met Nihonjinkai a.s.b.l (Association Japonaise de Belgique), de Belgium-Japan Association & Chamber of Commerce (BJA) en Friends of Japan, en geniet ze ook van de steun van talrijke Belgische en Japanse bedrijven. Met Ars Musica – Japan in het vooruitzicht druk ik hier mijn diepste dankbaarheid uit voor de steun van deze bedrijven die het evenement mee gesponsord hebben evenals voor de samenwerking met al degenen waarop we hebben kunnen rekenen.
HORS LES MURS | EXTRAMUROS
FR
Ars Musica anamorphose ses sonorités hors les murs dans une démarche de diffusion de la musique de création – belge, notamment. Le festival voyage, pose ses notes hors des frontières et rencontre ainsi d’autres explorateurs de musique. Le rendez-vous belgo-japonais de cette édition 2016 se pose au début du mois de novembre à Paris pour trois concerts au Centre Wallonie Bruxelles. D’autres destinations lointaines sont en projet pour les années à venir… Pour que la musique de création atteigne toujours une plus vaste résonnance.
NL
Ars Musica laat zijn klanken een anamorfose ondergaan, met de bedoeling muziekcreaties te verspreiden – en dan vooral Belgische. Het festival gaat op reis, strijkt neer buiten de grenzen en ontmoet op die manier andere muzikale ontdekkingsreizigers. De Belgisch-Japanse afspraak van deze editie van 2016 vindt begin november plaats in Parijs voor drie concerten in het Centre Wallonie Bruxelles. Andere verre bestemmingen staan op stapel voor de volgende jaren… Opdat muziekcreaties steeds verder kunnen weerklinken…
Jeudi | Donderdag 3/11
Jean-Philippe Collard-Neven
Itinéraire immobile|Stilstaand traject
20:00
Centre Wallonie-Bruxelles à Paris
Coproduction | Coproductie: Centre Wallonie Bruxelles à Paris
Tarif | Tarief: 10€/8€/5€
Jean-Philippe Collard-Neven, piano
Jean-Philippe Collard-Neven (1974)
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - Compositieopdracht Ars Musica
FR
De ses voyages au Japon, Jean-Philippe Collard-Neven nous revient avec des photos faites avec des appareils anciens, des séquences filmées alors qu’il passe de ville en ville à bord de trains futuristes, des enregistrements en field-recording, instants sonores volés au gré de ses pérégrinations. Tout cela va se mélanger et constituer a posteriori la trame sonore et visuelle d’un second voyage, le voyage rêvé, intérieur, fantasmé.
Quel voyage sera le plus réel?
Bercé par ces traces lancinantes d’un voyage qui n’a peut-être jamais existé, Jean-Philippe Collard-Neven va se livrer, au piano, à l’improvisation sonore d’un carnet de voyage dans un Japon imaginaire.
NL
Jean-Philippe Collard-Neven keert terug van zijn reizen doorheen Japan met foto’s gefotografeerd met oude apparaten, opgenomen filmsequenties terwijl hij van stad tot stad reist aan boord van futuristische treinen, veldopnames en gestolen sonore momenten geheel afhankelijk van zijn omzwervingen. Dit alles gaat zich met elkaar vermengen en a posteriori een sonoor en visueel stramien vormen voor een tweede reis, een gedroomde reis, die zich vanbinnen afspeelt.
Welke reis staat het dichtst bij de werkelijkheid?
Gewiegd door de repetitieve sporen van een reis die misschien nooit heeft plaatsgevonden, geeft Jean-Philippe Collard-Neven zich over aan klankimprovisaties aan op de piano, van een reisverslag doorheen een imaginair Japan.
Mercredi | Woensdag 9/11
Musiques et Recherches
Haikusmatique/ Haikusmatic
20:00
Centre Wallonie-Bruxelles à Paris
Coproduction | Coproductie Centre Wallonie Bruxelles à Paris
Tarif | Tarief: 10€/8€/5€
Annette Vande Gorne, acousmonium | akoesmonium
Laurent Delforge, acousmonium | akoesmonium
Loup Mormont, acousmonium | akoesmonium
Laurent Delforge (1982), ‘明⽇’: ASU
Création mondiale - Wereldcreatie
Ingrid Drese (1957)
Io
ou Là bas, là haut
Annette Vande Gorne (1949)? Haiku
Création mondiale - Wereldcreatie
Loup Mormont (1981)? K44
Création mondiale - Wereldcreatie
FR
Musiques & Recherches développe la création et la diffusion des musiques acousmatiques en Belgique depuis 1982. Sur un acousmonium de 44 voies de projection et 24 à 78 haut-parleurs, quatre productions récentes du studio numérique multiphonique (16 canaux) rêvent le Japon et l’espace du cosmos. Elles immergent chaque auditeur dans l’expérience du son en mouvement spatial et suscite ses capacités imaginatives, son cinéma intérieur.
K44 de Loup Mormont est le nom d'un barrage construit dans un Japon sauvage et inexploré. Ainsi, les clivages entre comportement mécanique et état sauvage, entre rythmes et masses ou encore entre notes et bruits, se déplacent, se précisent ou s'évanouissent.
Laurent Delforge s’inspire du poème « asu » (tomorrow) de Akiko Yosano.
Ingrid Drese, avec son oeuvre IÔ, s’intéresse au cosmos, corps noirs, amas d'étoiles, lumière, explosions, températures, vitesses : métaphores pour un geste musical, une rêverie poétique.
Annette Vande Gorne s’inspire de la brièveté temporelle et de la longue résonance imaginative du haïku pour évoquer des univers contrastés dans un espace divisé entre 16 canaux;
NL
De organisatie Musiques & Recherches stimuleert de creatie en de verspreiding van akoesmatische muziek in België sedert 1982. Op een akoesmonium, een indrukwekkend ‘orkest’ van 44 schermen en 24 tot 78 luidsprekers, mijmeren vier recente producties uit de numerieke multifonische studio (16 kanalen) over Japan en de ruimte van de kosmos. Elke luisteraar wordt ondergedompeld in een ruimtelijk bewegende klankervaring, hetgeen zijn verbeelding prikkelt. Hij creëert als het ware zijn eigen innerlijke film.
K44 van Loup Mormont is de naam van een stuwdam die gebouwd wordt in een wild en ongerept Japan. Breuklijnen verplaatsen zich tussen mechanisch gedrag en wilde toestand, tussen ruimte en massa of tussen noten en geluiden. Ze verduidelijken zich of smelten weg.
Laurent Delforge inspireert zich op het gedicht asu (morgen) van Akiko Yosano.
Ingrid Drese heeft interesse voor de kosmos, voor zwarte lichamen, voor sterrenhopen, licht, explosies, temperaturen, snelheid: metaforen voor een muzikaal gebaar, een poëtische rêverie.
Annette Vande Gorne focust zich op de kortstondigheid van het moment en de lange ingebeelde weerklank van de haiku om contrasterende universums op te roepen in een ruimte, onderverdeeld in 16 kanalen.
Jeudi | Donderdag 10/11
Kaoru Tashiro
Piano Motion
20:00
Centre Wallonie-Bruxelles à Paris
Coproduction | Coproductie: Centre Wallonie Bruxelles à Paris
Tarif | Tarief: 10€/8€/5€
Kaoru Tashiro, piano
Baudouin de Jaer (1962), Crocus 1
Baudouin de Jaer (1962), Crocus 9
Dai Fujikura (1977), Etude No. 1: Frozen Heat
Kenji Sakai (1977), Reflecting Space I
Kenji Sakai (1977), Blue in Green/Green in Blue
Kenji Sakai (1977), Etude No. 1 ‘Groove’
Création belge | Belgische creatie
Kenji Sakai (1977), Etude No. 7
Création belge | Belgische creatie
Noriko Koide (1982), Project Sukebeningen Real x Fiction, Reality and Figment of Eros
Création belge | Belgische creatie
FR
Kaoru Tashiro explore avec aisance une large littérature pianistique, allant de Mozart à Prokofiev, de Mendelssohn à Scriabine. Cette même quête l'emmène sur les rives de la création, qu'elle croise parfois avec la vidéo comme en témoigne son projet « Piano Motion » qui allie avec dextérité des partitions contemporaines et le langage visuel personnel de Kurt D'Haeseleer.
Pour ce concert parisien, Kaoru Tashiro a bâti un pont entre la Belgique et le Japon, esquissant chaque pièce comme une voûte de soutènement d'un édifice sonore imaginaire. Ce voyage immobile se jouera des distances et immergera l'auditeur dans l'univers magnétique de Kenji Sakai, Noriko Koide, Baudouin de Jaer et Dai Fujikura.
NL
Kaoru Tashiro verkent moeiteloos een breed pianorepertoire, gaande van Mozart tot Prokofjev, van Mendelssohn tot Skrjabin. Deze zelfde zoektocht leidde haar naar eigen creaties, soms vermengd met videobeelden. Zoals haar project Piano Motion dat met behendigheid hedendaagse partituren en de persoonlijke visuele taal van Kurt D'Haeseleer combineert.
Voor dit Parijse concert bouwt Kaoru Tashiro bruggen tussen België en Japan. Ze schetst elk stuk als een gewelf van een ingebeeld sonoor gebouw. Deze bewegingloze reis houdt de gek met afstanden en dompelt de luisteraar onder in het magnetische universum van Kenji Sakai, Noriko Koide, Baudouin de Jaer en Dai Fujikura.
CONCERTS | CONCERTEN
Samedi | Zaterdag 12/11
Transversale
Nao Momitani
18:00
Le Senghor
Coproduction | Coproductie: LOOP, Le Senghor & Ars Musica
Prix | Prijs: 10€ /8€
Pass concert, conférence | Pass concert, conferentie: 12€
Nao Momitani, piano (JP)
Ryo Dainobu (1982), Syuurinsyou
Claude Ledoux (1960), Japanese Email 1
Daï Fujikura (1977), Ayatori
Daï Fujikura (1977), Seksek
Marcel Cominotto (1956), Soir d'automne - Four seasons in Japan: 4 créations pour piano solo | 4 creaties voor solopiano
Gilles Gobert (1971), Trois pièces pour piano et électronique | Drie stukken voor piano en elektronica
Création Ars Musica | Creatie Ars Musica
FR
Du volte-face entre Claude Ledoux et Dai Fujikura à la poétique de Ryo Dainobu dont les vibrations intimes se connectent avec ravissement à celles de Sarah Wéry, le voyage ne serait pas complet sans une réflexion profonde - évoquée par les compositeurs précités - sur la confrontation entre cultures traditionnelles et actuelles. D’où cette idée transversale, renforcée par la fusion entre sons acoustiques et sonorités électroniques que l'on retrouve dans le riche catalogue de Gilles Gobert.
NL
“Deze programmatie steunt op het verlangen de Japanse gedachtewereld te verenigen met de Belgische, als twee werelden die zich meer en meer vermengen, zowel in mijn eigen intieme leven als in mijn verbeelding”, aldus Nao Momitani.
Van de kentering tussen Claude Ledoux en Dai Fujikura tot de poëzie van Ryo Dainobu waarvan de intieme trillingen zich verbinden met die van Sarah Wéry, zou de reis niet volledig zijn zonder een diep reflecteren – door bovengenoemde componisten – over de confrontatie tussen traditionele en hedendaagse cultuur. Vandaar dit transversaal idee, dat nog versterkt wordt door de fusie tussen akoestische en elektronische klanken waarvan de stukken van Gilles Gobert waardige vertegenwoordigers zijn.
Samedi | Zaterdag 12/11
Concert d’ouverture | Openingsconcert: November Steps
Brussels Philharmonic
Dir. | o.l.v. Peter Rundel
20:00
BOZAR (HLB)
Coproduction | Coproductie: BOZAR, Brussels Philharmonic & Ars Musica
Prix | Prijs: 10€ à 38€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Captation live | Live captatie: Klara
Brussels Philharmonic
Dir. | o.l.v. Peter Rundel (DE)
Reison Kuroda, shakuhachi (JP)
Akiko Kubota, biwa (JP)
Grete Moortgat, taiko (BE)
Art Lee, taiko (US)
Kaoru Watanabe, taiko, shinobue (JP)
Yukari Ichise, taiko (JP)
Shoji Kameda, taiko (JP)
Toru Takemitsu (1930-1996), November steps
Création belge | Belgische creatie
Frederic Neyrinck (1985), «...sainte-Fuji...» pour orchestre symphonique | "...sainte-Fuji..." voor symfonisch orkest
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Daï Fujikura (1977), Secret Forest
Création belge | Belgische creatie
Toru Takemitsu (1930-1996), Ran
Suite pour orchestre d’après la musique du film de Kurosawa | Suite voor orkest naar muziek van de film van Kurosawa
Maki Ishii (1936-2003), Mono-Prism
Création belge | Belgische creatie
FR
Pour ce concert d’ouverture, le Brussels Philharmonic et Ars Musica explorent la musique japonaise contemporaine et donnent carte blanche à Frederic Neyrinck. Le jeune compositeur belge rendra un hommage croisé à Paul Cézanne et Katsushika Hosukai. Tous deux furent fascinés par la montagne, l’un par le Mont Ste-Victoire l’autre par le mont Fuji. Les deux peintres offrent un travail similaire et différent à la fois, tant sur l’approche de la texture que de la lumière. Ce sont cette similarité et cette pluralité que Frederick Neyrinck transcrit dans son œuvre, jouant avec les couleurs timbriques de l’orchestre. Le programme plongera également l’auditeur dans le pays du sonore levant avec deux œuvres majeures de Toru Takemitsu : « Ran », composée pour le mythique film éponyme d’Akira Kurozawa et « November Steps », qui fait dialoguer instruments traditionnels japonais (biwa et shakuhachi) et orchestre. Ce concert sera l’occasion de plonger dans l’univers de Daï Fujikura, représentant de la jeune génération de compositeurs japonais, avec « Secret forest », une œuvre pour cordes qui révèle avec délicatesse leur magique alchimie. Enfin, c’est avec une étonnante œuvre spectaculaire pour cinq tambours japonais et orchestre de Maki Ishii, que le concert s’achèvera, une expérience inouïe qui marie avec dextérité tradition et modernité, sous la baguette inventive de Peter Rundel.
NL
Voor het openingsconcert gaan Brussels Philharmonic en Ars Musica op ontdekkingstocht door de hedendaagse Japanse muziek en geven Frédéric Neyrinck carte blanche. De luisteraar wordt ondergedompeld in het land van de rijzende sound met twee zeer belangrijke werken van Toru Takemitsu: Ran, gecomponeerd voor de mythische film van Akira Kurozawa en November Steps, dat twee traditionele Japanse instrumenten (biwa en shakuhachi) in dialoog laat treden met orkest. Vervolgens wordt het universum van Daï Fujikura verkend. Hij vertegenwoordigt de nieuwe generatie Japanse componisten met Secret Forest, een werk voor snaarinstrumenten dat het wonderlijke spel der snaren met verfijning openbaart. Het concert wordt afgesloten met een opvallend werk van Maki Ishii, een spectaculair stuk voor vijf Japanse trommels en orkest. Het is een buitengewoon experiment dat traditie en moderniteit op een behendige manier combineert, vindingrijk begeleid door Peter Rundel.
Samedi | Zaterdag 12/11
Lundi | Maandag 14/11
Mardi | Dinsdag 15/11
Jeudi | Donderdag 17/11
Vendredi | Vrijdag 18/11
Mercredi | Woensdag 23/11
Jeudi | Donderdag 24/11
Vendredi | Vrijdag 25/11
Iwona
Operette électronique
Elektronische operette
20:30
Théâtre la Balsamine
Collaboration | Samenwerking: Théâtre la Balsamine, La Cerisaie ASBL & Ars Musica
Avec le soutien de | Met de steun van: Fédération Wallonie-Bruxelles - service du Théâtre, La Chartreuse de Villeneuve lez Avignon - Centre national des écritures du spectacle & WBT/D, TEMPO REALE - Centro di Ricerca produzione e Didattica Musicale & iMAL Center for digital cultures and technology.
Avec l´aide à l´écriture et à la production de | Voor tekst en productie met de hulp van: Association Beaumarchais - SACD
Créée dans le cadre du projet de co-financement européen | Gecreëerd als onderdeel van de Europese projectfinanciering: FORTeRESse/ Eu Collective Plays
Prix | Prijs: 15€/ 9€
Création de Françoise Berlanger | Creatie van Françoise Berlanger
Chloé De Grom, comédienne | actrice (BE)
Claude Schmitz, comédien | acteur (BE)
Benoit Van Dorslaer, comédien | acteur (BE)
Pauline Claes, chant | zang (BE)
Fabian Fiorini, piano (BE)
Yuko Fukumae, clarinette | klarinet (JP)
Jeanne Maisonhaute, violoncelle | cello (BE)
Françoise Berlanger, metteur en scène et écriture | regie en tekst (DZ)
Gilbert Nouno, compositeur, vidéaste et musicien électronique | componist, videokunstenaar en elektronische muzikant (FR)
Sabine Durand, dramaturgie
Marcel Berlanger, art plastique et scénographie | beeldende kunst en scenografie
Rémy Urbain, création lumière | lichtontwerp
Fred Op de Beeck, directeur technique | technisch directeur
Elise Vandergotten, assitante | assistent
Gilbert Nouno (1970), Création mondiale | Wereldcreatie
Commande d'Ars Musica | Compositieopdracht Ars Musica
FR
Un corps sans voix, celui d’Yvonne, et trois personnages de pouvoir : un prince doré et survolté, une reine complexée et soprano, un roi lubrique. Un trio s'y adjoint naturellement : une clarinette, un piano, un violoncelle. Le chant de la reine et les sons électroniques emplissent l'espace sonore, s'écoulent entre les notes des instruments et les voix parlées des acteurs. Iwona est une opérette (live !) électronique, forme réinventée pour une comédie mélodique et stridente. La voix d'Yvonne ? Peut-être est-ce la musique qui en est le miroir : elle devient musique de scène. Un matériau plastique hybride où le son est toujours en train de jouer.
NL
Yvonne of een lichaam zonder stem, en drie machtige personages: een gebronsde en overmoedige prins, een beschroomde, vocaliserende koningin en een perverse, chagrijnige koning. Een muzikaal trio vervoegt hen op heel natuurlijke wijze – een klarinet, een piano, een cello. Het gezang van de koningin en elektronische tonen vullen de klankruimte, stromen door de noten van de instrumenten en de gesproken stemmen van de acteurs heen. Iwona is een elektronische (live!) operette, een heruitgevonden vorm, melodisch en schril. De stem van Yvonne? Misschien is de muziek wel haar spiegel, als deel van de scène, als een plastisch en hybride lichaam dat steeds maar blijft spelen.
Samedi | Zaterdag 12/11
Musiclub
Jean-François Pauvros & Makoto Kawabata
22:00
Art Base
Collaboration | Samenwerking: Art Base & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 12€
Pass 5 concerts | Pass 5 concerten: 50€
Jean-François Pauvros, guitare électrique | elektrische gitaar (FR)
Makoto Kawabata, guitare électrique | elektrische gitaar (JP)
Jean-Francois Pauvros (1947), Création pour deux guitares | Creatie voor twee gitaren
FR
Comme des comètes ou des météorites nocturnes, le Musiclub d'Ars Musica propose de terminer la soirée en découvrant des répertoires originaux ou décalés, reflets de pratiques musicales qui font la pluralité et donc la richesse de la musique d'aujourd'hui. Musiques électroniques, improvisées, électriques ou acoustiques, le Musiclub est un laboratoire sonore qui exacerbera la curiosité des spectateurs en quête d'inouï.
Dès le 12 novembre à Art Base au cœur de Bruxelles, les oreilles fureteuses pourront y entendre Jean-François Pauvros, Emiko Ota, Hugues Vincent, Hoppy Kamiyama notamment, pour un voyage vers l’inouï.
NL
Als waren het kometen of meteorieten in de nacht, zo stelt de Musiclub van Ars Musica voor om de avond af te sluiten met bijzondere of eigenzinnige repertoires, in een reflectie over muzikale praktijken die de diversiteit en meteen ook de rijkdom van de hedendaagse muziek illustreren. Elektronische muziek, improvisatie, elektrisch of akoestisch, de Musiclub is een klanklaboratorium dat de nieuwsgierigheid prikkelt van elke luisteraar die op zoek is naar het buitengewone.
Vanaf 12 november kunnen gretige oren met name luisteren naar Jean-François Pauvros, Emiko Ota, Hugues Vincent en Hoppy Kamiyama, in het hart van Brussel.
FR
Dialogue écorché, tendu, délicat ou sacralisé, tout n’est là que pour favoriser le jeu électrique de ces deux musiciens. L’un, français, a fait de l’inclassable son crédo, parcourant avec indolence un itinéraire damé de rencontres allant de Jac Berrocal à Arto Lindsay, de la chorégraphe Anne Dreyfus au poète Gozo Yoshimasu. L’autre, japonais, a l'instrument greffé à la peau. Il fut un furieux meneur d’hommes au sein du groupe Acid Mothers Temple, un compositeur impétueux à la virtuosité entre musique contemporaine, hard rock et musique traditionnelle. Ce singulier duo tend vers l'ivresse et délivre avec ses seules guitares un style à la texture unique.
NL
Een verwarde en gespannen dialoog, delicaat of haast heilig: alle elementen zijn aanwezig voor een geweldig elektronisch spel van deze twee muzikanten. De Fransman Pauvros valt niet in een hokje te duwen en heeft met het grootste gemak een weg afgelegd waar heel wat mensen zijn pad kruisten: van Jac Berrocal tot Arto Lindsay, van de choreografe Anne Dreyfus tot de dichter Gozo Yoshimasu. De Japanner Kawabata, gebeten door zijn instrument, is naast aanvoerder van de groep Acid Mothers Temple ook een temperamentvol componist, die zich even virtuoos beweegt in de wereld van de hedendaagse muziek, de hardrock als van de traditionele muziek.
Dit bijzondere duo lijkt wel in een roes te baden en brengt met zijn gitaarspel een aparte en unieke stijl.
Dimanche | Zondag 13/11
Jardin zen. Thérèse Malengreau et l’ONB
Takemitsu, Mayuzumi & Hosokawa
De zentuin. Thérèse Malengreau en het NOB
Takemitsu, Mayuzumi & Hosokawa
11:00
BOZAR (M)
Coproduction | Coproductie: BOZAR, NOB-ONB & Ars Musica
Prix | Prijs: 12€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Six musiciens de l'ONB | Zes musici van het NOB
Thérèse Malengreau, piano (BE)
Toru Takemitsu (1930-1996), Quatrain II
Toshiro Mayuzumi (1929-1997), Pièces pour piano préparé et quintette à cordes | Stukken voor geprepareerde piano en strijkkwintet
Toshio Hosokawa (1955), « Im Tal der Zeit » pour piano et quatuor à cordes | "Im Tal der Zeit" Voor piano et strijkkwartet
Adrien Tsilogiannis (1982)
Alice Hebborn (1990), Rivière
Sami Strazimiri (1991)
Robin Dauchot (1998)
FR
La pianiste Thérèse Malengreau s’intéresse particulièrement aux rapports de la musique aux autres arts et au monde. Sa curiosité l’a amenée à explorer les liens entre les compositeurs et les poètes japonais. Le chemin qui mène des maîtres du haïku à Takemitsu pensant sa composition musicale comme une promenade dans un jardin zen conduit à une préoccupation citoyenne : en 1996, le ministère de l’environnement du Japon a désigné les 100 sons naturels du Japon. Cet horizon de réflexion est proposé à des jeunes compositeurs qui nous offrent de courtes créations.
NL
Pianiste Thérèse Malengreau interesseert zich in het bijzonder voor de relatie tussen de muziek met andere kunstvormen en de wereld. Zo ontleedde ze de verbanden tussen Japanse componisten en dichters. De weg die van de meesters van de haiku tot bij Takemitsu leidt, die zijn muzikale compositie beschouwt als een wandeling in een zentuin, prikkelde haar burgerbewustzijn: in 1996 benoemde het Ministerie voor Milieu in Japan de 100 natuurlijke klanken van Japan. Jonge componisten werd voorgesteld over dit gegeven te reflecteren en er korte creaties uit te distilleren.
Dimanche | Zondag 13/11
Quatuor Tana
Takemitsu, Deleuze & de la Fuente
20:30
Théâtre la Balsamine
Collaboration | Samenwerking: Théâtre la Balsamine & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 9€
Quatuor Tana (FR/BE)
Antoine Maisonhaute, violon | viool (BE)
Ivan Lebrun, violon | viool (BE)
Maxime Desert, alto | altviool (BE)
Jeanne Maisonhaute, violoncelle | cello (BE)
Benjamin de la Fuente (1969), Quatuor n°1
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Jean-Pierre Deleuze (1954), Le pavillon des songes
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Toru Takemitsu (1930-1996), A Way Alone
Toru Takemitsu (1930-1996), Landscape
FR
« Tombent les fleurs
et déjà pour moi aussi
le chemin descend. »
C’est la lecture de cet haïku de Issa qui donna à Jean-Pierre Deleuze la structure de son quatuor « Le pavillon des songes ». Dans ce dernier, Il y explore la temporalité, jouant notamment sur l’extrême lenteur du déplacement de l'archet et des "transitions de timbres". Quant à Benjamin de la Fuente, ce sont les matériaux et les couleurs, dont l’ordonnance définit la forme, qui fut le fil rouge de son Quatuor n°1.
Au regard des ces deux œuvres nouvelles, il est intéressant de plonger dans l’univers de Toru Takemitsu. Bien que très riche, son catalogue ne comporte que deux œuvres pour quatuor à cordes : « A Way Alone » et « Landscape », que le Tana nous offre comme un clin d’œil malicieux à la thématique du festival.
NL
“Bloemblaadjes vallen
voor mij leidt de weg
ook reeds naar beneden “
Le Pavillon des Songes is ontstaan uit de lezing van deze haiku van Issa en inspireerde Jean-Pierre Deleuze voor de structuur van zijn kwartet.
In Le Pavillon des Songes verkent hij de tijdelijkheid en speelt meer bepaald in op de extreme traagheid van de verplaatsing van de strijkstok en de overgangen van de klankkleuren (nadat hij deze techniek gezien had bij Transitions de timbres).
De creatie van Benjamin de la Fuente steunt op het ontwikkelen van een soort 'catalogus' van materialen en kleuren waarvan de volgorde de vorm bepaalt. Deze loopt als een rode draad door zijn Quatuor n°1.
Het is in dit verband interessant zich wat te verdiepen in het universum van Toru Takemitsu. Zijn oeuvre bevat echter slechts twee werken voor strijkers: A Way Alone en Landscape. Tana voert deze werken voor ons uit met een vette knipoog naar de thematiek van het festival.
Lundi | Maandag 14/11
Wilhem Latchoumia & Christophe Desjardins
Shostakovich, Kissine & Baba
20:00
Conservatoire royal de Bruxelles | Koninklijk Conservatorium Brussel
Coproduction | Coproductie: BOZAR & Ars Musica
Prix | Prijs: 22€ à 30€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Wilhem Latchoumia, piano (FR)
Christophe Desjardins, alto | altviool (FR)
Dmitri Shostakovich (1906-1975), Sonate pour alto et piano, op. 147 | Sonate voor altviool en piano, op. 147
Noriko Baba (1972), Sonatine (I: Novelette, II : Scherzino, III : Quasi Requiem)
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Victor Kissine (1953), Création pour piano et alto | Creatie voor piano en alto
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Composée peu de temps avant sa mort, la sonate pour violon alto et piano en do majeur op. 147 de Dimitri Shostakovitch est une œuvre aux multiples facettes, qui marie avec dextérité le folklore de sa Russie natale aux emprunts à des œuvres de Rachmaninov, Wagner, Berg ou Beethoven. C’est pour cette même nomenclature instrumentale, que la compositrice japonaise Noriko Baba a écrit, enrichissant ainsi une littérature musicale pour ces deux instruments, peu fournie depuis la sonate du maître russe.
Au-delà du lien de la terre qui réunit Victor Kissine et Dmitri Shostakovitch, il existe une filiation indicible entre ces deux compositeurs. L’art du ciselage, du perfectionnisme orchestral, de la précision timbrale sont autant de traits que l’on retrouve chez ces deux créateurs. Installé en Belgique depuis 1990, il collabore étroitement avec Gidon Kremer et l’orchestre Kamerata Baltica pour qui il a écrit notamment un concerto pour violon, « After-sight. Pour le duo Wilhem Latchoumia-Christophe Desjardins, il a repris le flambeau de la sonate laissée par Shostakovitch pour élaborer une œuvre nouvelle, passerelle invisible entre tradition et modernité.
NL
De sonate voor altviool en piano in do majeur op. 147 van Dmitri Sjostakovitsj werd niet lang voor zijn dood gecomponeerd. Het is een werk met vele gezichten, dat in de laatste beweging op een behendige manier de folklore van Sjostakovitsj’ geboorteland Rusland combineert met invloeden uit de werken van Rachmaninov, Wagner, Berg of Beethoven.
De Japanse componiste Noriko Baba schreef voor dezelfde bezetting. Zo heeft ze de muzikale literatuur voor beide instrumenten, die vrij schraal was sinds de sonate van de Russische meester, verrijkt.
Los van het feit dat Victor Kissine en Dmitri Sjostakovitsj afkomstig zijn uit hetzelfde land, valt nog een andere verwantschap tussen beide componisten op. Het aanbrengen van ornamenten, het orkestrale perfectionismeen en de precisie van het timbre is bij beiden onmiskenbaar terug te vinden. Kissine leeft sinds 1990 in België. Hij werkt nauw samen met Gidon Kremer en het Kremerata Baltica orkest waarvoor hij ondermeer After-Sight, een ander concerto voor viool, componeerde. Voor het duo Wilhem Latchoumia-Christophe Desjardins heeft hij zich geïnspireerd op de sonate, nagelaten door Sjostakovtisj, om een nieuw werk te creëren, als een overbrugging tussen traditie en moderniteit.
Lundi | Maandag 14/11
Tokyo Magnetic
20:00
Halles de Schaerbeek
Coproduction | Coproductie: Alliance Française de Bruxelles-Europe, Service Culturel de l'Ambassade de France en Belgique, Instituto Cervantes Bruselas, Istituto Italiano di Cultura, Centrum Polskie & Les Halles de Schaerbeek & Ars Musica
Prix | Prijs: 20€/ 16€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 30€
Dir. | o.l.v. Jean-Louis Marchand
Stéphanie Croibien, artiste visuelle (vidéo, performance live) | visueel artiest (video), live performance (BE)
Jean-Louis Marchand, clarinette basse | basklarinet (BE)
Christophe Rieger, saxophone tenor | tenorsax (FR)
Luca Nostro, guitare électrique | elektrische gitaar (IT)
Eve Risser, clavier | klavier (FR)
Javier Moreno Sanchez, basse électrique | elektrische bas (ES)
Hubert Zemler, batterie | drums (PL)
Jean-Louis Marchand (1979), Stéphanie Croibien (1977), Christophe Rieger (1980), Tokyo Magnetic
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Tokyo Magnetic est un projet mettant en musique et en image une vision singulière de la mégalopole japonaise.
L’ensemble acoustique Duadueduiduo (saxophones et clarinettes) est encadré par les « résonances électriques » de quatre musiciens européens et imagé par l’artiste visuelle Stéphanie Croibien. Cette dernière créant en direct un dispositif visuel élaboré à partir de live compositing, apportant ainsi à la création Tokyo Magnétic une dimension visuelle forte.
En jouant sur le rapport à l’illusion, le spectateur est invité à se laisser entrainer dans cet univers singulier, imaginé comme la visite d’un Tokyo fantasmé.
NL
Tokyo Magnetic is een project dat een bijzondere kijk biedt op de Japanse megalopool door ze tegelijk op muziek te zetten en in beeld te brengen.
Het akoestisch ensemble Duadueduiduo (saxofoon en klarinet) wordt omkaderd door de 'elektrische weerklanken' van vier Europese muzikanten en van beeld voorzien door de visuele kunstenares Stéphanie Croibien. Laatstgenoemde creëert live een volledig uitgewerkte visuele apparatuur vanaf live compositing, en bezorgt de creatie Tokyo Magnetic zo een sterke visuele dimensie.
Door het spel der illusie, wordt de toeschouwer meegesleept in dat bijzondere universum, uitgebeeld als een virtueel bezoek aan een gefantaseerd Tokio.
Mardi | Dinsdag 15/11
Pianisphère | Pianisfeer
Ginsburgh, Coomans, Sultana & Remiche
20:00
Halles de Schaerbeek
Coproduction | Coproductie: Halles de Schaerbeek & Ars Musica
Prix | Prijs: 20€/ 16€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 30€
FR
Comme une sorte de planisphère pianistique, « Pianisphère » plonge l’auditeur dans un large répertoire contemporain, aux facettes multiples. Ainsi dans cette immersion sonore, les musiciens explorent un langage musical où les syntaxes et les temps se chevauchent. Des « Territoires de l’oubli » de Tristan Murail, où le piano se métamorphose en un ensemble de cordes résonantes, aux mots de Kafka devenus sons dans « Kafka’s Notebooks » de Yuji Takahashi, du « Soir d’automne » de Marcel Cominotto au « Piano Space » de Toshi Ichiyanagi, on perçoit ce cisèlement qui fait de chaque œuvre une unicité.
Les quatre pianistes cartographient ainsi de nouveaux territoires, comme un planisphère en suspension, comme une sphère timbrique.
NL
Tijdens Pianisfeer wordt de luisteraar ondergedompeld in ‘pianosferen’, een verzameling van atmosferen van klank door de piano voorgebracht, een hedendaags repertoire met vele facetten. Tijdens die klankimmersie gaan muzikanten op zoek naar een eigen taal, waar structuren en tijden elkaar overlappen. Bij Territoires de l'oubli van Tristan Murail wordt de piano getransformeerd tot een galmend geheel van snaren, in Kafka's Notebooks van Yuji Takahashi worden Kafka’s woorden verklankt en ook in Soir d'automne van Marcel Cominotto of Piano Space van Toshi Ichiyanagi ontwaart men die sferische uniciteit.
De vier pianisten brengen nieuwe gebieden in kaart, net zoals bij het ontwerp van een voorlopige wereldkaart of een atmosfeer van klank.
GINSBURGH
Stéphane Ginsburgh, piano (BE)
Frederic Rzewski (1938), Dreams
Frederic Rzewski (1938), Fireflies
Yūji Takahashi (1938), Kafka's Notebook
Création belge | Belgische creatie
FR
Chacun porte en lui une chambre. Ce fait peut même être prouvé par le sens de l'audition. Si quelqu'un marche rapidement, se pince l'oreille et écoute, pendant la nuit, quand tout est calme alentour, il entend, par exemple, le cliquètement d'un miroir pas suffisamment fixé au mur. -Franz Kafka, Premier carnet bleu in-Octavo.
Frederic Rzewski et Yuji Takahashi, deux vieux amis, immenses pianistes et compositeurs, sont mis en abîme avec cette question en suspend : « qui est le rêve de l'autre ? » C’est à cette question que Frederic Rzewski tente de répondre avec « Dreams » dans lequel il explore un procédé de composition inspiré par le film éponyme du réalisateur japonais Akira Kurosawa.
Dans « Kafka's Notebooks », Yuji Takahashi, dans le dédale des huit carnets in-octavo composés de textes infimes, visite les fragments de la voix kafkaïenne comme dans un rêve.
“À la fin de chaque fragment, passer la main sur les yeux comme pour balayer le rêve”.
NL
Frederic Rzewski en Yuji Takahashi, twee oude vrienden, geweldige pianisten en componisten, plaatsen eenzelfde beeld in een ander (mise en abyme) en kunnen geen eenduidig antwoord geven op de vraag: “wie is de droom van de ander?”. Frederic Rzewski probeert een antwoord te vinden met Dreams waarin hij het compositieprocédé, geïnspireerd op de gelijknamige film van de Japanse regisseur Akira Kurosawa, onderzoekt.
In Kafka's Notebooks onderzoekt Yuji Takahashi in de doolhof van acht notaboekjes in octavo formaat, samengesteld uit zeer korte tekstjes, fragmenten van de kafkaiaanse stem, als in een droom.
Aan het eind van elk fragment strijkt men met de hand over de ogen, om de droom als het ware uit te wissen.
COOMANS
Fabian Coomans, piano (BE)
Tristan Murail (1947), Territoire de l'oubli
Karen Tanaka (1961) Crystaline 2
FR
En réaction à une écriture percussive du piano, courante à l'époque, Territoires de l'oubli renoue avec une certaine conception "lisztienne" de la virtuosité. Le piano y est considéré avant tout comme un ensemble de cordes résonantes - la percussion des marteaux n'est que l'indispensable inconvénient qui permet de les mettre en vibration, directement ou par sympathie. Les sons vibrent jusqu'à extinction naturelle, car la pédale est enfoncée pendant toute la pièce, sans jamais être relevée. Leur résonance décrit des territoires successifs, délimités par l'oubli des fréquences qui s'éteignent. Le piano est aussi traité comme une sorte d'orchestre virtuel, démultiplié par des chambres d'écho imaginaires. Le timbre et l'harmonie sont en relation étroite : les hauteurs sont souvent choisies en fonction des résonances naturelles du piano, qu'elles renforcent ou contrarient selon le sens de l'évolution.
NL
Als reactie op een percussieve schriftuur voor piano die vroeger gangbaar was, haalt Territoires de l'oubli de banden weer aan met een zekere 'Lisztiaanse' voorstelling van de virtuositeit. De piano wordt daarin beschouwd als een geheel van snaren die klank doen weerkaatsen – de percussie van de hamers is slechts het strikt noodzakelijke nadeel dat hen doet vibreren, rechtstreeks of uit sympathie. De klanken trillen tot ze uitsterven, het pedaal blijft ingeduwd tijdens het hele stuk, zonder ooit losgelaten te worden. Hun weerklank beschrijft opeenvolgende domeinen (territoires), begrensd door de vergetelheid (l’oubli) van de uitdovende frequenties. De piano wordt ook beschouwd als een virtueel orkest, vermenigvuldigd door imaginaire kamers waarin een echo weerklinkt. Het timbre en de harmonie hangen nauw met elkaar samen: de hoge tonen worden vaak gekozen in functie van de natuurlijke resonantie van de piano, die ze versterkt of juist tegenwerkt volgens de richting van de beweging.
SULTANA
Gabi Sultana, piano (Malte | Malta)
Karel Goeyvaerts (1923-1993), Pièce pour piano et bande | Stuk voor piano en tape
Toshi Ichiyanagi (1933), Piano Space
Benjamin Van Esser (1979), Coalesce
C’est dans l’univers de Karel Goeyvaerts, Benjamin Van Esser et Toshi Ichiyanagi que Gabi Sultana esquisse un chemin curieux de sonorités nouvelles. Alors que ce premier élabore dans "Pièce pour piano et bande", un dialogue entre le piano et des sons fixés, Benjamin Van Esser utilise, quant à lui, divers effets connus plutôt dans la culture pop contemporaine, tels que des « boucles », «freeze» et «glitch», pour créer une pièce qui alterne agrégats complexes et sons éthérés. En poussant plus loin son voyage, la pianiste pénètre avec passion « Piano Space », de Toshi Ichiyanagi, disciple de John Cage, qui est l'une de ses dernières œuvres. Le compositeur joue avec le silence comme un miroir, comme un partenaire de son écrit.
A l’instar du merveilleux programme qu’elle confectionna à l’occasion d’un « mardi contemporain » lors de la saison dernière, Gabi Sultana surprend par son approche qui conjugue délicatesse et puissance.
NL
Gabi Sultana schetst een vreemdsoortige weg van nieuwe klanken in het universum van Karel Goeyvaerts, Benjamin Van Esser en Toshi Ichiyanagi. Terwijl eerstgenoemde een dialoog tussen piano en opgenomen klanken op gang brengt in Stuk voor piano en tape, bedient Benjamin Van Esser zich daarentegen van diverse effecten uit de hedendaagse popcultuur, zoals loops, freeze en glitch om een werk te creëren waarin complexe samenstellingen en vluchtige klanken elkaar afwisselen. Nog verder doorgedreven en met eenzelfde passie baant de pianiste zich vervolgens een weg door Piano Space van Toshi Ichiyanagi, leerling van John Cage. In dit stuk, één van zijn laatste werken, speelt de Japanse componist met de stilte als met een spiegel, als met een bondgenoot bij het schrijven.
Net zoals het geweldige programma dat Gabi Sultana vorig seizoen ter gelegenheid van de Hedendinsdagen opvoerde, verbaast ze ons opnieuw met haar delicate en tegelijk krachtige aanpak op het klavier.
REMICHE
Jean-Noël Remiche, piano (BE)
Marcel Cominotto (1956), Soir d'automne - Four seasons in Japan
4 créations pour piano solo | 4 creaties voor piano solo
Création mondiale | Wereldcreatie
Michel Lysight (1958), Haru no haïku - Four seasons in Japan
4 créations pour piano solo | 4 creaties voor piano solo
Jean-Philippe Collard-Neven (1975),
Création mondiale | Wereldcreatie
Claude Ledoux (1960),
Création mondiale | Wereldcreatie
« Four seasons in Japan »
FR
"Four seasons in Japan" : un voyage envoûtant et coloré à travers l'œuvre du grand maître classique japonais Yosa BUSON. "Rien d'autre aujourd'hui - Que d'aller dans le printemps - Rien de plus" - « Oh ! Refuge où ondins - Ondines font l'amour - Lune d'été” - "Soir d'automne - Il est un bonheur aussi - Dans la solitude" - "Au cœur de l'hiver - Moines économes et officiants - Se délassent au vieux jardin".
Quatre haïkus dédiés aux quatre saisons, racontés par quatre compositeurs aux tempéraments bien marqués : Michel Lysight, Claude Ledoux, Jean-Philippe Collard-Neven et Marcel Cominotto nous proposent quatre créations mondiales.
NL
Four seasons in Japan: een betoverende en kleurrijke reis doorheen het werk van de grote klassieke meester Yosa Buson.
" Niets anders dan vandaag – Dan de lente ingaan – Niets meer.”
“Oh! Schuilplaats waar elfen – Elfen vrijen – Zomermaan.”
“Avond in de herfst – Is ook geluk – In eenzaamheid.”
“In het hart van de winter – Spaarzame monniken en misdienaars – Vermaken zich in de oude tuin.”
Vier haiku’s opgedragen aan de vier seizoenen, vertolkt door vier componisten met een sterke persoonlijkheid: Michel Lysight, Claude Ledoux, Jean-Philippe Collard-Neven en Marcel Cominotto stellen ons vier wereldcreaties voor.
Mardi | Dinsdag 15/11
Mercredi | Woensdag 16/11
Jeudi | Donderdag 17/11
Vendredi | Vrijdag 18/11
Samedi | Zaterdag 19/11
Mardi | Dinsdag 22/11
Mercredi | Woensdag 23/11
Jeudi | Donderdag 24/11
Vendredi | Vrijdag 25/11
Samedi | Zaterdag 26/11
Giovanni's Club
20:30
Théâtre Varia
Coproduction | Coproductie: As Palavras – Cie Claudio Bernardo & Théâtre de Liège & Ars Musica
Prix | Prijs: 21€ /15€/ 12€
Interdit aux moins de 16 ans | Verboden onder 16 jaar.
Claudio Bernardo, chorégraphie | choreografie & Scénographie | Scenografie (BR-BE)
Mikael Bres, danse | dans (FR)
Rafaël Gomes, danse | dans (BR)
Vincent Clavaguera-Pratx, danse | dans (FR)
Ezra Fieremans, danse | dans (BE)
Calixto Neto, danse | dans (BR)
Mavi Veloso, danse | dans (BR)
Christos Xyrafakis, danse | dans (GR)
Mimbi Lubansu, l’enfant | het kind (BE)
Jérôme Varnier, chant | zang (FR)
Musique originale de Jean-Philippe Collard-Neven (1975) & Yves De Mey (1972)
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Accueil en création et résidence artistique de la compagnie | Ontvangst voor creatie en residentie van het artisitieke gezelschap: Théâtre Varia & Centre dramatique de Bruxelles
Accueil studio | Residentie studio: Charleroi Danses - Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles
Avec le soutien du | Met de steun van: Ministère de la Fédération Wallonie-Bruxelles – Service de la Danse
Avec l'aide de | Met de hulp van: Théâtre Varia, Wallonie-Bruxelles Théâtre/Danse, SACD Belgique & Wallonie-Bruxelles International.
FR
Pour cette nouvelle création, Claudio Bernardo explore les figures mythiques de Casanova, Don Giovanni et Don Juan. Un lieu improbable, un club de l'imaginaire, un cabaret sulfureux de liberté. Un travail sur la masculinité et la virilité, un questionnement en ce début de siècle. Un club qui révèle par le pouvoir de la séduction la douleur et la faiblesse des hommes, un lieu où ils offrent un strip-tease de l’âme, la seule nudité qui ne leur soit jamais permise.
Pour cette création, Ars Musica a passé commande à deux compositeurs venus d'horizons différents pour une partition originale en binôme : Jean-Philippe Collard-Neven et Yves de Mey, rencontre inattendue entre le pianiste au parcours au long-cours, flirtant avec délicatesse avec les esthétiques et l'électronique inventive.
NL
Claudio Bernardo bestudeerde de mythische figuren Casanova, Don Giovanni en Don Juan voor deze nieuwe creatie. Een onverwachte plek, een club der verbeelding, een duivels cabaret dat vrijheid uitademt. Een onderzoek naar mannelijkheid en viriliteit, een vraagstelling in het begin van deze eeuw. Een club die door de kracht van de verleiding, de pijn en de zwakte van de mens onthult, een plek waar de geest als het ware een stripteaseshow opvoert, de enige naaktheid die hem nooit wordt toegestaan.
Voor deze creatie gaf Ars Musica twee componisten van verschillende horizonten de opdracht samen een originele partituur te schrijven: Jean-Philippe Collard-Neven, pianist met een lang traject, en Yves de Mey flirten verfijnd met schoonheid en vernuftige elektronica, in een onverwachte ontmoeting.
Mercredi | Woensdag 16/11
Orgues pluriels | Orgel in veelvoud
18:00
Eglise du Chant d'Oiseau | Vogelzangkerk
Coproduction | Coproductie: LOOP & Ars Musica
Prix | Prijs: 12€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 20€
FR
L'orgue traverse le temps, les époques et les modes sans jamais s'éroder. Sa science des combinaisons timbriques, son souffle intense, sa magnificence séculaire en ont fait un instrument unique, fidèle reflet de la société dont il est issu.
Orgues pluriels propose trois concerts façonnés comme trois facettes de la musique d'aujourd'hui, polies avec passion par des interprètes en quête de nouveaux langages et expériences sonores. Au fil des créations (« Water Path » de Dai Fujikura, « C » de Pierre Slinkx) ou d'œuvres emblématiques de cet instrument (« Fanfare II » de Philippe Boesmans, « Cloudscape » de Toshio Hozokawa) Jean-Philippe Merckaert, Yoann Tardivel et Cindy Castillo ont dessiné un large territoire musical, où l'audace et la curiosité sont de règle.
NL
Het orgel doorstaat de tijd, de eeuwen en de modes zonder te verslijten. De wetenschap van zijn klankcombinaties, zijn krachtige adem en zijn eeuwenoude grandeur hebben er een uniek instrument van gemaakt, een trouwe reflectie van de maatschappij waarin het is ontstaan.
Orgel in veelvoud stelt drie concerten voor, om drie facetten van de muziek van vandaag te laten horen, met passie uitgevoerd door vertolkers op zoek naar een nieuwe taal en nieuwe klankexperimenten. Tijdens de creaties (Water Path van Dai Fujikura, C van Pierre Slinkx) of emblematische werken voor dit instrument (Fanfare II van Philippe Boesmans, Cloudscape van Toshio Hosokawa), ontplooien Jean-Philippe Merckaert, Yoann Tardivel en Cindy Castillo een breed muzikaal territorium met durf en nieuwsgierigheid als maatstaf.
MERCKAERT
18:00
Jean-Philippe Merckaert, orgue | orgel (BE)
Philippe Boesmans (1936), Fanfare II (1971)
Toshio Hosokawa (1955), Cloudscape (2000)
Jean-Pierre Deleuze (1954), Toshi-kurezu, sur des haïku de Buson (2013) | Toshi-kurezu, op haiku's van de Buson (2013)
Pierre Bartholomée (1937), Livre d’Orgue (2008)
春の海終日のたりのたり哉
稲妻にこぼるる音や竹の露
笛の音に波もより来たる須磨の秋
冬川や仏の花の流れ来る
芭蕉去て芭蕉去て年暮ず - Buson
FR
La mer au printemps, tout au long de la journée sa danse ondulante !
Éclairs de chaleur – ah ! le bruit de la rosée tombant des bambous
Au son de la flûte les vagues aussi se lèvent – l’automne à Suma
Rivière d’hiver – fleurs offertes à Bouddha emportées par l’eau
Bashô parti – sans lui désormais l’année n’aura pas de fin
Le programme de ce concert fait la part belle à la musique contemporaine belge avec Fanfare II de Philippe Boesmans, l’un des sommets de la musique d’orgue du vingtième siècle, et deux partitions plus récentes créées auparavant par Merckaert : le Livre d’Orgue de Pierre Bartholomée et Toshi-Kurezu (l’année sans fin) de Jean-Pierre Deleuze, basé sur des Haïku de Yosa Buson (1716-1764) et dont ce sera aujourd’hui la première audition en Belgique. Pour compléter ce programme, Cloudscape du compositeur Toshio Hosokawa fera le pont avec l’œuvre d’inspiration japonaise de Deleuze, en restant dans cette même ambiance de contemplation sonore.
NL
De zee in de lente, haar golvende dans de hele dag lang!
Hitteschichten – oh! de klank van de dauw op de bamboe
Op de toon van de fluit komen ook de golven op – herfst in Suma
Winterrivier – bloemen geofferd aan Boeddha meegevoerd door het water
Bashô verdwenen – zonder hem kent het jaar voortaan geen einde
Het programma van dit concert legt de klemtoon op de Belgische hedendaagse muziek met Fanfare II van Philippe Boesmans, één van de hoogtepunten van de orgelmuziek van de twintigste eeuw, en twee meer recente partituren, reeds eerder gecreëerd door Merckaert: Livre d’Orgue van Pierre Bartholomée en Toshi-Kurezu (het jaar zonder einde) van Jean-Pierre Deleuze, gebaseerd op haiku's van Yosa Buson (1716-1764). Deze worden nu voor de eerste keer uitgevoerd in België. Het programma wordt vervolledigd met Cloudscape van componist Toshio Hosokawa. Het werk van Deleuze heeft Japan als inspiratiebron, en baadt in diezelfde sfeer van klankbespiegeling.
TARDIVEL
19:30
Yoann Tardivel Erchoff, orgue | orgel (FR)
Daï Fujikura (1977), Water Path
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Giacinto Scelsi (1905-1988), In Nomine Lucis
Claude Vivier (1948-1983), Les Communiantes
Toshio Hosokawa (1955), Sen IV
FR
Ce qui relie les 4 compositeurs de ce programme est un amour d'une matière sonore sculptée avec de subtils coups de crayon, une force expressive de tous les instants. La sensibilité extrême-orientale n'est pas étrangère à cette approche, loin de là. Pour les deux compositeurs occidentaux, Giacinto Scelsi et Claude Vivier, leurs sensibilités respectives ont été marquées par l'extrême Orient. Les deux y voyageront, le premier au début des années 50, le second le traversera de l'Iran jusqu'au Japon en passant par Java et Bali en 1978. Les japonais Toshio Hosokawa et Dai Fujikura feront le chemin inverse en venant occidentaliser leurs plumes et cultiver cette sensibilité au temps et au son au travers de l'étude des modèles d'écritures européens. Les pièces pour orgue de ces quatre compositeurs traduisent ces différentes démarches : l'emploi de contrastes extrêmes, des tessitures inattendues et d'un rapport à la temporalité inédit grâce au son continu qui le caractérise.
NL
De liefde voor klank als materiaal, met subtiele potloodlijnen vormgegeven, is wat de vier componisten van dit programma verbindt, doorheen de expressieve kracht van het moment. De fascinatie voor het Verre Oosten is hier geheel aan de orde. De twee westerse componisten, Giacinto Scelsi en Claude Vivier, zijn hier dan ook duidlijk door beïnvloed. Ze reisden er doorheen, de eerste in de jaren ’50, de tweede doorkruiste Iran en reisde via Java en Bali naar Japan in 1978. De Japanners Toshio Hosokawa en Dai Fujikura maakten de reis in tegenovergestelde richting. Zij lieten hun pennen verwesteren en hun gevoeligheid voor tijd en klank door middel van Europese schrifturen ontwikkelen. De werken voor orgel van deze vier componisten vertalen deze verschillende uitgangspunten: het gebruik van contrasten, van onverwachte tessituren of toonbereiken, en van een nooit geziene verhouding tot de tijdelijkheid, dankzij de aanhoudende klank die er karakteristiek aan is.
CASTILLO & SLINCKX
20:45
Cindy Castillo, orgue | orgel (BE)
Pierre Slinckx, électroniques | elektronica (BE)
Pierre Slinckx (1988), C
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Ce duo pour orgue et électronique avec Cindy Castillo et Pierre Slinckx vous promet un moment d’ouverture sur de nouvelles perspectives auditives.
Ce sera la création d'une grande pièce faite de plusieurs sections aux émotions diverses. On peut faire le parallèle avec une pièce de théâtre dont l'orgue serait le protagoniste. Une pièce que Pierre Slinckx va écrire dans un travail continu sur plusieurs mois en collaboration avec Cindy Castillo et au contact de l'orgue du Chant d'Oiseau. L'aspect visuel et scénique sera également travaillé.
L'inouï et l'inédit seront donc au rendez-vous pour venir conjuguer un réjouissant souffle frais au grand souffle de ce noble instrument qui ne demande peut-être qu'à se ré-oxygéner !!!
NL
Een avond die nieuwe luisterperspectieven opent, met Cindy Castillo en Pierre Slinckx, een duo van orgel en elektronische muziek.
Het wordt een omvangrijk stuk uit verschillende delen, dat diverse emoties oproept. Vergelijk het bijvoorbeeld met een theaterstuk waarin het orgel de hoofdrol speelt. Een stuk dat Pierre Slinckx en Cindy Castillo in een tijdspanne van een aantal maanden schrijven, in samenspel met het orgel van de Brusselse Vogelzangkerk. Voor het concert werken beide artiesten ook het visuele en scenische aspect uit.
Het wordt een bijzonder en nooit eerder vertoond concert, dat dit nobele instrument ongetwijfeld nieuw leven zal inblazen.
Mercredi | Woensdag 16/11
Mardi | Dinsdag 22/11
Partita Partagée
Isabelle Dumont & Georges van Dam
20:30
Théâtre la Balsamine
Co-présentation| Copresentatie: Théâtre la Balsamine & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 9€
Isabelle Dumont, tekst | tekst (BE)
Georges van Dam, violon | viool (BE)
Yuji Takahashi (1938), Dans Seong-Hwa (2005)
Johann Sebastian Bach (1685-1750), Partita n°2 en ré mineur pour violon (1720) | Partita No.2 in d voor viool (1720)
FR
Œuvre unique dans le répertoire musical par la richesse, la variété et la puissance expressive de sa composition – culminant dans une poignante chaconne finale –, la Partita n°2 de Johann Sebastian Bach accompagne depuis longtemps le violoniste George van Dam. Avec la dramaturge Isabelle Dumont, il a conçu un concert-conférence pour partager l’histoire, la conception et l’architecture musicale de cette pièce virtuose avant de la jouer, invitant ainsi le public à une autre approche du génie de Bach au travail.
En prélude, George van Dam interprétera une courte pièce contemporaine du compositeur japonais Yuji Takahashi, pianiste virtuose, interprète de l’œuvre de Bach entre autres. Dans Seong-Hwa (2005), chaque note est une couleur en soi, à jouer comme en se promenant… manière d’ouvrir délicatement les oreilles au timbre du violon et de les préparer à l’écoute de la Partita partagée.
NL
De Partita n°2 van Johann Sebastian Bach is een uniek werk in het muzikaal repertoire dat gekenmerkt wordt door de rijkdom, de verscheidenheid en de expressieve kracht van zijn compositie en dat zijn hoogtepunt bereikt in een zinderende finale 'chaconne'. Het vergezelt violist George van Dam al geruime tijd. Om de opbouw en de muzikale architectuur van dit virtuoze stuk te delen met het publiek alvorens het te spelen, stelt hij samen met dramaturge Isabelle Dumont een concert-conference voor en biedt hij de toehoorders een andere kijk op het genie van Bach.
Als prelude zal George van Dam een kort hedendaags stuk vertolken van de Japanse componist Yuji Takahashi, virtuoze pianist die onder andere werk van Bach uitvoert. In Seong-Hwa (2005) is elke noot als een kleur op zich, gespeeld alsof men aan het wandelen is … een manier om gracieus de oren te openen voor het timbre van de viool en ze voor te bereiden op het luisteren naar de Partita.
Mercredi | Woensdag 16/11
Musiclub
Emiko Ota
22:00
Art Base
Collaboration | Samenwerking: Art Base & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 12€
Pass 5 concerts | Pass 5 concerten: 50€
Emiko Ota, voix, live looper, taiko, batterie, thérémin et effets | stem, live looper, taiko, drum, theremin en effecten (JP)
Emiko Ota (1965), Perdue dans le temps et l'espace | Verdwaald in tijd en ruimte
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Un voyage, une initiation, ou un hommage à la musique classique japonaise et sa confrontation à ses principes zen cosmiques. Appliquant la distinction des différentes flûtes en trois catégories depuis les origines du gagaku (sho, ryuuteki, et hichiriki, représentant respectivement le ciel, le dragon, et la terre), la performance d'Emiko Ota rassemble des éléments d'un répertoire classique (gagaku, shyo-ga, naga-uta) et traditionnel (minyo, doyo), avec un esprit et une sensibilité propres au monde expérimental japonais.
NL
Emiko Ota neemt ons mee op reis, als initiatie of eerbetoon aan de Japanse klassieke muziek, in confrontatie met haar kosmische zenbeginselen. Het onderscheid tussen verschillende fluiten en hun onderverdeling in drie categorieën sinds de oorsprong van de gagaku (sho, ryuuteki en hichiriki) is hier van toepassing. Deze stellen respectievelijk de hemel, de draak en de aarde voor. De performance van Emiko Ota verenigt alle elementen van een klassiek (gagaku, shyo-ga, naga-uta) en traditioneel repertoire (minyo, doyo) met het vernuft en de gevoeligheid die eigen is aan de Japanse experimentele wereld.
Jeudi | Donderdag 17/11
Quatuors de quatuors | Het Kwartettenkwartet
Quatuor Zerkalo, Quatuor MP4,
Quatuor Donnacorda & Quatuor Amon
20:00
Eglise Protestante de Bruxelles | Protestantse Kerk Brussel
Collaboration | Samenwerking: Chamber Music for Europe & Ars Musica
Prix | Prijs: 20€/ 12€
Quatuor Zerkalo (BE)
Quatuor MP4 (BE)
Quatuor Donnacorda (BE)
Quatuor Amon (BE)
Toshio Hosokawa (1955), Kalligraphie, Silent Flowers pour quatuor à cordes | Kalligraphie, Silent Flowers voor strijkkwartet
Toshio Hosokawa (1955), Blossoming pour quatuor à cordes | Blossoming voor strijkkwartet
John Tavener (1944-2013), Towards Silence pour quatre quatuors à cordes et grands bols tibetains | Towards Silence voor vier strijkkwartetten en grote Tibetaanse klankschalen
Annelies Van Parys (1975), Perspectives, Création pour quatre quatuors à cordes | Creatie voor vier strijkkwartetten
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
« Ce qui n’est pas énoncé vaut donc tout autant que l’énoncé » écrira Noguchi. Le « Son du Silence » pour Toshio Hosokawa est inspiré par l’énergie du geste et de ce qui l’entoure dans la calligraphie ainsi que par la puissance de vie du végétal et de son environnement dans l’expression temporelle de force et de fragilité. « Towards Silence » de John Tavener explore, par une partition à cinq voix pour quatre quatuors et bol tibétain, l’expérience ésotérique du parcours initiatique de « l’après », méditation sur quatre états de l’Atma dans la conscience universelle. Annelies Van Parys livre, en création, une nouvelle et rare structure écrite pour quatre quatuors à cordes.
NL
"Wat niet uitgedrukt wordt, heeft dus evenveel betekenis als wat uitgedrukt wordt," schreef Noguchi. Voor de Sound of Silence put Toshio Hosokawa inspiratie uit de energie van het gebaar en hetgeen hem omringt in de kalligrafie, net als uit de levenskracht van planten en uit zijn omgeving in de tijdelijke expressie van kracht en kwetsbaarheid. Towards Silence van John Tavener onderzoekt, door middel van een partituur met vijf stemmen voor vier kwartetten en een Tibetaanse klankschaal, de esoterische ervaring van het initiatieparcours van de ‘post’-meditatie van de vier vormen van Atma binnen het universele bewustzijn. Annelies Van Parys brengt een nieuwe - en zeldzame - geschreven structuur voor vier strijkkwartetten.
Jeudi | Donderdag 17/11
Présences Electronique Brussels
Part I
20:00
Halles de Schaerbeek
Coproduction | Coproductie: Halles de Schaerbeek & INA-GRM & Ars Musica
Prix | Prijs: 20€/ 16€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 30€
FR
La seconde édition de Présences Electronique Bruxelles est l’occasion d'une plongée en apnée dans la musique électronique expérimentale autour de l’acousmonium, formidable orchestre de haut-parleurs, dont la vocation première réside dans la spatialisation du son. Créé à Paris en 2004, Présences Electronique présente, depuis plusieurs années, une étonnante diversité des propositions musicales où ne s’impose pas une esthétique dominante, mais au contraire où naît une constellation de possibles et d’expressions liées à de nombreuses modalités ou façons de produire ces musiques. Instruments acoustiques ou électroniques, platines, laptops, magnétophones, prototypes de circonstance sont autant de sources et de ressources pour exprimer notre époque à tous les niveaux.
NL
De tweede editie van Présences Electronique Bruxelles is de gelegenheid om te vrijduiken in de elektronische experimentele muziek van het akoesmonium, een indrukwekkend orkest van luidsprekers. Zijn eerste roeping was het ruimtelijk maken van klank. Gecreëerd in 2004 in Parijs, presenteert Présences Electronique sinds verschillende jaren een verbazend divers muzikaal aanbod: een dominante vorm van esthetiek wordt gemeden. In plaats daarvan wordt een waaier aan mogelijkheden en uitdrukkingsvormen, gelinkt aan talrijke modaliteiten of manieren om die muziek uit te voeren, voorgesteld. Akoestische of elektronische instrumenten, platenspelers, laptops, bandrecorders of prototypes ontworpen voor de gelegenheid, zijn evengoed bronnen of middelen om ons tijdperk te weerspiegelen op alle vlakken.
TODOROFF
Todor Todoroff, électroniques | elektronica (BE)
Todor Todoroff (1963), Different Rites
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Cette pièce s’inspire des sons des taikos japonais, du kuchi-shōga, système phonétique qui associe une syllabe à chacun des sons de l’instrument, et des formes musicales associées. Ces formes se réfèrent aux rituels des sanctuaires shintos et des temples bouddhistes ainsi qu’au phénomène kumi-daiko, ensembles de taiko nés dans les années 50, où la puissance des rythmes polyphoniques est décuplée par les gestes synchronisés et chorégraphiés des interprètes. Elle transpose les codes et explore, à travers plusieurs mouvements, les points de rencontre avec les synthétiseurs analogiques modulaires historiques du GRM, les séquences-jeu, le montage, le geste et les traitements numériques interactifs spatialisés.
NL
Dit stuk vindt zijn inspiratiebron in de klanken van de Japanse taiko’s, de kuchi-shōga schriftuur, een fonetisch systeem waar één lettergreep overeenkomt met één klank van het instrument en met de muzikale vormen die erbij betrokken zijn. Die vormen verwijzen naar rituelen in de shinto tempels en de boeddhistische tempels en naar kumi-daiko, taiko-ensembles die ontstaan zijn in de jaren ’50. De kracht van de polyfonische ritmes wordt vertienvoudigd door synchrone bewegingen en choreografieën van de vertolkers. Ze transponeert de codes en onderzoekt doorheen verschillende bewegingen, de raakpunten met analoge modulaire historische synthesizers van de GRM, met speelsequenties of montage, beweging en numerieke interactieve spatiale verwerking.
TANAKA
Atau Tanaka, électroniques | elektronica (JP)
Atau Tanaka (1963), Le Loup
Atau Tanaka (1963), Lifting
Atau Tanaka (1963), Myogram
FR
Ces trois œuvres reposent sur un processus développé par Atau Tanaka depuis de nombreuses années : des capteurs placés sur les bras du musicien permettent à un logiciel d’analyser la tension musculaire et de transformer ces informations en sons et séquences musicales. Le propre corps de l'interprète devient alors instrument, lui permettant d'articuler le son par le geste. Naturels et synthétiques, les timbralités exploitent également le son du corps. Ainsi « Myogram », une œuvre conçue avec Miguel Ortiz, prend sa source dans l’analyse stochastique reflétant l'activité musculaire du musicien, dont le résultat sonore est filtré par des résonateurs et des filtres.
NL
Deze drie werken steunen op een proces dat reeds jaren geleden ontwikkeld werd door Atau Tanaka : sensoren worden op de armen van de muzikant geplaatst. Hierdoor kan een programma de musculaire spanning analyseren en die informatie omzetten in klanken en muzikale sequenties. Het lichaam van de vertolker zelf wordt dan instrument en gaat klank voortbrengen door de handeling die het uitvoert. De klankkleuren, die natuurlijk en synthetisch zijn, maken gebruik van de klank van het lichaam. Zo vindt Myogram, een werk ontwikkeld met Miguel Ortiz, zijn oorsprong in de willekeurige analyse die de spieractiviteit van de muzikant weergeeft. Het sonore resultaat wordt gefilterd door resonatoren en filters.
MORMONT
Loup Mormont, électroniques | elektronica (BE)
Loup Mormont (1981), «K52» pour électro-acoustique |elektroakoestiek
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Dans le roman « le Convoi de l'Eau » d'Akira Yoshimura, « K44 » est le nom d'un barrage construit dans un Japon sauvage et inexploré. Avec cette pièce, Loup Mormont a composé des espaces hybrides et y a tracé des frontières pour mieux en jouer. Ainsi, les clivages entre comportement mécanique et état sauvage, entre rythmes et masses, entre notes et bruits, se déplacent, se précisent ou s'évanouissent. De ces territoires mouvants, on peut voir surgir des créatures sonores, débris robotiques ou résonances fantomatiques, qui se croisent et se métamorphosent.
NL
In de roman le Convoi de l’Eau van Akira Yoshimura draagt een versperring in een onontgonnen wildernis in Japan de naam K44. Loup Mormont heeft met dit stuk hybride ruimtes gecomponeerd en heeft er grenzen in getrokken om deze beter te kunnen bespelen. De splitsingen tussen mechanisch gedrag en wilde toestand, tussen ritmes en massa’s, tussen noten en geluiden verplaatsen zich op die manier, worden duidelijker of verdwijnen. Vanuit deze bewegende territoria, kunnen we sonore creaturen zien opdoemen, robotachtige brokstukken of spookachtige nagalmen die langs elkaar heen glijden en metamorfoses ondergaan.
VIGROUX & VAINIO
Franck Vigroux, électroniques | elektronica (FR)
Mika Vainio, électroniques | elektronica (FI)
Franck Vigroux (1973), Peau Froide, Léger Soleil
Mika Vainio (1963), Peau Froide, Léger Soleil
FR
La collaboration entre le Finlandais Mika Vainio, co-fondateur de Pan-Sonic et le Français Frank Vigroux remonte à 2012 autour d’un projet discographique baptisé : « Peau Froide, Léger Soleil ». Au regard de leur itinéraire respectif, il était naturel que les points de fusions soient multiples et riches. Ambient, texture, couleur et qualité intrinsèque du son, donnent à ce projet une singularité que certains n’hésitent pas à classer sous le terme « d’harmonie chaotique ».
Comme des frappes sporadiques, des rythmiques cinglantes et de cuts chirurgicaux, leurs univers cohabitent avec des éléments parfois focalisés sur l'ambiance et la sphère sonore que les deux musiciens se plaisent à aérer, à geler dans l’espace pour mieux les saturer de hachures, de stries radio-actives et de fréquences létales.
NL
De samenwerking tussen de Fin Mika Vainio, mede-oprichter van Pan-Sonic, en de Fransman Frank Vigroux begon in 2012, toen ze samen een platenproject tot stand brachten: Peau Froide, Léger Soleil. Als je het parcours van elk van hen nader bekijkt, kon het bijna niet anders dan dat ze op een dag tot een vruchtbare en veelzijdige samenwerking zouden komen. De sfeer, de textuur, de kleur en intrinsieke kwaliteit van de klank maken dit project zo merkwaardig dat sommigen het niet anders kunnen benoemen dan met 'chaotische harmonie'.
Zoals sporadische toetsaanslagen, schrille ritmiek en chirurgische cuts, smelten hun universums samen met elementen die erop gericht zijn de sfeer en de klankatmosfeer te doen ademen en vast te laten vriezen in de ruimte. Dit om ze nog beter te kunnen verzadigen met krassen, radioactieve striemen en dodelijke frequenties.
La Cie d’Autres Cordes est conventionnée par | La Cie d’Autres Cordes is gesubsidieerd door: Région & DRAC Occitanie Pyrénées Méditerranée
Jeudi | Donderdag 17/11
S(HAKUH)ACHI KO(NZERT)
EQUI VOCI
Thierry De Mey
20:00
Salle Philharmonique de Liège
Coproduction | Coproductie: OPRL, BOZAR, Charleroi Danses - Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Sophimages, Eroïca produtions, Arte France, Rosas, ZOO & Ars Musica
Prix | Prijs: 36€/ 9€
Orchestre Philharmonique Royal de Liège
Dir. | o.l.v. David Reiland (BE)
Reison Kuroda, shakuhachi (JP)
Claude Ledoux (1960), S(hakuh)achi Ko(nzert)
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Claude Debussy (1862-1918), Prélude à l'après-midi d'un faune
Maurice Ravel (1875-1937), Ma mère l'oye
Maurice Ravel (1875-1937), La Valse
Thierry De Mey (1956), Equi Voci, Pièces orchestrales accompagnées de films de danse projetés en triptyque. Montage en temps réel suivant l'interprétation musicale | Orkestrale werken begeleid door in triptiek geprojecteerde dansfilms. Real-time montage op basis van de muzikale uitvoering.
FR
Le Japon n'a jamais cessé de nourrir l'imaginaire de Claude Ledoux. Ainsi, l'admiration distanciée pour le Gagaku, la calligraphie, l'estampe, ou encore la philosophie de ce pays du soleil levant s'est-elle transmuée au fur et à mesure des années et des rencontres, en expérience concrète. En 2013, l'Ensemble Muromachi de Tokyo - dont l'effectif original mêle instruments traditionnels japonais et instruments baroques européens - lui fit commande d'une œuvre pour voix et ensemble. Ce premier essai d'écriture singulière permit au compositeur de rencontrer Reison Kuroda, alors interprète de shakuhachi au sein de cette formation. La fascination opéra immédiatement et l'Eurydice Effacée, créé au Japon en 2014, se vit agrémenté de cadences virtuoses destinées à cet artiste original. Naquit alors le désir commun de composer une nouvelle œuvre avec orchestre à l'intention de ce musicien hors pair, dont les sonorités bruiteuses et expressives nous transportent au cœur d'une nature inouïe et vibrante, non seulement pour nos oreilles, mais aussi pour notre âme en quête d'une spiritualité bien nécessaire à notre époque troublée.
Humaniste à la curiosité insatiable et créateur en perpétuelle recherche de nouveaux médias, le compositeur et réalisateur Thierry De Mey présente une création en forme d'œuvre multiple. Equi Voci, est un polyptyque combinant plusieurs pièces musicales orchestrales accompagnées de films de danse dont le montage s'opère en temps réel. Grâce à un dispositif interactif, les images se déclenchent au gré des tempi du chef d'orchestre, permettant à ce dernier une liberté jusque-là inédite.
Matrice originelle de cette œuvre multi-facettes, l'enchanteur Ma Mère l'Oye se voit augmenté du Prélude à la mer, film basé sur la chorégraphie d'Anne Teresa De Keersmaeker et tourné dans le décor spectral de la Mer d'Aral et de La Valse, dernier film de Thierry De Mey chorégraphié par Thomas Hauert/ZOO.
Un moment d'exception où les souffles de Debussy et Ravel hantent la scène, les corps et les esprits.
NL
De verbeelding van Claude Ledoux werd steeds geprikkeld door Japan. Zijn bewondering - eerst van op afstand - voor de Gagaku, de kalligrafie, de gravure of de filosofie van het land van de rijzende zon evolueerde doorheen de jaren en ontmoetingen naar meer concrete ervaringen. In 2013 gaf het Muromachi Ensemble van Tokyo – waarvan de oorspronkelijke leden traditionele Japanse instrumenten vermengden met Europese barokinstrumenten – hem de opdracht een werk te componeren voor stem en ensemble. Die Deze eerste poging leidde tot een ontmoeting met Reison Kuroda die op dat moment shakuhachi speelde binnen de formatie. De fascinatie kreeg meteen concrete vorm en de l'Eurydice Effacée, uitgevoerd in 2014 in Japan, werd opgeluisterd met virtuoze cadansen bestemd voor deze buitengewone kunstenaar. Toen ontstond het gemeenschappelijk verlangen een nieuw werk te componeren met orkest. De helle en expressieve klanken voeren ons naar de kern van een ongelooflijke en vibrerende essentie, niet alleen voor onze oren maar ook voor onze ziel die immer op zoek is naar spiritualiteit, onontbeerlijk in deze woelige tijden.
Thierry De Mey, humanist met een onverzadigbare nieuwsgierigheid en tevens een schepper bestendig op zoek naar nieuwe media, componist en regisseur, stelt een creatie in de vorm van een veelledig oeuvre voor. Equi Voci is een polyptiek die verschillende muziekstukken voor orkest combineert met dansfilms waarvan de montage in real time wordt doorgevoerd. Dankzij een interactieve installatie worden de beelden opgestart volgens de tempi aangegeven door de dirigent. Laatstgenoemde geniet hierdoor een nooit geziene vrijheid.
Het betoverende Ma Mère l’Oye als basisvorm voor dit oeuvre met vele facetten, wordt vermeerderd en wint aan intensiteit door de Prélude à la mer, een film die gebaseerd is op de choreografie van Anne Teresa De Keersmaeker, opgenomen tegen de spookachtige achtergrond van het Aralmeer en door La Valse, laatste film van Thierry De Mey met choreografie van Thomas Hauert/ZOO.
Een uitzonderlijk moment waarbij de ademtocht van Debussy en Ravel op het podium te voelen is en lichaam en geest betovert.
Vendredi | Vrijdag 18/11
Présences Electronique Brussels
Part II
20:00
Halles de Schaerbeek
Coproduction | Coproductie: Halles de Schaerbeek & INA-GRM & Ars Musica
Prix | Prijs: 20€/ 16€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 30€
FR
La seconde édition de Présences Electronique Bruxelles est l'’occasion d'une plongée en apnée dans la musique électronique expérimentale autour de l’acousmonium, formidable orchestre de haut-parleurs, dont la vocation première réside dans la spatialisation du son. Créé à Paris en 2004, Présences Electronique présente depuis plusieurs années, une étonnante diversité des propositions musicales : ne s’impose pas une esthétique dominante, mais au contraire une constellation de possibles et d’expressions liées à de nombreuses modalités ou façons de produire ces musiques. Instruments acoustiques ou électroniques, platines, laptops, magnétophones, prototypes de circonstance sont autant de sources et de ressources pour exprimer notre époque à tous les niveaux.
NL
De tweede editie van Présences Electronique Bruxelles is de gelegenheid om te vrijduiken in de elektronische experimentele muziek van het akoesmonium, een indrukwekkend orkest van luidsprekers. Zijn eerste roeping was het ruimtelijk maken van klank. Uitgevoerd In 2004 in Parijs, presenteert Présences Electronique sinds verschillende jaren een verbazend divers muzikaal aanbod: een dominante vorm van esthetiek wordt gemeden, in plaats daarvan wordt een waaier van mogelijkheden en uitdrukkingsvormen, gelinkt aan talrijke modaliteiten of manieren om die muziek uit te voeren, voorgesteld. Akoestische of elektronische instrumenten, platenspelers, laptops, bandrecorders of prototypes ontworpen voor de gelegenheid, zijn evengoed bronnen of middelen om ons tijdperk uit te drukken op alle vlakken.
MORI
Ikue Mori, acousmonium | akoesmonium (JP)
FR
Pour ce concert exceptionnel, Ikue Mori s’est inspiré des écrits d’Izumi Kyoka, romancier, dramaturge et poète japonais qui chevaucha les 19ème et 20ème siècles. Ses premières œuvres sont souvent des fantaisies gothiques, emplies de superstitions, d’évènements surnaturels inexplicables et de fantômes en rupture avec la littérature de cette époque qui se tournait plutôt vers l’industrialisation et les sciences occidentales cartésiennes.
Ikue Mori expérimente la narration sans mots, en esquissant un catalogue timbrique inspiré par la nature notamment, donnant naissance à une atmosphère sonore aux facettes plurielles. Cet univers est fait de rêve pour le rêve, emmenant l’auditeur dans des mondes gothiques impalpables.
NL
Ikue Mori vond inspiratie voor dit uitzonderlijke concert in de geschriften van Izumi Kyoka, romancier, dramaturg en Japans dichter op de grensovergang tussen de 19de en 20ste eeuw. Zijn eerste werken waren vaak gotische fantasieën, doordrenkt met bijgeloof, bovennatuurlijke en onverklaarbare gebeurtenissen en spoken, die braken met de literaire traditie van zijn tijd. Die was eerder gericht op de industrialisering en de westerse cartesiaanse wetenschap.
Ikue Mori experimenteert met een woordeloze vertelwijze door een catalogus van klankkleuren te ontwerpen die ondermeer geïnspireerd is op de natuur en een klankatmosfeer met meervoudige facetten creëert. Dit universum bestaat uit louter dromen in dromen en geleidt de luisteraar naar immateriële gotische werelden.
GOTO & HIRANO
Makiko Goto, acousmonium | akoesmonium (JP)
Mayu Hirano, acousmonium | akoesmonium (JP)
Mayu Hirano (1979), Création pour musique mixte (électroniques et instruments) | Creatie voor gemengde muziek (elektronisch en instrumenten)
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Collaboration | Samenwerking: INA-GRM & Ars Musica
FR
Pour cette œuvre, Mayu Hirano s'est penchée sur le phénomène de « la mémoire à court terme ou mémoire de travail ». Cette facette singulière de la mémoire permet à une personne de disposer d'un espace de travail mental qui maintient des informations pendant plusieurs secondes. La compositrice a élaboré une œuvre, se référant à ce phénomène, en s'appuyant sur une chronologie qui joue sur la répétition et la permutation des éléments sonores. Tout comme un mot décomposé et combiné différemment, ce montage trouble la mémoire. Cette forme ne se limite pas à une simple permutation chronologique ; elle est construite comme un grand plan musical découpé et remonté en fragments, mais aussi sur une évolution de la temporalité.
NL
Mayu Hirano heeft zich voor dit werk gebogen over het fenomeen van het 'kortetermijn- of werkgeheugen'. Dit bijzonder facet van het geheugen laat een persoon toe te beschikken over een mentale werkruimte die informatie voor een aantal seconden opslaat. De componiste heeft een stuk uitgewerkt, dat naar dat fenomeen verwijst en baseert zich daarbij op een chronologie die met herhaling en herschikking van klankelementen speelt. Net zoals bij het uiteenvallen van een woord dat vervolgens in een andere combinatie verschijnt, vertroebelt die samenstelling het geheugen. Deze vorm beperkt zich echter niet tot een enkelvoudige chronologische herschikking; hij is opgebouwd als een groot stukgeknipt muzikaal ontwerp waarvan de fragmenten niet alleen herschikt worden, maar ook evolueren in tijdelijkheid.
ASANO
Koji Asano, acousmonium | akoesmonium (JP)
FR
Koji Asano fait des sons du quotidien son instrumentarium. Air conditionné, verres, plats, distributeur d’eau, bouilloire, cuisson d’aliments, machines à café, tout est prétexte à enrichir sa palette sonore. Pour Asano, le rôle du compositeur est de mettre en relation les sons entre eux, de les faire vibrer les uns avec les autres, de polir un espace pour créer une musique différente. Si le compositeur pose la question de la naissance du son, il évoque aussi son extinction, sa disparition. Depuis que des scientifiques suédois ont réussi, pour la première fois, à capturer le son d'un atome, se pose la question d’un étrange phénomène de physique quantique où les vagues sonores se comportent comme de la lumière. Koji Asano cultive cette recherche et se pose la question de la vie et de la « mort » d’un son. Celui-ci n’est-il pas finalement éternel ?
NL
Koji Asano heeft van dagdagelijkse klanken zijn handelsmerk gemaakt. Airco, glazen, borden, waterverdelers, waterketels, het koken van voedsel, koffiezetapparaten, alles vormt een excuus om zijn klankbibliotheek uit te breiden. Voor Asano bestaat de rol van de componist erin klanken met elkaar in contact te brengen, ze samen te laten vibreren, een ruimte te polijsten om een andere soort muziek te creëren. De componist bevraagt de geboorte, het ontstaan van klank, maar roept eveneens het uitsterven en de verdwijning ervan op. Sinds Zweedse wetenschappers erin slaagden voor de eerste keer de klank van een atoom van de klank te vangen, wordt er opgeworpen dat zich in de kwantumfysica een vreemd verschijnsel voordoet waarbij klankgolven zich gedragen als licht. Koji Asano ontwikkelt dit onderzoek verder en stelt vragen over het leven en de dood van een klank. Is dat fenomeen uiteindelijk niet eeuwigdurend?
YOSHIHIDE
Otomo Yoshihide, acousmonium | akoesmonium (JP)
Otomo Yoshihide (1959), Création pour guitare et électronique | Creatie voor gitaar en elektronica
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Libre de tout schéma prévisible, Otomo Yoshihide esquisse une expression musicale qui ne cesse de surprendre l’auditeur par ses formes inattendues. Des platines au piano, en passant par la guitare, instrument de prédilection du musicien japonais, les outils de Yoshihide ne sont que le médium d’une pensée musicale structurée, qui a fait de l’improvisation un terrain d’expérimentation en tout genre. Bousculant les codes, anamorphosant les classements et les genres, ce musicien-activiste, en phase avec son environnement direct, « improvise » sur le moment de manière magistrale et fait de chaque concert un évènement en soi, un moment unique.
NL
Wars van elke vorm van voorspelbaarheid, drukt Otomo Yoshihide zich uit op een manier die de toehoorder blijft verbazen door zijn onverwachte vorm. Hij speelt met draaitafels of op de piano en tussendoor even met de gitaar, het lievelingsinstrument van de Japanse muzikant; de middelen die Yoshihide ter beschikking heeft zijn slechts het medium voor een muzikaal gestructureerde gedachte, die van de improvisatie een terrein voor allerhande experimenten heeft gemaakt. Als muzikant-activist, werpt hij vaste waarden omver en transformeert indelingen en genres tot illusies. Hij improviseert op het moment zelf op een meesterlijke manier, in harmonie met zijn omgeving. Zo maakt hij van elk concert een gebeurtenis op zich en creëert hij telkens een uniek moment.
Vendredi | Vrijdag 18/11
S(hakuh)achi Ko(nzert)
OPRL, Kuroda, Reiland
20:00
BOZAR (HLB)
Coproduction | Coproductie: BOZAR, OPRL & Ars Musica
Prix | Prijs: 10€ à 38€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Orchestre Philharmonique Royal de Liège
Dir. | o.l.v. David Reiland (BE)
Reison Kuroda, shakuhachi (JP)
Claude Ledoux (1960), S(hakuh)achi Ko(nzert)
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Claude Debussy (1862-1918), Prélude à l'après-midi d'un faune
Maurice Ravel (1875-1937), Ma mère l'oye
Maurice Ravel (1875-1937), La Valse
Thierry De Mey (1956), Equi Voci
FR
Le Japon n'a jamais cessé de nourrir l'imaginaire de Claude Ledoux. Ainsi l'admiration distanciée pour le Gagaku, la calligraphie, l'estampe, ou encore la philosophie de ce pays s'est-elle transmuée au fur et à mesure des années et des rencontres, en expérience concrète. En 2013, l'Ensemble Muromachi de Tokyo, lui fit commande d'une œuvre pour voix et ensemble. Ce premier essai d'écriture singulière, permit au compositeur de rencontrer Reison Kuroda, alors interprète de shakuhachi au sein de cette formation. Naquit alors le désir commun de composer une nouvelle œuvre avec orchestre à l'intention de ce musicien hors pair, dont les sonorités nous transportent au cœur d'une nature inouïe et vibrante, non seulement pour nos oreilles, mais aussi pour notre âme en quête d'une spiritualité bien nécessaire à notre époque troublée.
Humaniste à la curiosité insatiable en perpétuelle recherche de nouveaux médias, le compositeur et réalisateur Thierry De Mey présente une création en forme d'œuvre multiple. Equi Voci est un polyptique combinant plusieurs oeuvres orchestrales accompagnées de films de danse dont le montage s'opère en temps réel. Matrice originelle de cette œuvre multi-facettes, l'enchanteur Ma Mère l'Oye se voit augmenté du Prélude à la mer, film basé sur la chorégraphie d'Anne Teresa De Keersmaeker et tourné dans le décor spectral de la Mer d'Aral et de La Valse, dernier film de Thierry De Mey chorégraphié par Thomas Hauert/ZOO. Un moment d'exception où les souffles de Debussy et Ravel hantent la scène, les corps et les esprits.
NL
De verbeelding van Claude Ledoux werd steeds geprikkeld door Japan. Zijn bewondering - eerst van op afstand - voor de Gagaku, de kalligrafie, de gravure of de filosofie van het land van de rijzende zon evolueerde doorheen de jaren en ontmoetingen naar meer concrete ervaringen. In 2013 gaf het Muromachi Ensemble van Tokyo hem de opdracht een werk te componeren voor stem en ensemble. Die eerste poging leidde tot een ontmoeting met Reison Kuroda die op dat moment shakuhachi speelde binnen die formatie. Toen ontstond het gemeenschappelijk verlangen een nieuw werk te componeren met orkest. De helle en expressieve klanken voeren ons naar de kern van een ongelooflijke en vibrerende essentie, niet alleen voor onze oren maar ook voor onze ziel, die immer op zoek is naar spiritualiteit, onontbeerlijk in deze woelige tijden.
Thierry De Mey, humanist met een onverzadigbare nieuwsgierigheid en tevens een schepper bestendig op zoek naar nieuwe media, componist en regisseur, stelt een creatie in de vorm van een veelledig oeuvre voor. Equi Voci is een polyptiek die verschillende muziekstukken met orkest combineert met dansfilms waarvan de montage in real time wordt uitgevoerd. Het betoverende Ma Mère l’Oye, de basisvorm voor dit oeuvre met vele facetten, wordt vermeerderd en wint aan intensiteit door de Prélude à la mer - een film gebaseerd op de choreografie van Anne Teresa De Keersmaeker, opgenomen tegen de spookjesachtige achtergrond van het Aralmeer - alsook door La Valse, de laatste film van Thierry De Mey met choreografie van Thomas Hauert/ZOO.
Een uitzonderlijk moment waarbij de ademtocht van Debussy en Ravel op het podium te voelen is en lichaam en geest betovert.
Samedi | Zaterdag 19/11
Benjamin Glorieux
Scheolmlyoo
18:00
Maison Particulière
Coproduction | Coproductie: Maison Particulière & Ars Musica
Prix | Prijs: 10€
Benjamin Glorieux, violoncelle | cello (BE)
Benjamin Glorieux (1979), Scheolmlyoo
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Ce barbarisme, quasiment imprononçable, est né d'une simple contraction de deux mots : cello et shōmyō. Le shōmyō est un style japonais de chants et récitations liturgiques bouddhiques. La gamme utilisée pour ce style s'appelle la gamme yo et elle ne contient que des tons entiers. Ceci lui donne un caractère brillant et lumineux, ce qu'on retrouve dans l'origine du mot : le mot chinois 'shēngmíng', qui signifie « voix claire » *.
Ce concert au violoncelle relie le monde de shōmyō au monde du violoncelle. A l'aide d'un « looper » et en utilisant le même registre de la voix humaine, le violoncelliste pourra ainsi éveiller le caractère liturgique et répétitif du chant bouddhique.
*NDLR : Claude Debussy en raffolait !
NL
Dit barbarisme, dat haast niet uitgesproken kan worden, is ontstaan uit een eenvoudige samentrekking van twee woorden: cello en shōmyō. Shōmyō is een Japanse muzikale zangstijl en liturgische boeddhistische declamatie. De toonladder die bij deze stijl benut wordt, heet yo, en bevat enkel hele tonen. Dat verleent haar een briljant en licht karakter, hetgeen we terugvinden in de oorsprong van het woord: het Chinese woord 'shēngmíng', dat “klare stem”* betekent.
Dit celloconcert verbindt de wereld van shōmyō met die van de cello. Met behulp van een looper en door hetzelfde register van de menselijke stem te gebruiken, kan de cellist zo het liturgische repetitieve karakter van het boeddhistische gezang oproepen.
*nvdr.: Claude Debussy was er dol op!
Samedi | Zaterdag 19/11
Chikako Hosoda & Eliane Reyes
Escales japonaises | Japanse verpozing
18:30
Théâtre la Balsamine
Collaboration | Samenwerking: Théâtre la Balsamine & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 9€
Chikako Hosoda, violon | viool (JP)
Eliane Reyes, piano (BE)
Philippe Hersant (1948), Trois esquisses japonaises pour piano | voor piano
Akira Miyoshi (1933-2013), Sonate pour violon | voor viool
Toru Takemitsu (1930-1996), Distance de fée pour piano et violon | voor piano en viool
Kunimitsu Takeuchi, Koyo pour violon | voor viool
Masanori Enoki, Création: 竹文様 | Creatie: 竹文様
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Ce talentueux duo formé de la pianiste Eliane Reyes et de la violoniste Chikako Hosoda a esquissé un itinéraire qui navigue avec aisance entre culture occidentale et japonaise. On y retrouve notamment Toru Takemitsu avec une œuvre de jeunesse, « Distance de fée », composée 1951, qui plonge l’auditeur dans l’univers du poète surréaliste Shozu Takiguchi. Adossées à cette composition du maître japonais, les « Esquisses japonaises » de Philippe Hersant, influencées par les écrits de Buson évoquent trois lieux visités par le grand maître du haïku, et c’est toujours cette même veine poétique qui est à l’origine de la composition de Kunitsu Takeuchi « Koyo », extraite de la suite « Rakubaishu » pour violon solo, d’après l’oeuvre de Toson Shimazaki. La création s’invitera également à ce programme avec « Motif de bambou » (竹文様 en japonais) du jeune compositeur Masanori Enoki. Pour cette pièce, le compositeur s’inspira de la résonance du Shô, instrument en bambou développant une mystérieuse matière sonore.
NL
Pianiste Eliane Reyes en violiste Chikako Hosoda vormen een getalenteerd duo. Ze hebben een programma samengesteld dat met gemak navigeert tussen de westerse en de Japanse cultuur. Het bevat een werk uit de jeugd van Toru Takemitsu, Distance de fée, gecomponeerd in 1951, dat de toehoorder onderdompelt in het universum van de surrealistische dichter Shozu Takiguchi. Leunend op dit werk van de Japanse meester, roepen de Esquisses japonaises van Philippe Hersant, beïnvloed door de geschriften van Buson, drie plaatsen op die de grootmeester van de haiku zelf bezocht heeft. Dezelfde poëtische inspiratiebron ligt aan de basis van de compositie van Kunitsu Takeuchi Koyo, geselecteerd uit de suite Rakubaishu voor viool, gebaseerd op het oeuvre van Toson Shimazaki. Dit programma brengt eveneens een creatie Motif de bambou (竹文様 in het Japans) van de jonge componist Masanori Enoki. De componist put hiervoor inspiratie uit de weerklank van de Shô, een instrument gemaakt van bamboe, dat een mysterieuze klankmaterie tot ontwikkeling brengt.
Samedi | Zaterdag 19/11
Bang on a Can All-Stars
Field recordings
20:00
Halles de Schaerbeek
Coproduction | Coproductie: Halles de Schaerbeek & Ars Musica
Avec le soutien de l’Ambassade des Etats-Unis d’Amérique | Met de steun van de Ambassade van de Verenigde Staten van Amerika
Prix | Prijs: 20€/ 16€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 30€
Bang on a Can All-Stars (US)
Ashley Bathgate, violoncelle, voix | cello, vocals
Robert Black, basse | bas
Vicky Chow, piano
Adrian Sandi, clarinette, saxophone | klarinet, saxofoon
Derek Johnson, guitare | gitaar
David Cossin, percussions | percussie
Julia Wolfe (1958), Reeling
Florent Ghys (1979), An Open Cage
Michael Gordon (1956), Gene Takes a Drink with film by Bill Morrison
Christian Marclay (1955), Fade to slide with film by Christian Marclay
David Lang (1957), Unused swan
Akiko Ushijima (1975), Distorting Melody
Tyondai Braxton (1978), Casino Trem
Jóhann Jóhannsson (1969), Hz with film
Todd Reynolds (1964), Seven Sundays
Steve Reich (1936), The Cave of Machpelah
Bryce Dessner (1976), Letter 27 with film
Anna Clyne (1980), A Wonderful Day
Créations belges | Belgische creaties
With the support of the Embassy of the United States of America
Avec le soutien de l’Ambassade des Etats-Unis d’Amérique
Met de steun van de Ambassade van de Verenigde Staten van Amerika
FR
« Field Recordings » est un nouveau projet multimédia de l’ensemble new-yorkais Bang on a Can All-Stars, qui trouve sa source dans l’expérimentation « collaborative ». Des compositeurs de différentes parties du monde ont collecté un enregistrement : une voix, un son, une mélodie désuète… De cette collecte sont nées des œuvres nouvelles, comme des liens entre le passé et le présent. De Brice Dessner à David Lang, de Julia Wolfe à Christian Marclay, de Mira Calix à Michael Gordon et Steve Reich, douze compositeurs se sont immergés dans cet étonnant projet, fruit du dialogue entre le présent et les traces du passé.
NL
Field Recordings is een nieuw multimediaproject van het ensemble uit New York, Bang on a Can All-Stars, dat zijn oorsprong vindt in het ‘gezamenlijke’ experiment. Componisten van verschillende delen uit de wereld hebben een opname gemaakt: een stem, een klank, een verloren melodie… Uit deze inzameling zijn nieuwe werken ontstaan, zoals de relatie tussen het verleden en het heden. Van Brice Dessner tot David Lang, van Julia Wolfe tot Christian Marclay, van Mira Calix tot Michael Gordon en Steve Reich… Twaalf componisten hebben zich ondergedompeld in dit verbazingwekkende project, vrucht van een dialoog tussen heden en sporen uit het verleden.
Itinéraire japonais aux Brigittines | Japans parcours in de Brigittines
Créations déambulatoires (intercalées entre chaque concert) | Ambulante creaties (tussen elk concert)
Marcel Cominotto (1956)
- Spensieratezza pour clarinette | voor klarinet
- Hommage à Hokusai pour soprano et petit taïko | voor sopraan en kleine taïko
Benoît Viratelle: clarinette | klarinet (FR)
Morgane Heyse: voix et taïko | zang en taïko (FR)
FR
Comme un itinéraire onirique, cette journée japonaise a trouvé son écrin aux Brigittines. Du conte populaire au cinéma mythique de Yasujirō Ozu, de la viole de gambe au monde poétique et aquatique, damé de créations sonores enivrantes, le chemin proposé par Ars Musica façonne un jetlag immobile, un voyage imaginaire pour les petits et les grands. Musique d’aujourd’hui, musique festive, musique contemporaine, quels que soient les adjectifs, la découverte reste le maître-mot…
NL
Deze Japanse dag heeft zijn plekje gevonden in de Brigittines en ziet eruit als een dromerig traject. Van de populaire vertelling tot de mythische cinema van Yasujirō Ozu, van de viola da gamba of beenviool tot de wereld van poëzie en water, bezaaid met bedwelmende klankcreaties, geeft Ars Musica vorm aan een onbeweeglijke jetlag, een reis doorheen de verbeelding voor groot en klein. Muziek van vandaag, feestelijke muziek, hedendaagse muziek, wat de bijvoeglijke naamwoorden ook zijn, ontdekking blijft het codewoord….
Dimanche | Zondag 20/11
Gosses de Tokyo
Ciné-concert | Filmconcert
11:00
Les Brigittines (Chapelle)
Coproduction | Coproductie: Les Brigittines, LOOP & Ars Musica
Tarif | Tarief 14€/ 10€
Pass journée | Dagpas: 35€/ 20€
Jérémie Ninove, violoncelle | cello (BE)
Pauline Oreins, piano (BE)
Auguste Voisin, clarinette /clarinette basse | klarinet/ basklarinet (FR)
Maxime Charue, percussions | percussie (BE)
Sophie Ackermann, violon/ alto | viool/ altviool (BE)
Gwenaël Grisi (1989), Gosses de Tokyo
Commande d'Ars Musica | Compositieopdracht Ars Musica
FR
Le film muet le plus célèbre de Yasujirō Ozu, tourné en 1932, est une comédie enchanteresse qui contient en germes des thèmes qui irrigueront l’œuvre du cinéaste. Dernier film muet du réalisateur, Gosses de Tokyo frappe par son sens aigu de l’observation et questionne les liens sociaux. Loin des clichés habituels du cinéma burlesque, Gwenaël Grisi réussit le pari de marier avec dextérité langage contemporain et narration sonore, en esquissant une trame musicale qui joue avec la dramaturgie comme un jeu d’enfant. La focale est mise sur les enfants, au propre comme au figuré, puisque de nombreux plans sont filmés à leur hauteur. Le compositeur s’est donc instantanément intéressé à cet aspect et a pris le parti d’éclairer musicalement les évènements sous cet angle.
NL
De beroemdste stille film van Yasujirō Ozu, gedraaid in 1932, is een betoverende komedie die de kiemen voor het latere œuvre van de regisseur bevatten. De laatste stille film van de regisseur van I was born but… /Children of Tokyo, raakt door zijn scherpe observatiezin en stelt sociale relaties in vraag. Ver weg van alle gangbare clichés van de burleske cinema, slaagt Gwenaël Grisi er behendig in een hedendaagse taal met een narratieve klank te combineren. Dit door een muzikale structuur te bouwen die van dramaturgie kinderspel maakt. De focus ligt op de kinderen, zowel letterlijk als figuurlijk. Heel wat beelden zijn immers op kinderhoogte geschoten; de componist heeft dan ook beslist de gebeurtenissen te belichten vanuit dat perspectief.
Egalement le 17 octobre dans le cadre du Filmfestival Gent dans la Salle Miry du Conservatoire de Gand | Ook op 17 oktober tijdens het Gentse Filmfestival in de Miryzaal van het Conservatorium van Gent.
Infos et tickets | Info & tickets: www.filmfestival.be
Dimanche | Zondag 20/11
Mono no Aware
Eriko Semba & Francesco Corti
12:00
Les Brigittines (Mezzo)
Coproduction | Coproductie: Les Brigittines & Ars Musica
Prix | Prijs: 14€/ 10€
Pass journée | Dagpas: 35€/ 20€
Eriko Semba, viole de gambe | viola da gamba (JP)
Francesco Corti, clavecin | klavecimbel (IT)
Takashi Yoshimatsu (1953), Pleiades Dances pour viole et clavecin | voor viola en klavecimbel
Michel Lysight (1958), Japanese Letters pour viole de gambe solo (œuvre dédiée à Eriko Semba) | voor viola da gamba solo (werk gewijd aan Eriko Semba)
Création mondiale - commande Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Jean-Henry d’Anglebert (1691) Tombeau de Mr. de Charbonnieres
Tobias Hume (1645), Life pour viole solo | voor viola solo
Tobias Hume (1645), Death pour viole solo | voor viola solo
Toru Takemitsu (1930-1996), Rain Dreaming pour clavecin solo | voor solo klavecimbel
Marin Marais (1656-1728), Tombeau pour Monsieur de Sainte-Colombe pour viole de gambe et clavecin | voor viola da gamba en klavecimbel
Nobuyuki Nakajima (1969), Création | Creatie
Création mondiale - commande Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Toru Takemitsu (1930-1996), Rain Tree pour clavecin solo | voor solo klavecimbel
Maki Ishii (1936-2003), Ko-kai pour clavecin solo |voor solo klavecimbel
FR
Concept esthétique et spirituel japonais, Mono no Aware peut se traduire par « empathie envers les choses » ou encore « sensibilité pour l'éphémère ». Depuis des temps immémoriaux, l’homme cherche la beauté dans la nature qui s’endort avant de renaître : les pétales de fleur qui tombent, la neige qui recouvre le paysage etc. Ponctué d’œuvres baroques évocatrices, ce programme esquisse des passerelles entre Orient et Occident, à travers leurs musiques contemporaines respectives, au concept de vie et de mort.
“Du monastère de Gion le son de la cloche,
de l’impermanence de toutes choses est la résonance.
Des arbres shara la couleur des fleurs démontre
que tout ce qui prospère nécessairement déchoit.
L’orgueilleux certes ne dure,
tout juste pareil au songe d’une nuit de printemps.
L’homme valeureux de même finit par s’écrouler
ni plus ni moins que poussière au vent.”
-Anonyme, traduit par René Sieffert
NL
Als esthetisch en spiritueel Japans concept, betekent Mono no Aware zoveel als ‘empathie tegenover de dingen’, of meer nog 'gevoeligheid voor het vergankelijke'. Sinds onheuglijke tijden zoekt de mens schoonheid in de natuur die inslaapt voor ze weer herboren wordt, de bloemblaadjes die vallen, de sneeuw die het landschap bedekt enz... Illustratieve, barokke werken zitten verspreid over dit programma, dat de brug slaat tussen Oost en West, doorheen hun respectievelijke hedendaagse muziek, met de concepten van leven en dood hierdoor verweven.
“De klank van de klok van het klooster van Gion,
laat het vluchtige van alles weerklinken.
De kleur van de shara bloemen openbaart
dat alles wat floreert ook weer zal inkrimpen.
De hoogmoedigen houden het niet langer vol
dan een droom van een lentenacht
Zo gaat de dappere uiteindelijk ook ten onder
niet meer of minder als stof in de wind.”
-Anoniem, naar het Frans vertaald door René Sieffert
Dimanche | Zondag 20/11
La Fille du Fondeur
Stéphane Collin
14:00
Les Brigittines (Chapelle)
Coproduction | Coproductie: Les Brigittines & Ars Musica
Prix | Prijs: 14€/ 10€
Pass journée | Dagpas: 35€/ 20€
Quatuor MP4 (BE)
Stéphane Collin, piano, tam-tam, sampler (BE)
Nadia Hidali, mezzo-soprano (BE)
Aveline Monnoyer, mezzo-soprano (BE)
Steve Houben, voix | zang (BE)
Stéphane Collin (1962), La Fille du Fondeur
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Une vieille légende orientale, magistralement rapportée par le poète Paul Claudel, nous raconte l'histoire poignante d'un fondeur de cloches, désespéré par ses multiples échecs dans la quête d'absolu du son inouï et universel. On apprendra comment sa jeune fille, dévouée, va l'aider, d'une manière prodigieuse et fantastique, à fondre la cloche au son parfait. Une fois de plus Stéphane Collin explore une écriture intuitive volontiers inspirée de littérature française.
Pour piano, récitant, mezzo-soprano et quatuor à cordes.
NL
Een oude oosterse legende, op magistrale wijze gebracht door dichter Paul Claudel, vertelt het aangrijpende verhaal van een klokkengieter die, na verschillende mislukte pogingen in zijn zoektocht naar de volmaakte en universele klank, de wanhoop nabij is. Zijn dochter, een toegewijd jong meisje, helpt hem op een wonderbaarlijke manier de klok met de perfecte klank te smelten.
Eens te meer verkent Stéphane Collin een intuïtieve literatuur bewust geïnspireerd op de Franse literatuur.
Voor piano, voordrager, mezzosopraan en strijkkwartet
Dimanche | Zondag 20/11
Tomoko Sauvage
Waterbowls
15:00
Les Brigittines (Mezzo)
Coproduction | Coproductie: Les Brigittines & Ars Musica
Prix | Prijs: 14€/ 10€
Pass journée | Dagpas: 35€/ 20€
Tomoko Sauvage, installations sonores | geluidsinstallaties (JP) performance
FR
Tomoko Sauvage, musicienne/artiste sonore japonaise installée à Paris, travaille depuis plusieurs années avec des “waterbowls” composés d’hydrophones * (des micros sous-marins) plongés dans des bols en porcelaine, de tailles variées, remplis d’eau. Les gouttes, les vagues et les bulles avec lesquelles elle joue résonnent dans les bols et provoquent des feed-back (larsen) formant des drones ondulants et des harmoniques naturels, au gré de la résonance du lieu. Cette trame électro-aquatique tient un équilibre délicat entre contrôle et aléa, ordre et désordre, éphémère et répétition. Tomoko Sauvage se lance dans l’exploration d’un espace sonore où la lenteur invite à l’écoute attentive, presque au recueillement.
NL
Tomoko Sauvage, Japanse muzikante/ geluidskunstenares, gevestigd in Parijs, werkt sinds een aantal jaren met “waterbowls” samengesteld met hydrofoons (onderwatermicro’s). Deze zijn ondergedompeld in porseleinen kommen, van verschillende grootte, gevuld met water. Druppels, golven en bubbels weerklinken en wekken feed-back (larsen) op. Ze vormen golvende drones en natuurlijke harmonieën, afhankelijk van de geluidsweerkaatsing in de omgeving. Die elektro-waterhoudende structuur brengt een teer evenwicht teweeg tussen controle en willekeur, tussen orde en wanorde, het vluchtige en de herhaling. Tomoko Sauvage waagt zich aan de ontdekking van een sonore ruimte waar de traagheid uitnodigt tot aandachtig luisteren, om als het ware een meditatieve staat te bereiken.
Dimanche | Zondag 20/11
JIMOKU
L'œil et l'oreille | Oog en oor
17:00
Les Brigittines (Chapelle)
Coproduction | Coproductie: MUS-E, les Brigittines & Ars Musica
Prix | Prijs: 14€/ 10€
Pass journée | Dagpas: 35€/ 20€
Jimoku! Inspirés par d’anciennes images japonaises, cent vingt enfants et six artistes nous font découvrir les sons du futur.
Jimoku! Geïnspireerd door beelden uit een Japans verleden maken honderdtwintig kinderen en zes kunstenaars geluiden van de toekomst zichtbaar.
FR
JIMOKU, « l'œil et l'oreille », est un projet bilingue de création artistique qui rassemble trois partenaires culturels bruxellois. Il met le focus sur les arts audio-visuels et puise sa source dans la culture japonaise.
JIMOKU s'articule autour de 3 axes :
Six cursus artistiques MUS-E de co-création impliquant 6 artistes, 5 classes de Bruxelles et 1 classe de Malines, durant l'année scolaire 2015-2016.
Une résidence artistique aux Brigittines pour les enfants de Malines en novembre 2016.
Une participation active au festival Ars Musica en ce 20 novembre, qui présentera le travail réalisé par les enfants
Les artistes MUS-E : Patries Wichers, Stijn Demeulenaere, Rebecca Lenaerts, Nicolas Ankoudinoff, Ségolène Neyroud, Irvic d'Oliver
Les écoles : Nieuwland - Brussel, Sint Albert - Molenbeek, La Plume - Molenbeek, école Chanterelle - Brussel, Les Mouettes - Elsene, Sint Pieterbasisschool - Mechelen
NL
JIMOKU, Het oog en het oor, is een tweetalig artistiek project dat drie Brusselse culturele partners samenbrengt. Het is gericht op audiovisuele kunst en put haar inspiratie uit de Japanse cultuur.
JIMOKU is gebaseerd op 3 pijlers:
Zes artistieke cursussen van MUS-E co-creatie waarbij 6 kunstenaars, 5 Brusselse klassen en 1 Mechelse klas betrokken zijn, tijdens het schooljaar 2015-2016.
Een artistieke residentie in de Brigittines voor de kinderen uit Mechelen in november 2016.
Een actieve deelname aan het Ars Musica festival op deze dag, waarop het werk van de kinderen wordt voorgesteld.
De MUS-E kunstenaars: Patries Wichers, Stijn Demeulenaere, Rebecca Lenaerts, Nicolas Ankoudinoff, Ségolène Neyroud, Irvic d'Oliver
De scholen: Nieuwland - Bxl, Sint Albert - Molenbeek, La Plume - Molenbeek, Ecole Chanterelle - Bxl, Les Mouettes - Ixelles, Sint Pieterbasisschool - Mechelen
Dimanche | Zondag 20/11
Orchestre National de Belgique | Nationaal Orkest van België
Fafchamps, Bruch & Dvorák
15:00
BOZAR (HLB)
Coprodution | Coproductie: BOZAR & NOB-ONB
Coprésentation | Copresentatie: Ars Musica & BOZAR
Prix | Prijs: 12€ à 46€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Orchestre National de Belgique | Nationaal Orkest van België
Dir. | o.l.v. Karel Mark Chichon (UK)
Sergei Katchatryan, violon | viool (AM)
Jean-Luc Fafchamps (1960), Râ
Création mondiale - commande d'Ars Musica et l’ONB | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica en het NOB
Max Bruch (1838-1920), Concerto pour violon et orchestre n° 1 op. 26 | Concerto voor viool en orkest n° 1 op. 26
Antonín Dvorak (1841-1904), Symphonie n° 5, op. 76
FR
"Rà’" (2011) est la 14e des Lettres Soufies de Jean-Luc Fafchamps. Elle est caractérisée par l’omniprésence d’un mouvement ascensionnel, marqué par de brusques accélérations ou des moments de station plus ou moins prolongés. Si, pour notre cerveau, partir vers la droite c’est, dit-on, aller vers l’avenir, les Derviches quant à eux tournent vers la gauche – ainsi que l’écriture arabe – comme s’ils cherchaient à descendre toujours plus profond dans la mémoire, dans l’inconscient, dans un rêve mystique… Ainsi, à mesure qu’ils creusent, c’est le réel qui s’élève autour d’eux…
Le « Concerto pour violon en sol mineur op. 26 » est une œuvre composée par Max Bruch a été écrite en 1875. Il s'agit de la pièce la plus connue du compositeur et l'un des grands concertos pour violon romantiques allemands, éclipsant en particulier deux autres concertos pour violon qu'il écrivit postérieurement.
La « Symphonie n°5 en fa majeur » dite « britannique », opus 76, a été écrite par Antonín Dvořák entre en 1875. Elle fut créée à Prague, le 25 mars 1879, sous la direction d'Adolf Čech. Elle est dédiée à Hans von Bülow. Bien que cette œuvre ne soit pas l'œuvre la plus populaire du compositeur, Dvorák avait néanmoins pour celle-ci une affection particulière.
NL
Rà’ (2011), is het 14de deel uit de Lettres Soufies van Jean-Luc Fafchamps. Het wordt gekenmerkt door de alomtegenwoordigheid van een stijgende beweging, getypeerd door bruuske versnellingen of door momenten van stilstand die korter of wat langer duren. Door een constante minimale bijstelling van de orkestrale benadering, reizen we door verschillende gemoedstoestanden, veelzijdige texturen, contrasterende kleuren, vluchtige beelden, zoals restjes herinnering, van dingen die we niet zouden hebben gekend... Voor onze hersenen betekent naar rechts gaan, zich naar de toekomst richten. Derwisjen gaan, integendeel, naar links - net zoals in het Arabisch schrift- alsof ze steeds dieper willen doordringen in de herinnering, in het onbewuste of in een mystieke droom… Zo rijst de realiteit rondom hen op, naarmate ze dieper graven…
Het Concerto voor viool in g op. 26 is een werk gecomponeerd door Max Bruch tussen 1864 en1866. Het betreft het meest bekende stuk van de componist en is een van de grootste Duitse romantische concerto’s voor viool. Het overschaduwt vooral twee andere concerto’s voor viool die hij later schreef.
De Symfonie nr. 5 in F, ook Britannique genoemd, opus 76, werd door Antonín Dvorák geschreven omstreeks 1875. Ze werd in Praag uitgevoerd op 25 maart 1879 onder leiding van Adolf Cech en is opgedragen aan Hans von Bülow. Hoewel dit werk niet het meest populaire is van de componist, droeg Dvořák het toch een warm hart toe.
Dimanche | Zondag 20/11
Quatuor Diotima
Hosokawa - Debussy - Widmann
20:00
Conservatoire royal de Bruxelles | Koninklijk Conservatorium Brussel
Coproduction | Coproductie: BOZAR & Ars Musica
Prix | Prijs: 22€ à 30€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Yun-Peng Zhao, violon| viool (CH)
Constance Ronzatti, violon| viool (FR)
Franck Chevalier, alto| altviool (FR)
Pierre Morlet, violoncelle| cello (FR)
Toshio Hosokawa (1955), Distant Voices
Jörg Widmann (1973), Jagdquartett (3. Streichquartett)
Claude Debussy (1862-1918), Quatuor à cordes, op. 10 | Strijkkwartet, op. 10
FR
Depuis sa création, le Quatuor Diotima s’est produit sur la scène internationale et a joué dans la plupart des festivals et séries de concerts européens des Philharmonie et Konzerthaus de Berlin au Konzerthaus de Vienne sans oublier la Cité de la musique à Paris ou le Wigmore Hall.
Le programme que le quatuor Diotima a imaginé, dans le cadre du festival Ars Musica, réunit trois œuvres dont « Distant voices » de Toshio Hosokawa qu’il avait créée en 2013, mais également « Jagdquartett » de Jörg Widmann, composition de 2003 qui puise notamment dans l’op.2, « Papillons », de Schumann, pour élaborer une sorte de folklore imaginaire, et le quatuor de Claude Debussy, pierre angulaire de cette nomenclature, qui est l’une des rares œuvres où l'auteur utilise une forme classique.
NL
Het Diotima kwartet concerteerde sinds zijn oprichting op verscheidene internationale podia. Het heeft op de meeste festivals gespeeld en eveneens heel wat Europese concertreeksen uitgevoerd, van de Filharmonie en het Konzerthaus van Berlijn tot het Wiener Konzerthaus, zonder de Cité de la musique in Parijs of de Wigmore Hall in Londen te vergeten.
Hun programma in het kader van het Ars Musica festival, verenigt drie werken waaronder Distant voices van Toshio Hosokawa, reeds door hen opgevoerd in 2013. Het tweede werk, Jagdquartett van Jörg Widmann uit 2003 inspireert zich op het opus 2, Papillons van Schumann en schept een soort denkbeeldige folklore. Hoeksteen en meteen ook afsluiter wordt het kwartet van Claude Debussy, één van de zeldzame werken waarin deze auteur een traditionele vorm hanteert.
Lundi | Maandag 21/11
OMOI La Maison du Vent
Uiko Watanabe & Sarah Wéry
20:00
La Raffinerie/ Charleroi Danses
Coproduction | Coproductie: Charleroi Danses, Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 10€
Uiko Watanabe, choréographe | choreograaf (JP)
Commande de Charleroi Danses | In opdracht van Charleroi Danses
Sarah Wéry (1987), Création | Creatie
Commande d'Ars Musica et Charleroi Danses | Compositieopdracht Ars Musica en Charleroi Danses
思い to think
重い gravity physical, gravity mental
OMOI 想い nostalgia, to love somebody
FR
Cette création, fruit d'une résidence entre la compositrice Sarah Wéry et la chorégraphe Uiko Watanabe, pose la question de l'exil, du décalage inexorable entre terre d'accueil et racines. Rester ici, revenir au pays, définir le mot « maison », sont autant de voies explorées par les deux artistes, qui se réfèrent à « La Maison » de Andrew Wyeth, peinte en 1948, dans laquelle on voit une jeune fille assise dans l'herbe semblant attraper de sa main une maison dans le vent, perchée sur une colline voisine. Illusion ou réalité ?
NL
Deze creatie, vrucht van een residentie van componiste Sarah Wéry en choreografe Uiko Watanabe, stelt vragen over ballingschap, het onverbiddelijke verschil tussen land van ontvangst en thuisland. Hier blijven, terugkeren naar je land, het woord ‘’huis’’ definiëren, al deze wegen worden bewandeld door de twee kunstenaressen die hiermee verwijzen naar Het Huis van Andrew Wyeth, een doek geschilderd in 1948. Een jong meisje zittend in het gras, lijkt een huis, dat op de andere heuvel staat, te vangen in haar hand in de wind. Illusie of werkelijkheid?
Lundi | Maandag 21/11
Les écrans sonores de Michel Portal
Autour de 'Max mon amour'
De geluidsschermen van Michel Portal
Gebaseerd op 'Max mon Amour'
20:00
BOZAR (HLB)
Coproduction | Coproductie: BOZAR, Le Manège Mons, Ensemble Musiques Nouvelles & Ars Musica
Prix | Prijs: 10€ à 30€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Ensemble Musiques Nouvelles
Dir. | o.l.v. Jean-Paul Dessy
Michel Portal, clarinette | klarinet (FR)
Jean-Philippe Collard-Neven, piano (BE)
Lander Gyselinck, batterie | drum (BE)
Anneleen Boehme, contrabasse | contrabas (BE)
Michel Portal (1935), Musique originale de Michel Portal pour « Max mon amour » de Nagisa Ōshima | Originele soundtrack voor de film "Max mon amour" van Nagisa Ōshima
Denis Bosse (1960), Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Gilles Doneux (1985), Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
En 1986, Michel Portal signe la musique du film « Max, mon Amour », de Nagisa Oshima. Cinéaste culte, auteur notamment du sulfureux « Empire des sens », Oshima expose ses attentes au compositeur qui les magnifie et les transcende. Naît une musique singulière qui allie une puissance évocatrice et une finesse timbrique ciselée, qui repose sur la clarinette basse, un des instruments fétiches de Michel Portal. Fil rouge de ce concert, Michel Portal interprétera ce thème, le transformera, le triturera, en libérera la texture dans une collaboration inédite avec Jean-Philippe Collard-Neven.
L’occasion également de nourrir deux œuvres commandées par Ars Musica à Denis Bosse et Gilles Doneux interprétées par l’ensemble Musiques Nouvelles sous la direction de Jean-Paul Dessy, rencontre entre une écriture d’aujourd’hui et un jazz qui aurait gommé toute frontière.
NL
In 1986 tekent Michel Portal voor de filmmuziek van Max mon Amour van Nagisa Oshima, cultregisseur en auteur van het duivelse Het rijk der zinnen. Oshima legt de componist zijn verwachtingen voor en deze gaat ze uitvergroten en zelfs overstijgen. Daaruit komt bijzondere muziek voort met een sterke beeldende kracht en een fijn elegant timbre, gebaseerd op de basklarinet, een van de fetisjinstrumenten van Michel Portal.
Michel Portal voert het thema uit, dat als een rode draad door het concert loopt, transformeert het, en tovert het om tijdens een ongeziene samenwerking met Jean-Philippe Collard-Neven.
Het is eveneens de gelegenheid om twee werken te laten horen, besteld door Ars Musica bij Denis Bosse en Gilles Doneux, uitgevoerd door het Musiques Nouvelles ensemble onder leiding van Jean-Paul Dessy, ontmoeting tussen een hedendaags schriftuur en jazz die wars is van elke opgelegde grens.
Mardi | Dinsdag 22/11
Ensemble Modern
Widmann, Yuasa & Itoh
20:00
BOZAR (M)
Coproduction | Coproductie: BOZAR & Ars Musica
Prix | Prijs: 18€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Captation live | Live captatie: Klara
Ensemble Modern
Dir. | o.l.v. Michael Wendeberg
Jörg Widmann (1973), Liebeslied pour 8 instruments | Liebeslied voor 8 instrumenten
Jörg Widmann (1973), Air – für Horn solo
Jörg Widmann (1973), Quintett
Joji Yuasa (1929), Projections pour 7 instrumentistes | Projections voor 7 instrumentisten
Seyko Itoh (1983), My favourite things II pour 6 instrumentistes | My favourite things II voor 6 instrumentisten
FR
L’Ensemble Modern, fondé en 1980 à Francfort, s’est spécialisé dans un répertoire consacré à la musique de création. Se fondant dans la thématique, du festival il interprète pour ce concert des œuvres de Seyloh Itoh et Joji Yuasa. Ce dernier, proche de Toru Takemitsu, est un des compositeurs les plus emblématiques du Japon. Son catalogue recèle des oeuvres aux nomenclatures diverses et des compositions électroacoustiques. Sa pièce, Projection for 7 players, illustre sa philosophie: elle combine l’individualisme propre à la société occidentale et une tendance holistique plus orientale. Dans ce même programme, l’Ensemble Modern interprétera trois œuvres du compositeur allemand Jörg Widmann, notamment « Quintett », une œuvre de 2006, construite en dix-huit parties pour hautbois, clarinette en la, basson, cor et piano.
FR
Het Ensemble Modern, opgericht in 1980 in Frankfurt, is gespecialiseerd in muzikale creaties. Het baseert zich op het thema van het festival en vertolkt voor dit concert werken van Seyloh Itoh en Johi Yuasa. Deze laatste, die aanleunt bij Toru Takemitsu, is één van de meest emblematische componisten van Japan. Zijn oeuvre bevat werken met verschillende naamgeving en elektro-akoestische composities. Zijn stuk Projection for 7 players verduidelijkt zijn filosofie: het combineert het eigen individualisme met de westerse maatschappij en een meer oosterse en holistische strekking. In ditzelfde programma vertolkt het Ensemble Modern drie werken van de Duitse componist Jörg Widmann, waaronder Quintett, een werk uit 2006, opgebouwd uit achttien delen, voor hobo, klarinet in A, fagot, hoorn en piano.
Mardi | Dinsdag 22/11
Une voix qui touche aux larmes
Régnier, Peeters, Sturm und Klang
21:00
Théâtre Varia - Le Petit Varia
Coproduction | Coproductie: Théâtre Varia, Les Innatendues de Tournai & Ars Musica
Prix | Prijs: 21€/ 12€
Ensemble Sturm und Klang
Dir. | o.l.v. Thomas Van Haeperen (BE)
Natacha Régnier, comédienne | actrice (BE)
Jean-Francois Vrod, violon | viool (FR)
Benoît Peeters, écrivain | schrijver (FR)
Musique originale de | Originele muziek van:
Jean-Luc Fafchamps (1960), Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Gwenaël Grisi (1989), Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Pierre Slinckx (1988), Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Homme fragile et brûlant, sensible et attachant, Paul Valéry (1871-1945) est, selon Benoît Peeters, l’une des plus fascinantes figures d’écrivain qui ait jamais existé. Ayant refoulé durant de longues années l’amour et sa passion pour la littérature, il les a ravivées jusqu’à la fin de sa vie. Admirateur de Wagner et de Debussy, Paul Valéry fut aussi hanté par la musique. « La puissante musique dessine tous les nerfs au crayon rouge – et module la vie même ». Benoît Peeters retrace la manière dont Paul Valéry a voulu restituer à la Littérature les merveilles que « la trop puissante Musique » lui avait dérobées.
Occasion de donner une carte blanche à Jean-Luc Fafchamps, Pierre Slinckx et Gwenaël Grisi pour imaginer une partition, miroir de la littérature et de la vie de Paul Valéry, interprétée par l’ensemble Sturm und Klang et le violoneux Jean-François Vrod.
NL
Paul Valéry (1871-1945), kwetsbaar en vurig, gevoelig en charmant, is volgens Benoît Peeters één van de meest fascinerende schrijversfiguren die ooit heeft geleefd. Na jarenlang zijn liefde en passie voor de literatuur te hebben onderdrukt, heeft hij ze doen heroplaaien tot aan het einde van zijn leven. Valéry was een groot bewonderaar van Wagner en Debussy, hij was bezeten door muziek. “ De kracht van de muziek tekent alle zenuwen uit met een rood potlood – en moduleert het leven zelf “, schreef hij. Benoît Peeters onderzoekt de manier waarop Paul Valéry de wonderschone dingen heeft willen teruggeven aan de literatuur, die “de te krachtige muziek” aan haar ontvreemd had.
De ideale gelegenheid om carte blanche te verlenen aan Jean-Luc Fafchamps, Pierre Slinckx en Gwenaël Grisi om een partituur uit te denken - spiegel van de literatuur en van het leven van Paul Valéry -, vertolkt door het Sturm und Klang ensemble en Jean-François Vrod op de viool.
Mardi | Dinsdag 22/11
Musiclub
Hoppy Kamiyama
22:00
Art Base
Collaboration | Samenwerking: Art Base & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 12€
Pass 5 concerts | Pass 5 concerten: 50€
Hoppy Kamiyama, keyboard | keyboard (JP)
Hoppy Kamiyama (1960), Creation for keyboard solo, based on music by Seyko Itoh (Schmetterlingstraum)
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Hoppy Kamiyama fait partie de ces musiciens qui ont fait des champs d’expérimentations leur terrain de jeu. Se référant à Xenakis, Kagel, Berio et Stockhausen, il a su créer un langage musical original qui a bâti des ponts entre les esthétiques. Compagnon de route de musiciens comme Bill Laswell, Marc Ribot ou Damo Suzuki, et l’un des principaux artisans de la scène alternative tokyoïte des années 80, il fonde, en 1993, le label God Mountain, qui sera tourné essentiellement sur ses productions. Du quatuor à cordes à l’expérimentation électronique, Hoppy Kamiyama a tracé un sillon particulier qui fait de lui un musicien loin des normes. Le concert, qu’il propose dans le cadre des Musiclub d’Ars Musica, explore le piano sous toutes ses formes, arpentant le moindre son, d’un minimalisme constructif.
NL
Hoppy Kamiyama is een muzikant wiens artistieke creatie gelijk staat met 'experimenteren'. Met Xenakis, Kagel, Berio en Stockhausen als referenties, ontwikkelde hij een muzikale taal die verschillende soorten esthetiek met elkaar verenigt. Als metgezel van muzikanten zoals Bill Laswell, Marc Ribot of Damo Suzuki, was hij één van de belangrijkste artiesten van de alternatieve scène in het Tokio van de jaren ’80. In 1993 richtte hij het label God Mountain op, dat voornamelijk zijn producties uitbrengt. Van strijkkwartet tot elektronisch experiment... Hoppy Kamiyama heeft een bijzonder parcours afgelegd dat van hem een muzikant maakt die buiten elke categorie valt. Het concert dat hij brengt in het kader van de Musiclub van Ars Musica verkent de piano in al haar vormen, waarbij de minste klank blijk geeft van constructief minimalisme.
Mercredi | Woensdag 23/11
Ensemble XXI
Vivier, Gobert, Kishino & Cage
20:00
Le Senghor
Coproduction | Coproductie: Le Senghor & Ars Musica
Prix | Prijs: 12€/ 10€
Ensemble XXI
Dir. | o.l.v. Marc Collet (BE)
Makiko Goto, koto (JP)
Malika Kishino (JP)
Claude Vivier (1948), Zipangu
Gilles Gobert (1971), Pièce pour électronique et cordes | Werk voor elektronica en strijkers
Malika Kishino (1971), Concerto pour koto et orchestre | Concerto voor koto en orkest
Création belge | Belgische creatie
John Cage (1912-1992), Ryoanji
Stéphane Orlando, Koto
Création mondiale | Wereldcreatie
FR
L’Ensemble XXI propose un programme qui se love dans l’imaginaire du Pays du soleil levant. Zipangu de Claude Vivier (1980), nom par lequel on désignait le Japon au temps de Marco Polo, est une œuvre pour treize instruments à cordes et électroniques au chant poignant et obsédant, à laquelle répond la pièce de Gilles Gobert pour une nomenclature identique (2014).
À cet univers tendu, Ryoanji (1985), inspiré à John Cage par la calme beauté zen des jardins du temple de Ryoan-ji à Kyoto et le Concerto pour koto de Malika Kishino (2013) apportent un contraste bienfaisant auquel fera écho Koto, création de Stéphane Orlando pour quatuor à cordes et piano.
NL
Het Ensemble XXI stelt een programma voor dat zich in de fantasiewereld van het Land van de rijzende zon nestelt. Zipangu van Claude Vivier (1980), zo werd Japan genoemd in de tijd van Marco Polo, is een werk voor dertien snaarinstrumenten, elektronisch en door aangrijpende en zinderende zang begeleid, waar het werk van Gilles Gobert, geschreven voor identieke formatie, aan beantwoordt (2014).
Aan dit gespannen universum bieden zowel Ryoanji (1985) van John Cage, geïnspireerd op de rustige zenschoonheid van de tuinen der tempels van Ryoan-ji in Kyoto evenals het Concerto voor koto van Malika Kishino (2013) een weldadig contrast. Daarop weerklinkt aansluitend Koto als een echo: de creatie van Stéphane Orlando voor strijkkwartet en piano.
Mercredi | Woensdag 23/11
Musiclub
Hugues Vincent & Kumi Iwase
22:00
Art Base
Collaboration | Samenwerking: Art Base & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 12€
Pass 5 concerts | Pass 5 concerten: 50€
Hugues Vincent, violoncelle | cello (FR)
Kumi Iwase, clarinette et saxophone | klarinet en saxofoon (JP)
Vincent Laubeuf (1974), Telle Une Illusion Qui S'enfuit Au Réveil
Création belge | Belgische creatie
Kumi Iwase (1976), Le Tumulte Du Sanctuaire
Création belge | Belgische creatie
FR
Le duo Iwase/ Vincent axe son travail sur la combinaison entre improvisation et composition. Depuis la performance totalement libre au concert exclusivement composé, il explore un idiome qui varie entre une approche mélodico-rythmique, qui flirte parfois avec la tonalité, et le travail sur le bruit, le son ou la matière. À l’utilisation des instruments le violoncelle de Hugues Vincent, parfois acoustique, parfois électrique, la clarinette et les saxophones de Kumi Iwase, se mêlent souvent des sons diffusés transformés en temps réel, field recording, sons créés en amont et voix préenregistrées.
NL
Het duo Iwase/Vincent focust zich in zijn werk op de combinatie van improvisatie en compositie. Gaande van vrije performance tot een volledig gecomponeerd concert, verkent het een taal die varieert tussen een melodieus-ritmische benadering (soms flirtend met toon) en onderzoek naar geluid, klank of materie. Het spel van de instrumenten (de cello van Hugues Vincent, nu eens akoestisch, dan weer elektrisch, de klarinet en de saxofoons van Kumi Iwase) vermengt zich vaak met vervormde klanken die rechtstreeks worden verspreid, field recording, klanken die op voorhand ontwikkeld zijn en stemmen die vooraf opgenomen zijn.
Jeudi | Donderdag 24/11
LAPS Ensemble
Fukui, Ledoux, Yamane & Bandoh
20:00
Le Senghor
Coproduction | Coproductie: Le Senghor & Ars Musica
Prix | Prijs: 12€/ 10€
LAPS Ensemble
Tomoko Fukui (1960), Singing In the Wind
Commande d'Ars Musica | Compositieopdracht Ars Musica
Claude Ledoux (1960), J-Pop LAPS
Commande d'Ars Musica | Compositieopdracht Ars Musica
Akiko Yamane (1982), Commande d'Ars Musica | Compositieopdracht Ars Musica
Yuta Bandoh (1991), Balloons
FR
L'appel indicible de l'Orient lointain. Voilà une belle occasion pour l'ensemble liégeois LAPS d'exprimer les interrogations suscitées par sa formation originale - une hybridation entre ordinateurs portables et instruments amplifiés - auprès des créateurs nippons. Ainsi, les œuvres de ce concert manifesteront-elles les rencontres de cultures, d’hybridations multiples à l’image de notre monde fragmenté et recombiné. L’œuvre de Tomoko Fukui, aux répétitions lancinantes et étranges, témoignera de notre monde en crise et en mutation, et celle de Yutah Bandoh nous proposera une version largement révisée d'une création écrite lors des rencontres LAPS/Jeunes compositeurs en 2015. Quant à Akiko Yamane, compositrice à l'imaginaire débridé, déstabilisera nos références en matière de création contemporaine. Ce programme d'hommage au soleil levant - complété par d'autres pièces dont une création du jeune belge Stefan Hejdrowski - se voudra à l'image du Japon: spirituel, volcanique, à la limite du tremblement...
NL
De sublieme roep van het Verre Oosten. Ziehier een mooie gelegenheid voor het Luikse LAPS ensemble om uitdrukking te geven aan de vragen die bij Japanse makers opgewekt worden door de unieke bezetting van het ensemble - een hybride vorm tussen laptops en versterkte instrumenten. Zo getuigen de werken van dit concert van ontmoetingen tussen culturen, van talrijke kruisingen naar het beeld van onze gefragmenteerde en opnieuw in elkaar gestoken wereld. Zo is er het werk van Tomoko Fukui, waarvan de onophoudelijke en vreemde herhalingen blijk geven van onze continu veranderende wereld die in crisis verkeert; of die van Yutah Bandoh die ons een aanzienlijk herwerkte versie van een werk voorstelt, geschreven tijdens een ontmoeting met LAPS/Jonge componisten in 2015. Ook Akiko Yamane, componiste met een ongebreidelde verbeelding, kan onze referenties alleen maar omverwerpen wat hedendaagse creatie betreft. Dit eerbetoon aan de rijzende zon – vervolledigd met andere stukken waaronder de creatie van de jonge Belg Stefan Hejdrowski – spiegelt zich aan Japan: spiritueel, vulkanisch, aan de rand van de uitbarsting…
Jeudi | Donderdag 24/11
Alexander Melnikov
Morton Feldman, Triadic memories
20:00
BOZAR (ST)
Coproduction | Coproductie: BOZAR & Ars Musica
Prix | Prijs: 18€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Alexander Melnikov, piano (RU)
Morton Feldman (1926-1987), Triadic memories
FR
Dans « Triadic Memories », composée en 1981, juste après « Patterns in a Chromatic Field », Morton Feldman élabore une tentative consciente de « formaliser » la désorientation de la mémoire. « Les accords sont entendus répétés sans aucun motif discernable » écrit-il, « dans cette régularité, même s’il y a de légères gradations de tempo, il y a une suggestion: ce que nous entendons est fonctionnel et directionnel et cependant nous nous rendons bientôt compte que c’est une illusion, un peu comme marcher dans les rues de Berlin, où tous les bâtiments paraissent semblables, même s’ils ne le sont pas. »
Alexander Melnikov, pianiste insatiable, s’est emparé de cette œuvre singulière pour la faire sienne, cultivant avec passion la curiosité musicale qui fait de lui un musicien hors-pair.
NL
In Triadic Memories, gecomponeerd in 1981, net na Patterns in a Chromatic Field, werkt Morton Feldman een bewuste poging uit tot het 'formaliseren' van de verwarring van het geheugen. “Je hoort de akkoorden zonder een merkbaar motief” schrijft hij, “binnen die regelmaat, zelfs al bestaan er lichte gradaties in het tempo, zit een suggestie: wat we horen is functioneel en directioneel: niettemin gaan we snel merken dat het een illusie is, net alsof je door de straten van Berlijn loopt, waar alle gebouwen op elkaar lijken, zelfs al zijn ze verschillend.”
Alexander Melnikov, een onverzadigbare en nieuwsgierige pianist, grijpt zich met hart en ziel vast aan dit bevreemdende oeuvre teneinde het volkomen tot het zijne te maken.
Jeudi | Donderdag 24/11
La Nuit Du Souffle
22:00
CENTRALE for contemporary art
Coproduction | Coproductie: CENTRALE for contemporary art & Ars Musica
Prix | Prijs: 12€/ 6€
FR
Le souffle instrumental, au-delà de ses fonctionnalités physiologiques, revêt une dimension métaphorique. Avoir du souffle, c'est avoir de l'énergie, de l'émotion, du panache, c'est tenir dans le temps. Cette Nuit du Souffle, accueillie par La Centrale, centre d'Art Contemporain bruxellois, esquissera un chemin musical qui jouera avec les distances géographiques et esthétiques. Improvisation, musique écrite, musique traditionnelle sont autant d'escales qui feront une Nuit du Souffle à vous couper le souffle. Avec Jan Rzewski, Naomi Sato, An Raskin, Hong Yoo, Dominique Vasseur et Reison Kuroda.
NL
De instrumentale adem, los van zijn fysiologische functionaliteit, bekleedt een metaforische dimensie. Adem hebben betekent energie hebben, emotie voelen, kleurrijk zijn en de tijd de baas kunnen. Deze Nuit du Souffle, die zijn plaats krijgt in de Centrale, Hedendaags Brussels Kunstencentrum, schetst een muzikale weg die met afstanden en esthetische vormen speelt. Zowel improvisatie, gecomponeerde als traditionele muziek komen aan bod en zullen van de Nuit du Souffle een nacht maken die u de adem ontneemt. Met Jan Rzewski, Naomi Sato, An Raskin, Hong Yoo, Dominique Vasseur en Reison Kuroda.
KURODA
Reison Kuroda, shakuhachi (JP)
NL
Le shakuhachi est une flûte droite en bambou. C'est la taille de l'instrument qui lui a donné son nom: 54,5 cm, soit 1 shaku et 8 sun, un sun mesurant un dixième de shaku. Ses possibilités de variation de timbre sont infinies, du muraiki (souffle) au son le plus pur. Reison Kuroda explore ce rapport au souffle, comme un hymne à la vie. Pour lui, le souffle est comme le ressac des vagues, qui vont et viennent à l’infini. Cette énergie du souffle, le jeune musicien japonais la transcende dans une approche musicale qui fait se métamorphoser tradition, improvisation et modernité.
FR
De shakuhachi is een rechte fluit gemaakt van bamboe. De afmeting van het instrument geeft het zijn naam: 54,5 cm, dat wil zeggen 1 shaku en 8 sun. Een sun is een tiende shaku. Haar mogelijkheden in variatie van timbre zijn oneindig, van muraiki (ademtocht) tot de meest pure klank. Reison Kuroda onderzoekt deze relatie met de adem, als een eerbetoon aan het leven. Voor hem is de adem als golven in de branding, die oneindig op en neer gaan. De jonge Japanse muzikant overstijgt die energie van de adem in een muzikale benadering die traditie, improvisatie en moderniteit doen transformeren.
ENSEMBLE AGARTHA
Ensemble Agartha
Naomi Sato, shō (JP)
An Raskin, accordéon | accordeon (BE)
FR
Deux souffles s’unissent pour ce concert inédit, celui du shō, nom japonais de l’orgue à bouche et celui du bajan, accordéon chromatique, pierre angulaire de la musique folklorique russe. Les deux musiciennes proposent un chemin de traverse: « That I may time transcend, that a universe my hart may unfold », une création mondiale de Ken Ueno, compositeur américain d’origine japonaise, dont le parcours prône les passerelles esthétiques, « Cloudscapes – Moon night », composée par Toshio Hozokawa en 1998 et une transcription d’un thème Gagaku. Ces trois œuvres s’articulent comme des points cardinaux tendant à tracer un chemin rectiligne entre Orient et Occident.
NL
Twee ademstromen verenigen zich tijdens dit unieke concert, die van de shō, de Japanse naam voor het mondorgel en die van de bajan, chromatische accordeon en hoeksteen van de Russische folkloristische muziek. De twee muzikanten stellen That I may time transcend, that a universe my heart may unfold voor, een wereldcreatie van Ken Ueno, Amerikaans componist van Japanse afkomst, waarvan het parcours bezaaid is met esthetische elementen, gevolgd door Cloudscapes – Moon night, gecomponeerd door Toshio Hozokawa in 1998 en een transcriptie van een Gagaku thema. Deze drie werken functioneren als windstreken en pogen een loodrechte lijn te trekken tussen Oost en West.
VASSEUR
Dominique Vasseur, flûte à bec | blokfluit (FR)
Création pour flûte à bec et dispositif électroacoustique integré au programme du récital Kage | Creatie voor fluit en elektro-akoustische installatie opgenomen in het programma van Kage
FR
Kage est le mot japonais pour « ombre » ou « réflexion » et se réfère à la pièce éponyme du compositeur Roderik de Man, ombre portée de la tradition musicale japonaise dans l’inspiration de compositeurs européens. Réflexions du Modernisme musical occidental dans la production de compositeurs japonais. Au côté des œuvres de Roderik de Man, Toshio Hosokawa, Kumi Iwase et Kotoka Suzuki, « Reibo I, II, III » déroulent trois fragments distincts pour flûte à bec et dispositif électroacoustique. Chaque fragment puise son matériau initial dans le répertoire consacré du Koto, du Shô et du Shakuachi.
NL
Kage is het Japanse woord voor schaduw of reflectie en verwijst naar het gelijknamige stuk van de componist Roderik de Man. Schaduw, die vanuit de muzikale Japanse traditie vervolgens Europese componisten inspireert. Reflecties van het westers muzikale Modernisme in de productie van Japanse componisten. Naast de werken van Roderik de Man, Toshio Hosokawa, Kumi Iwase en Kotoka Suzuki, spelen er zich in Reibo I, II, III drie verschillende fragmenten af voor blokfluit en elektro-akoestische installatie. Elk fragment put zijn basismateriaal uit het repertoire dat gewijd is aan Koto, Shô en Shakuachi. Een vorm van klankfusie is hier van het begin tot eind aan het werk. Ze vertrekt van het Kabuki theater naar de Zen en reist discreet van het profane naar het heilige.
RZEWSKI
Jan Rzewski, saxophone | saxofoon (BE)
FR
Dans chaque son soufflé, une aventure, une histoire improvisée, inspirée… pour une œuvre d'art visuel, un espace, des personnes, des odeurs, lumières, saveurs, vibrations et sentiments, ambitions, pensées, images, souvenirs, joies. Sans prévoir, le chemin sonore s'articule, fruit d'une expression de l'instant, souffle dans une nuit bruxelloise pour des instants instables vibrant à la joie de l'ivresse sonore. Dans un exercice terriblement ambitieux et passionnant, les paramètres flirtent, les paysages se dessinent, les conventions découvrent leur fragilité. Oublier les règles devient la priorité... Jamais la frontière entre rêve et réalité n'aura été si ineffable.
NL
In elke uitgeblazen klank, een avontuur, een geïmproviseerd en geïnspireerd verhaal… voor een visueel kunstwerk, een ruimte, mensen, geuren, licht, smaken, vibraties en gevoelens, ambities, gedachten, beelden, herinneringen, blijdschap. Zonder vooropgesteld plan baant de klank zijn weg, vrucht van een uitdrukking van het moment, adem in een Brusselse nacht, voor onbestendige ogenblikken trillend van blijdschap enkel om de roes van de klank. Een zeer ambitieuze en boeiende oefening waarin zogenaamde criteria met elkaar flirten, landschappen zich aftekenen, afspraken lijken te wankelen. De regels vergeten wordt prioritair… Nooit was de grens tussen droom en werkelijkheid zo dun.
Vendredi | Vrijdag 25/11
Samedi | Zaterdag 26/11
SIMPLEXITY
la beauté du geste
Thierry De Mey
20:00
Les Ecuries/ Charleroi Danses
Production | Productie: Charleroi Danses – Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles
Coproduction | Coproductie: Ensemble intercontemporain, Ircam/Les Spectacles vivants-Centre Pompidou, Kunstenfestivaldesarts, Théâtre de Liège & Ars Musica
Aide à l’écriture d’une œuvre musicale nouvelle originale du Ministère français de la Culture et de la Communication | Ondersteuning voor de creatie van een nieuw muzikaal werk door het Franse Ministerie van Cultuur en Communicatie
Rencontre avec les artistes à l’issue de la représentation du 26/11 | Ontmoeting met de artiesten na de voorstelling op 26/11
Prix | Prijs: 15€/ 10€
Ensemble intercontemporain (FR)
Frédérique Cambreling, Harpe | Harp
John Stulz, Alto | Altviool
Jérôme Comte, Clarinette | Klarinet
Samuel Favre & Victor Hanna, Percussion | Percussie
Thierry De Mey (1956), Concept, musique et chorégraphie | Concept, muziek en choreografie
Commande Ars Musica et Charleroi Danses | Compositieopdracht Ars Musica en Charleroi Danses
Créé avec et interprété par les danseurs | Gecreëerd met en gedanst door:
Ildikó Tóth, Louise Tanoto, Peter Juhász, Sara Tan Siyin, Víctor Pérez Armero
Union vitale entre la danse et la musique, du Thierry De Mey à l’état pur.
FR
Artiste associé à Charleroi Danses, Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Thierry De Mey est musicien, compositeur, cinéaste, créateur d’installations visuelles… Le voici désormais chorégraphe. « C’est un nouveau défi, sourit-il. Il fallait bien que j’y arrive un jour. En fait, le problème c’est de créer les diverses parties du spectacle parallèlement. Trouver l’équilibre entre le rythme du chorégraphe : travail d’équipe, horaire de jour, et celui de la composition musicale, nocturne et plus solitaire… Heureusement je suis très bien accompagné sur les deux plans… Interprètes fabuleux, assistants hyper compétents, techniciens motivés, la première réussite de SIMPLEXITY c’est la réunion de ces personnalités d’exception.» Sur le plateau, le résultat est d’une étonnante fluidité. Cinq danseurs et cinq musiciens de l’Ensemble intercontemporain dialoguent, se défient, se rejoignent, ne forment plus qu’un groupe de chanteurs-danseurs, glissent parmi les fenêtres de lumière connectées déclenchant une série de sons en fonction de leur gestuelle… Une symbiose totale entre danse et musique symbolisée par la présentation conjointe du spectacle par Charleroi Danses et Ars Musica. Du Thierry De Mey à l’état pur.
NL
Vitale Verbondenheid tussen dans en muziek, Thierry De Mey pur sang.
Thierry De Mey is muzikant, componist, regisseur, ontwerper van visuele installaties en als kunstenaar verbonden aan Charleroi Danses, het Choreografisch Centrum van de Federatie Wallonië-Brussel. En vanaf nu ook choreograaf. “Het is een nieuwe uitdaging", glimlacht hij. "Het moest er ooit eens van komen. Het moeilijke is eigenlijk parallel verschillende delen van een voorstelling te creëren. Een evenwicht vinden tussen het ritme van de choreograaf: teamwork, dagelijks uurrooster, en dat van de muzikale compositie die ‘s nachts plaatsgrijpt en een eenzame bezigheid is… Gelukkig bevind ik me op alle vlakken in goed gezelschap… geweldige vertolkers, zeer bekwame assistenten, gemotiveerde technici: het eerste succes van SIMPLEXITY is het resultaat van het samenvloeien van deze uitzonderlijke persoonlijkheden.” Op het podium ziet het resultaat er verbluffend vloeiend uit; vijf dansers en vijf muzikanten van het l’Ensemble intercontemporain treden in dialoog, gaan uitdagingen aan, en komen samen. Ze vormen nog slechts één groep zangers en dansers en glijden doorheen vensters van licht die verbonden zijn en een serie klanken in gang zetten op basis van hun gebaren. Een totale symbiose tussen dans en muziek die gesymboliseerd wordt door de gemeenschappelijke presentatie van het stuk door Charleroi Danses en Ars Musica. Thierry De Mey op zijn best.
Vendredi | Vrijdag 25/11
Blow the bloody doors off!
Chorégraphie Catherine Diverrès & Ensemble Dedalus
20:00
Halles de Schaerbeek
Coproduction | Coproductie: Halles de Schaerbeek & Ars Musica
Prix | Prijs: 20€/ 16€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 30€
Catherine Diverrès, Chorégraphe | Choreografe (FR)
Jean-Luc Guionnet (1966)
Création mondiale | Wereldcreatie
FR
La complexité de ce monde rend les réponses difficiles tant il est nécessaire de se repositionner en permanence, repenser notre ancrage, transformer nos repères, recentrer l’énergie pour donner du sens à nos actions. Le temps, comme l’espace, est affecté par le mouvement de plus en plus accéléré de nos vies. Ainsi, de la même façon qu’une des dimensions d’un objet se réduit quand on le regarde dans la direction parallèle à son déplacement, nos sensations deviennent subjectives et la conscience s’ouvre à d’autres variations du ressenti. C’est l’espace-temps où l’on peut créer et écouter nos voies intérieures.
« Blow the bloody doors off! » avec ses 8 danseurs et 7 musiciens se propose d’être ce moment de fragilité dont l’expression devra ressembler autant que possible à un être organisé, une âme. « Arpenteurs de l’espace et sondeurs infatigables de l’instant, ils nous feront vivre l'émotion parfois fugace mais nette d’avoir l’impression d’appartenir à autre chose ».
NL
De wereld is vandaag heel ingewikkeld geworden. Dat maakt het vinden van antwoorden moeilijk. Daarom is het van belang onze gedachten voortdurend bij te stellen, onze vaste waarden te overdenken, onze oriëntatiepunten te wijzigen en onze energie te heroriënteren om zin te geven aan onze daden. Tijd en ruimte worden meer en meer beïnvloed door de toenemende snelheid van ons leven. Zo wordt, net zoals een van de dimensies van een object kleiner wordt wanneer je het bekijkt in de parallelle richting van zijn beweging, onze gewaarwording subjectiever en opent het bewustzijn zich naar andere variaties van de gewaarwording. Dat is de tijd/ruimte waarin we kunnen creëren en luisteren naar onze innerlijke weg.
Blow the bloody doors off! met zijn 8 dansers en 7 muzikanten wil dat kwetsbare moment tonen waarvan de uitdrukking zo veel mogelijk moet lijken op een georganiseerd wezen, een ziel. “Ze verkennen de ruimte als landmeters, het moment als onvermoeibare pijlers en doen ons emoties beleven die soms kortstondig zijn maar duidelijk tot een andere orde behoren.”
Vendredi | Vrijdag 25/11
Dumoulin, Verbruggen & Haino
20:30
BOZAR (M)
Coproduction | Coproductie: BOZAR & Ars Musica
Prix | Prijs: 18€
(Tarifs différenciés selon les catégories | Tarieven variëren afhankelijk van de categorieën)
Pass ARSM: 112€ à 260€
Keiji Haino, guitare, chant, électronique | gitaar, zang, electronica (JP)
Teun Verbruggen, batterie, électronique | drum, electronica (BE)
Joseph Dumoulin, Fender rhodes, électronique | Fender rhodes, electronica (BE)
FR
En Septembre 2015, le duo formé par Teun Verbruggen et Jozef Dumoulin sillonne le Japon, du sud au nord et d’ouest en est, : l’occasion de se produire en solo et en duo. Les deux musiciens profitent de cette pérégrination pour tisser des liens avec des musiciens japonais, dont Keiji Haino, figure emblématique depuis les années 70 de la musique expérimentale nipponne. Guitariste et chanteur, il est connu pour ses explorations du son cathartique intense. Son œuvre est si variée que certains de ses albums sont complètement hors-norme. La rencontre de ces deux mondes donnera naissance à un opus discographique, dont ce concert est un reflet.
NL
In september 2015 doorkruisten het duo Teun Venbruggen en Jozef Dumoulin Japan van het zuiden tot het noorden en van het westen naar het oosten, gelegenheid om als duo of solo op te treden. De twee muzikanten maken van hun omzwervingen gebruik om banden te smeden met Japanse muzikanten, zoals Keiji Haino, emblematische figuur van de Japanse experimentele muziek sinds de jaren ’70. Als gitarist en zanger staat hij bekend voor zijn klankexperimenten met intens bevrijdende klank. Zijn œuvre is zo gevarieerd dat sommige van zijn albums volledig buiten de norm vallen. De ontmoeting tussen deze twee werelden resulteert in een discografisch opus waarvan dit concert de afspiegeling is.
Vendredi | Vrijdag 25/11
Musiclub
Safatly, Duerinckx & Russell
22:00
Art Base
Collaboration | Samenwerking: Art Base & Ars Musica
Prix | Prijs: 15€/ 12€
Pass 5 concerts | Pass 5 concerten: 50€
Matthieu Safatly, violoncelle | cello (FR)
Jean-Jacques Duerinckx, électronique | electronica (BE)
John Russell, guitare | gitaar (UK)
OMFI (One Moment Free Improv’)
FR
OMFI (One Moment Free Improv’ — rencontres itinérantes pluri et transdisciplinaires ayant comme vecteur l'improvisation libre) échafaude des croisements sonores entre John Russell, JJ Duerinckx aka Maurice Charles Jj et Matthieu Safatly. Solos, duos, trio… durant cette soirée cordes et anche se mettront à vibrer sous la forme du dialogue résonant. John Russell, guitariste acoustique qui arpente les scènes depuis plus de 40 ans, JJ Duerinckx aka Maurice Charles Jj, saxophoniste sopranino et paysagiste sonore électroacousticien très actif dans le milieu des expressions alternatives belges et Matthieu Safatly, violoncelliste et vocaliste surprenant et inclassable, vous emmènent dans leur monde.
NL
OMFI (One Moment Free Improv’ — zwervende multi-en-transdisciplinaire ontmoetingen die de vrije improvisatie als gemene deler hebben) stellen u in het kader van Ars Musica klankkruisingen voor tussen John Russell, JJ Duerinckx aka Maurice Charles Jj en Matthieu Safatly. Solo’s, duo’s, trio’s… tijdens deze avond slaan riet en snaar aan het trillen.
John Russell: Engelse akoestische gitarist met wereldfaam sinds meer dan 40 jaar.
Jean-Jacques Duerinckx aka Maurice Charles JJ: sopraansaxofonist en elektro-akoestische architect, zeer actief in de sfeer van de alternatieve Belgische expressie muziek.
Matthieu Safatly: indrukwekkende cellist en vocalist die niet in één categorie onder te brengen valt.
Ars Musica au Botanique| Ars Musica in de Botanique
FR
C'est au Botanique, haut lieu de la culture à Bruxelles, qu'Ars Musica prend ses quartiers en ce 26 novembre pour un programme bigarré, qui marie avec dextérité musique écrite et improvisée, jazz et électronique, le tout teinté de soleil levant. Cette journée se présente comme un itinéraire dessiné sur un archipel musical qui fait fi des esthétiques, pour faire place aux chemins de traverses et aux rencontres inattendues. En témoignent le lexique sonore inventé par le pianiste et compositeur Hoppy Kamiyama, compagnon de route de Bill Laswell, en rencontre avec le Collectif du Lion, l'Orangerie qui devient le terrain de jeu sonore de Ryoji Ikeda, l'expérimentation comme fil rouge de l'ensemble ON ou cette étonnante réunion au sommet des timbres avec le trio formé du violoncelliste Gaspar Claus, de la joueuse de biwa Kakushin Nishihara et du guitariste Serge Teyssot-Gay.
NL
Ars Musica strijkt op 26 november neer in de Botanique, culturele hotspot in Brussel. Onder een rijzende zon stelt Ars Musica een bonte programmatie voor, gevuld met composities en improvisatie, jazz en elektronische muziek. De dag zal eruit zien als een uitgestippeld parcours op een muzikaal eiland wars van elke opgelegde esthetiek, met zijpaden en onverwachte ontmoetingen. Bewijs hiervan is het klanklexicon bedacht door pianist Hoppy Kamiyama, geestverwant van Bill Laswell, in een ontmoeting met het Collectif du Lion, de Orangerie die de klankrijke speelplaats wordt van Ryoji Ikeda, het experiment als rode draad bij het Ensemble ON en hun verbazingwekkende ontmoeting van de bovenste “klank” met het trio gevormd door Gaspar Claus, biwavertolkster Kakushin Nishihara en gitarist Serge Teyssot-Gay.
Samedi | Zaterdag 26/11
Rêve d'éléphant
Hoppy Kamiyama & Collectif du Lion
16:00
Botanique (Rotonde)
Coproduction | Coproductie: Botanique & Ars Musica
Prix | Prijs: 16€/ 13€
Pass 4 concerts | Pass 4 concerten: 36€/ 33€
Rêve d'éléphant
Hoppy Kamiyama & Collectif du Lion
Collectif du Lion
Pierre Bernard, flûte | fluit (BE)
Jean-Paul Estiévenart, trompette | trompet (BE)
Michel Debrulle, batterie | drums (BE)
Nicolas Dechêne, guitare | gitaar (BE)
Michel Massot, tuba & trombone (BE)
Etienne Plumer, batterie et percussions | drums en percussies (BE/KR)
Stephan Pougin, batterie et percussions | drums en percussies(BE)
Hoppy Kamiyama, piano (JP)
Création mondiale - commande Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Rêve d'éléphant Orchestra, bien connu des scènes jazz nationales et internationales, est immédiatement identifiable par son orchestration atypique: trois batteurs/percussionnistes, guitares, flûtes, trompette, tubas/trombone. Il l’est tout autant par sa capacité à se nourrir de multiples influences. C’est ainsi que depuis plus de quinze années, différents univers comme le jazz, la folia (précise)!? les rythmes indiens ou cubains… ont imprégné quatre CD parus sur le label W.E.R.F. C’est dans le souci de décloisonner les genres et les publics et de rencontrer l’univers particulièrement éclectique, coloré et rythmique du compositeur/pianiste Hoppy Kamiyama que le collectif s’est emparé de projet proposé conjointement par le Botanique et Ars Musica.
NL
Rêve d'éléphant Orchestra, bekend van de nationale en internationale jazzscene, valt meteen op door zijn atypische bezetting: drie drummers/ percussionisten, gitaren, fluiten, een trompet, tuba/trombone. Bovendien is het eveneens herkenbaar aan de vele invloeden waarmee het zich voedt. Zo hebben zich sinds meer dan vijftien jaar vele verschillende universums zoals jazz, folia, Indische of Cubaanse ritmes aangediend als inspiratiebron voor vier cd’s, verschenen onder het label W.E.R.F. Vandaar dat ze met veel plezier ingaan op de uitnodiging van Ars Musica om muren tussen genres en de verschillende soorten publiek te slopen en zo het bijzonder eclectische, gekleurde en ritmische wereld te ontdekken van componist/pianist Hoppy Kamiyama.
Samedi | Zaterdag 26/11
[KNAPP]
Gobert & Doneux
18:30
Botanique (Rotonde)
Coproduction | Coproductie: Botanique & Ars Musica
Prix | Prijs: 16€/ 13€
Pass 4 concerts | Pass 4 concerten: 36€/ 33€
[KNAPP]
Gilles Doneux, laptop (BE)
Gilles Gobert, laptop (BE)
Hikari Kiyama (1983)
Création belge Ars Musica | Belgische creatie Ars Musica
FR
Après avoir récemment collaboré avec des musiciens de la scène contemporaine expérimentale ou noise, le duo de laptop [KNAPP] revient aux origines de sa formation: un concert purement électro.
Un concert de musique électronique expérimentale, mélange de noise, ambiant aux sonorités parfois pop/rock. Entre musiques improvisées et compositions "écrites", ce nouveau set du duo de laptop [KNAPP] fera entendre les musiques d'Hikari Kiyama, Gilles Doneux et Gilles Gobert.
NL
Na recentelijk te hebben samengewerkt met muzikanten uit de hedendaagse experimentele scène of noise scene, grijpt het laptopduo [KNAPP] terug naar wat aan de basis lag van hun creatie en brengt een puur elektroconcert.
Een concert met experimentele elektronische muziek, een mengeling van noise en ambiant met pop/rock-accenten. Tussen improvisatie en 'geschreven' muziek, laat deze nieuwe set van het laptopduo [KNAPP] muziek horen van Hikari Kiyama, Gilles Doneux en Gilles Gobert.
Samedi | Zaterdag 26/11
Ryoji Ikeda
supercodex [live set]
20:00
Botanique (Orangerie)
Coproduction | Coproductie: Botanique & Ars Musica
Prix | Prijs: 16€/ 13€
Pass 4 concerts | Pass 4 concerten: 36€/ 33€
Ryoji Ikeda, performance audiovisuelle | audiovisuele performance (JP)
Création belge | Belgische creatie
FR
L’art de Ryoji Ikeda repose sur le subtil équilibre qu’il a façonné entre art visuel et sonore, pour une forme d'art unique. Son œuvre, supercodex, est faite de plusieurs mouvements comme matériaux sonores: Clicks, buzz, données, bases de données et de métadonnées. Ces textures entrent dans la palette du compositeur, non pas de manière brute mais par ce qu’elles peuvent produire lorsqu’elles sont relues, réinterprétées, retranscrites. Au cœur des drones timbriques, jaillissent des éléments accidentels, explosions euphorisantes, sons épurés, qui offrent aux auditeurs une expérience unique d’immersion sonore. Ikeda joue avec les sens, puisant dans les mécaniques sensorielles et complexes du corps.
NL
De kunst van Ryoji Ikeda is gebaseerd op een subtiel evenwicht tussen visuele kunst en klank en verwordt tot een unieke artistieke uitdrukkingsvorm. Zijn werk supercodex bestaat uit verschillende bewegingen die het klankmateriaal vormen: clicks, buzz, gegevens, bronnen en metagegevens. Deze texturen dringen niet op een brute manier binnen in het palet van de componist, maar eerder door wat ze voortbrengen wanneer ze herlezen worden, opnieuw geïnterpreteerd of getranscribeerd. Temidden van deze 'drones' van klank, borrelen toevallige elementen op, euforische explosies en verfijnde geluiden die de toehoorders in een unieke klankervaring onderdompelen; Ikeda speelt met de zintuigen en put uit het complexe zintuiglijk mechanisme van het lichaam.
Samedi | Zaterdag 26/11
Trio Kintsugi
Teyssot-Gay, Claus, & Nishihara
22:00
Botanique (Rotonde)
Coproduction | Coproductie: Théâtre National de Sète, Maison de la Culture du Japon à Paris, Botanique & Ars Musica
Prix | Prijs: 16€/ 13€
Pass 4 concerts | Pass 4 concerten: 36€/ 33€
Gaspar Claus, violoncelle | cello (FR)
Serge Teyssot-Gay, guitare | gitaar (FR)
Kakushin Nishihara, biwa et chant | biwa en zang (JP)
Création belge | Belgische creatie
FR
Un violoncelle décloisonné, une guitare décomposée, un chant fascinant... Sur un répertoire aux accents sauvages, cette création, ancrée dans le présent, puise également à la source des traditions... Le chant millénaire de l’égérie underground tokyoïte, également joueuse de biwa (instrument à corde ancestral), se marie à la modernité des langages instrumentaux de Gaspar Claus au violoncelle, et du guitariste Serge Teyssot-Gay (ex Noir-Désir). Comme un voyage sans géographie établie, leur musique est d’une émotion enivrante! Avec des modes de jeu divers, du plus conventionnel au plus novateur, ils élargissent les capacités de leurs instruments respectifs et explorent des voies audacieuses.
NL
Een gesloopte cello, een gitaar in ontbinding, fascinerend gezang… Een hedendaagse creatie die deel uitmaakt van een ongeremd repertoire maar toch inspiratie put uit de traditie. De oerzang van de muze van de underground van Tokio, eveneens bespeelster van biwa (een eeuwenoud snaarinstrument), verenigt zich met de moderne instrumentale taal van cellist Gaspar Claus en gitarist Serge Teyssot-Gay (ex Noir-Désir). Zoals een reis zonder vooropgestelde route, brengt hun muziek bedwelmende emotie teweeg. Gaande van het meest conventionele tot het meest vernieuwende, verbreden ze de mogelijkheden van hun respectievelijke instrumenten en verkennen gedurfde paden.
Avis aux Parisiens! Le Trio Kintsungi jouera ce concert également le 24 novembre à 20h, à la Maison de la culture du Japon à Paris | Het Trio Kintsungi is ook op 24 november om 20u te zien in het Maison de la culture du Japon à te Paris: tickets & info: mcjp.fr
Dimanche | Zondag 27/11
Concert dessiné
Variations graphiques sur des contes japonais
Getekend concert
Geïllustreerde variaties op Japanse sprookjes
16:00
Halles de Schaerbeek
Coproduction | Coproductie: Halles de Schaerbeek & Ars Musica
Prix | Prijs: 20€/ 16€
Pass 3 concerts | Pass 3 concerten: 30€
Ensemble Musiques Nouvelles
Dir. | o.l.v. Jean-Paul Dessy (BE)
Mathias Delplanque, électroniques | electronica (FR)
Reison Kuroda, shakuhachi (JP)
Vincent Fortemps, dessinateur | tekenaar (BE)
Kan Takahama, dessinatrice | tekenares (JP)
Denis Levaillant (1952), Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Michel Fourgon (1968), Conte de la princesse de lune
Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
Mathias Delplanque (1973), Création mondiale - commande d'Ars Musica | Wereldcreatie - compositieopdracht Ars Musica
FR
Et si la musique contemporaine se dessinait?
Ce concert, un peu particulier, propose à trois compositeurs, Michel Fourgon, Denis Levaillant et Mathias Delplanque, d’imaginer des fresques musicales d’après trois contes traditionnels japonais. De part et d’autre de l’espace scénique, deux grandes tables de dessin se font face, et, dans la pénombre, deux dessinateurs: Kan Takahama, auteur notamment de « Yellowbacks » et « Two expressos » et Vincent Fortemps, concepteur de l’étonnant « cinémécanique », donnent naissance à des images inédites projetées sur un écran géant. L’ensemble Musiques Nouvelles, sous la direction de Jean-Paul Dessy est l’écrin de ce projet hors norme, un rendez-vous pour tous les publics en quête de sensations artistiques nouvelles.
NL
Wat als je hedendaagse muziek kon tekenen?
Dit buitengewone concert stelt drie componisten - Michel Fourgon, Denis Levaillant en Mathias Delplanque - voor om muzikale fresco’s te verzinnen, gebaseerd op drie sprookjes uit de Japanse verteltraditie. Aan weerszijden van de scène staan twee grote tekentafels tegenover elkaar opgesteld, met in de schemering twee tekenaars, Kan Takahama, auteur van ondermeer Yellowbacks en Two expressos en Vincent Fortemps, ontwerper van het verbluffende 'cinémécanique'. Zij zullen gestalte geven aan ongeziene beelden, die op een reuzenscherm geprojecteerd zullen worden. Het Ensemble Musiques Nouvelles onder leiding van Jean-Paul Dessy begeleidt dit ongewone project, dat elk publiek dat op zoek is naar nieuwe artistieke ervaringen, zal prikkelen.
AUTRES ACTIVITES |
ANDERE ACTIVITEITEN
Samedi | Zaterdag 22/10
Cursus Amarant (en néerlandais)
Manga, medium, economie en fancultuur
10:00 - 12:30
14:00 - 16:30
Muntpunt
En collaboration avec | In samenwerking met: Amarant & Muntpunt
Prix | Prijs: 26€/ 23€
Professeur/enseignante | docente: Nele Noppe (BE)
FR
Médium, économie et culture fan
La culture pop est, aujourd’hui peut-être, le produit d’exportation le plus connu du Japon. La majorité des personnes ne font plus connaissance avec le Japon à travers les arts “classiques” comme la cérémonie du thé et les estampes mais plutôt à travers les mangas, l’animation et les jeux.
Nous examinons pourquoi les mangas sont devenus si importants dans la culture japonaise, au Japon et à l’étranger. Les mangas sont beaucoup plus que juste des bandes dessinées: c’est un medium avec lequel tout le monde, allant d’artistes aux politiciens, peuvent exprimer des messages de toutes sortes, comme les livres chez nous. Outre la fiction manga très connue, il existe également des mangas éducatifs sur les mathématiques et le langage, des versions manga des grands classiques littéraires, des mangas informatifs sur la politique gouvernementale etc. Les mangas sont l’axe d’un marché immense de culture pop qui a continué à croître, même pendant et après la crise économique des années ’90. La culture fan autour des mangas rapporte des millions au Japon et à l’étranger et est une source d’innovation économique et culturelle. Nous explorons l’importance des mangas, non seulement comme medium mais également comme produit économique et comme phénomène culturelle qui réunit les fans haut de là des barrières ou frontières linguistiques et nationales.
NL
Popcultuur is vandaag misschien wel het bekendste exportproduct van Japan. Velen leren Japan niet meer kennen via 'klassieke' kunsten zoals de theeceremonie en de houtblokprenten, maar als het land van manga, tekenfilms en games.
We verkennen waarom manga’s zijn uitgegroeid tot het gezicht van de Japanse cultuur, binnen en buiten het land zelf. Manga’s in Japan zijn veel meer dan 'gewoon' stripverhalen: ze zijn een medium waarmee iedereen van artiesten tot politici en bedrijven allerhande boodschappen uitdragen, net zoals boeken bij ons. Naast de welbekende fictie-manga bestaan er ook educatieve manga over wiskunde en taal, manga-versies van literaire klassiekers, informatieve manga over het overheidsbeleid, en zo voort. Manga vormen ook de spil van een immense popcultuur-markt die zelfs tijdens en na de Japanse economische crisis van de jaren 1990 bleef groeien. De fancultuur rond manga brengt miljoenen op binnen en buiten Japan, en is een bron van economische en culturele innovatie. We onderzoeken het belang van manga niet alleen als medium, maar ook als economisch product en als cultureel fenomeen dat fans verenigt over taal- en landsgrenzen heen
Samedi | Zaterdag 12/11
Le Pays du Sonore Levant
Conférence musicale sur la musique japonaise d'aujourd'hui
Het Land van de rijzende Sound
Muzikale conferentie over Japanse hedendaagse muziek
16:00
Le Senghor
Coproduction | Coproductie: Le Senghor
Prix | Prijs: 10€/ 8€
Pass concert/conférence | Pass concert/conferentie: 12€
Kanako Abe, piano (JP)
Mihi Kim, flûte | fluit (KR)
Matthieu Lejeune, violoncell | cello (FR)
Carl-Emmanuel Fisbach, saxophone | saxofoon (FR)
FR
Depuis l'introduction de la musique classique occidentale après la restauration Meiji en 1868, la scène de la création musicale japonaise n'a cessé d'évoluer sans rompre totalement avec ses sources traditionnelles. Dans le cadre du Festival Ars Musica, Kanako Abe, pianiste, chef d’orchestre, compositrice et musicologue, esquisse l'histoire de la musique japonaise du début du 19e siècle à aujourd'hui, comme une fresque sonore. Un concert donné par les musiciens de l'ensemble Musica Universalis clôturera ce moment unique, avec six œuvres japonaises puisées dans trois générations différentes, occasion singulière d’un voyage immobile.
NL
Sinds het invoeren van de westerse klassieke muziek na de Meiji restauratie in 1868, is de Japanse muzikale creatie zich blijven ontwikkelen zonder volledig te breken met de traditie. In het kader van het Ars Musica Festival schetst Kanako Abe, pianiste, dirigente, componiste en musicologe, de geschiedenis van de Japanse muziek van het begin van de 19de eeuw tot vandaag, als een sonoor fresco. Muzikanten van het ensemble Musica Universalis sluiten dit unieke moment af met een concert van zes Japanse werken uit drie verschillende generaties, een gedroomde gelegenheid om even helemaal in een andere wereld te vertoeven.
Dimanche | Zondag 13/11
Akiko Kubota
Biwa
15:00
Musée du Cinquantenaire (Musées royaux d’Art et d’Histoire) | Jubelparkmuseum (Koninklijke Musea voor Kunst en Geschiedenis)
Coproduction | Coproductie: Musée du Cinquantenaire (Musées royaux d’Art et d’Histoire) | Jubelparkmuseum (Koninklijke Musea voor Kunst en Geschiedenis)
Prix | Prijs: 7€/ 5€
Akiko Kubota, biwa (JP)
FR
Le monde musical d’Akiko Kubota est fait de tradition et de modernité. De musiques pour marionnettes aux créations contemporaines d’Aurélien Dumont, elle a creusé un sillon singulier qui n’oublie pas l’héritage des grands maîtres, incarné par son mentor Yoshiko Sakata. Membre de différents ensembles notamment le « Pro Musica Nipponia », ensemble de musique traditionnelle sur instruments anciens ou l’ensemble Muromachi, fondé par Laurent Techeney, qui cultive la relation entre instruments baroques européens et instruments traditionnels japonais, elle a réussi à façonner des ponts entre ces esthétiques comme des jardins suspendus. Pour ce concert unique, elle tracera un itinéraire musical où la temporalité n’est plus de mise.
Dans le cadre de l’exposition Ukiyo-e - Les plus belles estampes japonaises dans le Musée du Cinquantenaire (Musées royaux d’Art et d’Histoire) du 21 novembre 2016 au 12 février 2017.
NL
De muziekwereld van Akiko Kubota is opgebouwd uit traditie en moderniteit. Zo slaagt ze erin een bijzondere synthese te maken van muziek voor marionetten tot de hedendaagse creaties van Aurélien Dumont en de erfenis van de grote meesters, belichaamd door haar mentor Yoshiko Sakata. Ze maakt deel uit van verschillende ensembles, bijvoorbeeld van Pro Musica Nipponia, een ensemble voor traditionele muziek gespeeld op oude instrumenten en van het Muromachi ensemble, opgericht door Laurent Techeney, dat Europese barokinstrumenten en traditionele Japanse instrumenten verenigt. Ze bouwt bruggen tussen deze verschillende esthetische vormen, als waren het hangtuinen. Voor dit unieke concert, heeft ze een muzikale route uitgestippeld waarin de tijd wordt ontbonden.
In het kader van de tentoonstelling Ukiyo-e - De mooiste Japanse prenten in het Jubelparkmuseum (Koninklijke Musea voor Kunst en Geschiedenis) van 21 november 2016 tot 12 februari 2017.
Lundi | Maandag 14/11
Mardi | Dinsdag 15/11
Jeudi | Donderdag 17/11
Vendredi | Vrijdag 18/11
Samedi | Zaterdag 19/11
Lundi | Maandag 27/11
Vendredi | Vrijdag 25/11
Sonic Rising Sun & Ephémère
Transcultures/ City Sonic & Yuki Kawamura
Aux heures d'ouverture du bar, soit 1 heure avant et 1 heure après les spectacles aux Halles de Schaerbeek | Tijdens de openingsuren van de bar, nl. 1 uur voor aanvang en 1 uur na de voorstellingen in de Hallen van Schaarbeek
Halles de Schaerbeek (Cave | Kelder)
Coproduction | Coproductie: Transcultures & City Sonic & Halles de Schaerbeek
Gratuit | Gratis
Olivier Gain
Régis Contentin
Rodolphe Alexis
Jacques Urbanska
Philippe Boisnard
Philippe Franck
Yuki Kawamura
Transcultures/City Sonic
Olivier Gain (1986), Let There Be Light
Rodolphe Alexis (1975), Flower bed - Création |Creatie Ars Musica & Transcultures/City Sonic
Régis Contentin (1970), Dream Away, musique de Paradise Now | muziek van Paradise Now - Création | Creatie Ars Musica & Transcultures/City Sonic
Jacques Urbanska (1971), Philippe Franck (1979) & Philippe Boisnard (1971), Paysage de la catastrophe : Fukushima - Création | Creatie Ars Musica & Transcultures/City Sonic
FR
A l’invitation d’Ars Musica, Transcultures et son festival City Sonic s'emparent de l'espace bar des Halles de Schaerbeek en proposant une métamorphose du lieu via des installations sonores, plastiques, numériques, inspirées par le Japon d’aujourd’hui et de demain : Régis Contentin et Paradise Now croisant oscillations organiques et soniques, Rodolphe Alexis et ses pyramides de fleurs-vibreurs, Olivier Gain et ses lumières chantantes, Yuki Kawamura et ses travelogues audio-visuelles, Philippe Boisnard, Jacques Urbanska et Philippe Franck associés pour créer un paysage poétique à partir des flux de données sur la catastrophe de Fukushima…toutes les couleurs du Rising sonic sun !
NL
Op uitnodiging van Ars Musica trekken Transcultures en hun City Sonic festival de bar in van de Hallen van Schaarbeek en doen de ruimte een metamorfose ondergaan door middel van klankinstallaties, plastische- en digitale installaties geïnspireerd op het Japan van vandaag en morgen: Régis Contentin en Paradise Now vermengen organische en sonore trillingen, Rodolphe Alexis is aanwezig met zijn zoemende bloemen, Olivier Gain met zijn zingende lichten, Yuki Kawamura met audiovisuele 'travelogen'. Philippe Boisnard, Jacques Urbanska en Philippe Franck creëren in team een poëtisch landschap vanuit een gegevensstroom over de catastrofe van Fukushima…ontdek alle kleuren van de Rising Sonic sun!
Let there be light - Olivier Gain
FR
Plusieurs bougies sonorisées entourent une ampoule qui les surplombe. Différents événements séquencés dans le temps sont amenés à les perturber. Parmi ceux-ci on trouve tout d’abord l’ampoule que l’on voit posée au zénith. Quand celle-ci entame son cycle progressif d’allumage, les bougies suivent en chœur montant crescendo vers les aigus. L’ampoule électrique contrairement à une bougie, dispense une lumière continue, stable. Les bougies quant à elles sont sujettes aux variations directes de leur milieu. Le timbre donné aux bougies a été retenu pour sa proximité avec celui de la voix humaine. L’idée est de produire l’effet d’une « chorale lumineuse ».
NL
Verschillende klankkaarsen zijn rondom een gloeilamp geplaatst. Ze worden door de gloeilamp gedomineerd. Verscheidene opeenvolgende gebeurtenissen in de tijd verstoren hen, waaronder de gloeilamp die zich bovenaan bevindt. Wanneer deze langzaamaan verlicht wordt, volgen de kaarsen in een koor dat crescendo gaat tot in de hoogste tonen. De elektrische gloeilamp verspreidt, in tegenstelling tot een kaars, een constant diffuus, stabiel licht. De kaarsen daarentegen zijn onmiddellijk onderhevig aan variaties rondom hen. De klank die de kaarsen teweeg brengt, is gekozen omdat hij zo dicht bij de menselijke stem ligt. Het achterliggende idee is het effect van een 'lichtgevend koor' te creëren.
Flower Bed - Rodolphe Alexis
FR
Un tapis de fleurs artificielles rejoue la partition musicale d’une prairie estivale riche en insectes...
Semant la confusion sur l’origine et la nature des sons, les sources mélangent de véritables enregistrements acoustiques de l’entomofauna à des sons d’insectes virtuels électroniquement générés. En s’approchant, le spectateur découvre que les fleurs artificielles sont les sources sonores du thème joué et chacune diffuse un son tout comme les fleurs naturelles diffusent leur odeur.
NL
Een tapijt artificiële bloemen interpreteert de muzikale partituur van een zomerse weide vol insecten…
Er wordt twijfel gezaaid over de oorsprong en de aard van de klanken, en zo mengen de bronnen ware akoestische opnames van de entomofauna met de geluiden van virtuele insecten die elektronisch opgewekt worden. Door dichterbij te komen, ontdekt de toeschouwer dat de artificiële bloemen sonore bronnen zijn en het gespeelde thema laten horen. Elke bloem verspreidt eveneens een klank, net zoals echte bloemen hun geur verspreiden.
DREAM AWAY - Régis Contentin & Paradise Now, 2016
FR
Un haïku est un petit poème qui célèbre l'évanescence des choses de la vie. Il se compose traditionnellement de mores, un découpage des sons plus fin que les syllabes. Le digital permet de créer une synchronisation organique entre le son et l’image, donnant l’illusion que chaque sonorité porte en elle sa représentation, comme dans un haïku.
La musique de Paradise Now engendre des liaisons et des ruptures de rythmes inattendues qui provoquent autant d’événements étonnants. Comme dans un haïku, Dream Away traduit la résonance d’une poésie visuelle aux confins de notre imagination abstraite.
NL
Een haïku is een klein gedicht dat de vluchtigheid van de dingen des levens bezingt. Hij bestaat traditioneel uit mores, een versnippering van klanken die dunner zijn dan lettergrepen. Digitalisering zorgt ervoor dat een organische synchronisatie mogelijk is tussen klank en beeld en schept de illusie dat elke klank zijn eigen weergave in zichzelf bevat, net zoals in een haïku.
De muziek van Paradise Now veroorzaakt verbindingen en onverwachte klankonderbrekingen die evenveel verbazende gebeurtenissen opwekken. Net zoals in een haïku vertaalt Dream Away de klankweerkaatsing van visuele poëzie naar de grenzen van onze abstracte verbeelding.
Paysage de la Catastrophe : Fukushima (création)
FR
Un paysage sans reste d’humanité se crée de manière continue. Il est un reflet poétique d’une terre dont nulle conscience n’est plus témoin. Il y a eu destruction. Cette terre, c'est Fukushima. Ce paysage se modifie automatiquement par l’analyse des flux d’actualités en rapport avec la catastrophe nucléaire de Fukushima Daïchi mis en ligne sur le Web (les dénivelés et les textures de lettres sont issues de l’analyse automatisée de ce reste de la mémoire écrite). Par l'analyse des mots, la composition se fait en temps réel. Elle se donne comme une symphonie de la fin du monde. Ce paysage est post-historique, il n’écrit plus l’histoire. Il est le reflet d’un monde où l’homme a disparu, mais dont il ne reste plus que les traces sous la forme des archives. Une caméra automatique explore ce paysage : nous faisons face à sa solitude. Pour cette première présentation, Philippe Boisnard s'associe à Jacques Urbanska pour générer le paysage médiatique de la catastrophe qui s'est produite en 2011. Le son générée en temps réel est créée à partir des agencements audio réalisés par Philippe Franck.
Production : Transcultures, Philippe Boisnard
Landschap van de Catastrofe: Fukushima (creatie)
NL
Een landschap zonder overblijfselen van menselijk leven, ontwikkelt zich constant verder. Het is een poëtische weerspiegeling van een plaats waar geen enkel bewustzijn nog getuige van is. Er trad vernietiging op. De plek is Fukushima. Het landschap verandert automatisch aan de hand van de geanalyseerde nieuwsstroom over de nucleaire ramp van Fukushima Daïchi die op het web verschijnt (het verschil in hoogte en textuur van de letters vloeit voort uit de geautomatiseerde analyse van de overgebleven geschreven herinnering). Door de analyse van woorden vindt de compositie plaats in real time. Ze verwordt tot een symfonie van het einde van de wereld. Dit landschap is posthistorisch. Het schrijft geen geschiedenis meer. Het is de afspiegeling van een wereld waaruit de mens is verdwenen, en waarvan er slechts sporen overblijven in de vorm van archieven. Een automatische camera verkent dit landschap en brengt ons oog in oog met de vergetelheid. Voor deze eerste creatie werkt Philippe Boisnard samen met Jacques Urbanska om het medialandschap van de ramp uit 2011 voort te brengen. De klank, opgewekt in real time, wordt ontwikkeld aan de hand van audio-lay-outs vervaardigd door Philippe Franck.
Productie: Transcultures, Philippe Boisnard
Yuki Kawamura (1979), Ephémère
Création & Commande Ars Musica | Creatie en opdracht Ars Musica
FR
Magnifiant la vie éphémère de la luciole, comme un cycle de vie narratif, le cinéaste japonais Yuki Kawamura explore la relation entre son et lumière par le prisme exacerbé de son regard . Il nous fait entrer dans le monde microscopique des insectes, dévoilant le son de ce grouillement incessant, exaltant un drone timbrique. De cette anarchie apparente, Yuki Kawamura construit une oeuvre à l'architecture complexe qui esquisse une relation image-timbre singulière.
Larve longtemps, sublimago quelques heures et imago pour la reproduction, non doté pour son alimentation, cet être fugace évoque la survivance des lucioles exprimée par Pier Paolo Pasolini. Citant Philippe Jaccottet, Yuki Kawamura juxtapose temps et mouvement sans craindre l’instant immobile.
NL
Een lofzang op het vluchtige leven van het vuurvliegje, zoals een verhalencyclus, dat is wat de Japanse cineast Yuki Kawamura creëert, wanneer hij de relatie tussen klank en licht onderzoekt doorheen het verscherpte prisma van zijn blik. Hij leidt ons binnen in de microscopische wereld van de insecten en onthult de klank van dat onophoudelijke gekrioel. Vanuit deze schijnbare anarchie, bouwt Yuki Kawamura een architecturaal complex werk op, dat een bijzondere relatie schetst tussen beeld en klankkleur.
Lange tijd larf, sublimago gedurende enkele uren, imago voor de reproductie, niet uitgerust voor zijn spijs: dit vluchtige wezen roept het overleven van de vuurvliegjes op, bezongen door Pier Paolo Pasolini. Yuki Kawamura citeert Philippe Jaccottet en plaatst tijd en beweging vlak naast elkaar zonder het stilstaand moment te vrezen.
Lundi | Maandag 14/11
Son - Image/ Temps réel
Colloque
Real Time Beeld/ Geluid
Colloquium
10:00 - 18:30
Académie royale des beaux-arts de Bruxelles – Ecole supérieure des arts - DAM-Gallery
Coproduction | Coproduction: Alliance française de Bruxelles-Europe & ARBA-ESA
Gratuit sur réservation | Gratis bij reservatie: culture@alliancefr.be
PREMIER PANEL | EERSTE PANEL
Premier panel : son/image dans les types d’activités artistiques ou péri-artistiques
Het eerste panel geeft duiding over de vooruitgang klank/beeld in verschillende soorten artistieke activiteiten of semi-artistieke activiteiten (zoals computerspelletjes bvb.)
Intervenants | Sprekers
Christophe Héral, compositeur | componist (FR)
Régis Contentin, artiste visuel, commissaire d’exposition, chargé de la programmation contemporaine au Palais des Beaux-Arts de Lille | Visueel artiest en curator aan het Palais des Beaux-Arts in Lille (FR)
Eric Vernhes, vidéaste | videokunstenaar (FR)
Natan Sinigaglia, artiste sonore et visuel | geluids- en vidueel kunstenares (IT)
Juliette Bibasse, productrice art numérique | digitale kunstenares (BE)
Moderateur | Moderator
Philippe Franck, directeur de Transcultures (BE)
SECOND PANEL | TWEEDE PANEL
Second panel: son/lumière dans son rapport au corps avec l’instrumentiste
Het tweede panel geeft duiding over klank/licht in relatie tot het lichaam van de instrumentist.
Intervenants | Sprekers
Atau Tanaka, professeur média et informatique à l’Université Goldsmiths de Londres | Atau Tanaka, docent Media en Informatica aan Goldsmiths University of London (US)
Georgia Spiropoulos, compositrice et artiste visuelle et sonore | Georgia Spiropoulos, componiste, beeldende en geluidskunstenares (GR)
Nicola Sani, artiste visuel, sonore et vidéo | Nicola Sani, audiovisuele kunstenaar en video (IT)
Philippe Spiesser, percussionniste GeKiPe (Geste Kinect et Percussion) | Philippe Spiesser, percussionist GeKiPe (‘Geste Kinect et Percussion’) (FR)
Moderateur | Moderator
Gabriel Soucheyre, directeur artistique de Videoformes | Gabirel Soucheyre, artistiek directeur van Videoformes (FR)
TROISIEME PANEL | DERDE PANEL
Troisième panel : son/lumière dans son rapport à l’instrument | Het derde forum behandelt de van klank/licht met betrekking tot het instrument (de versterking van een instrument)
Intervenants | Sprekers
Serge de Laubier, compositeur et directeur de Puce Muse | Serge de Laubier, componist en directeur van Puce Muse (FR)
Jacques Rémus, compositeur - Ipotam Mécamusique | Jacques Rémus, componist - Ipotam Mécamusique (FR)
Norbert Schnell, chercheur et développeur à l’IRCAM | Norbert Schnell, onderzoeker en ontwikkelaar aan het IRCAM
Moderateur | Moderator
Todor Todoroff, compositeur et chercheur | componist en onderzoeker (BE)
Langue | taal: français et anglais | Frans en Engels
FR
Trois panels abordent la question de l’interaction du son, de l’image et du temps. Compositeurs, vidéastes, instrumentistes mêlent leurs expériences, leurs opinions et leurs recherches pour répondre aux problématiques que pose ce sujet. La relation son et image dans les types d’activités artistiques ou péri-artistiques, la relation son et lumière dans son rapport au corps de l’instrumentiste ou encore la relation son et lumière dans son rapport à l’instrument sont tout autant de questions de spatialisation et de temporalité musicales.
Ce souci d’innovation est un fil rouge que l’on retrouve dans l’histoire même de la musique. De l’évolution de la lutherie, aux spatialisations, de la fixation du son à son amplification, la technologie a étoffé au fil du temps la palette d’expression des compositeurs.
Dans cette même lignée, il était naturel que le son et l’image se rapprochent. Mais, avec le développement de l’acoustique et les avancées technologiques, cette aventure entre son et image rejoint l’idéal du XIXe de synesthésie quand les « parfums, les couleurs et les sons se répondent ». Le concept de synesthésie fait le rapprochement entre son et couleur, entre œil et oreille, entre vision et ouïe : l’œil écoute et l’oreille voit. Le geste du musicien produisant le son génère une image. L’instrumentiste crée une image alors même qu’il joue. On passe alors de l’accompagnement simultané de la production sonore à la génération de l’image par le son. Lors de cette journée, nous découvrirons les développements des questions image, son et temps réel de la part d’intervenants divers.
NL
Drie panels snijden het thema aan van de interactie tussen klank, beeld en tijd. Componisten, videasten en muzikanten brengen ervaringen, meningen en onderzoek dienaangaande samen op zoek naar antwoorden. De relatie tussen klank en beeld bij verschillende soorten artistieke activiteiten, de relatie tussen klank en licht in verband met het lichaam van de muzikant of de relatie tussen klank en licht in verband met het instrument, zijn stuk voor stuk facetten om de muzikale tijd en ruimte te bevragen.
Deze drang naar vernieuwing is overigens niet vreemd in de muziekgeschiedenis. Van de ontwikkeling van de bouw van snaarinstrumenten tot ruimtelijkheid, van het vastleggen van klank tot het versterken ervan : steeds heeft de technologie de expressiemiddelen van componisten uitgebreid.
Het ligt voor de hand dat klank en beeld dichter bij elkaar komen. Recente ontwikkelingen in de akoestiek en de technologische vooruitgang maken het 19de eeuwse idee van synesthesie - waar 'geuren, kleuren en klanken een antwoord geven op elkaar' - alvast een nadere beschouwing en experiment waardig.
Het concept van de synesthesie legt een verband tussen klank en kleur, tussen oog en oor, tussen zicht en gehoor. Het oog luistert en het oor ziet. Het gebaar van de muzikant die een klank produceert, roept een beeld op. De muzikant creëert een beeld wanneer hij speelt. We evolueren dan van simultane begeleiding van de klankproductie naar het opwekken van het beeld door de klank. Tijdens deze dag komen we meer te weten over ontwikkelingen met betrekking tot beeld, klank en real time, gebracht door de verschillende deelnemers.
Mercredi| Woensdag 16/11 au | tot Vendredi | Vrijdag 9/12
'Geografia Sonora' de Georgia Spiropoulos | 'Geografia Sonora' van Georgia Spiropoulos
Installations sonores | Geluidsinstallaties
Vernissage le 15 novembre à 18:00 | Vernissage op 15 november om 18:00
Lu | Ma > Ve | Vr: 17:00 - 20:00
Alliance française de Bruxelles-Europe
46, avenue des arts | Kunstlaan 46
1000 Bruxelles | Brussel
6ème étage | 6de verdieping
Coproduction | Coproductie: Alliance française de Bruxelles-Europe, Le Service de Coopération et d’Action Culturelle (SCAC) & Ars Musica
Gratuit | Gratis
Georgia Spiropoulos (GR)
FR
« Geografia Sonora » est une installation sonore et visuelle, sur le thème de la mer ; un archipel d'« îles sonores », voix parlées et chantées, signaux sonores, sons naturels et sons mécaniques provenant des pays côtiers de la Méditerranée. Une « mer qui respire », texture scintillante en mouvement continu, change en couleur, luminosité et densité pour se transformer en constellation de lumières. Le paysage sonore et la vidéo sont générés, composés et transformés à l’infini par ordinateur en temps réel. L’archipel sonore de « Geografia » est une collection de sons et une cartographie de la Méditerranée, apportant tonalités, signaux et empreintes sonores des communautés.
NL
‘Geografia Sonora’ is een visuele klankinstallatie; een “klankconstellatie” van gesproken woorden, zang, natuurlijke en mechanische klanken uit de kustgebieden rond de Middellandse Zee. Een glinsterende zee die continu in beweging is, die door lichtinval van kleur verandert en evolueert tot een gesternte vol lichtjes. Het klanklandschap wordt oneindig in real time door een computersysteem herschapen.
De video roept een gesternte op, het traject van een boot of lichtjes op de eilanden in de nacht.
Het open zicht op de Egeïsche en de Ionische zee dienen als inspiratiebron voor de sonore archipel van ‘Geografia’.
Maandag | Dinsdag 15/11
Chambre d'écho/ Victor Kissine
Etudiants du Conservatoire Royal de Bruxelles
Studenten van het Koninklijk Conservatorium van Brussel
12:00
Art Base
En collaboration avec | In samenwerking met: Art Base
Gratuit | Gratis
Philippe Terseleer (BE)
Etudiants du Conservatoire Royal de Bruxelles | Studenten van het Koninklijk Conservatorium van Brussel
FR
Victor Kissine a rencontré un groupe de musiciens, étudiants au Conservatoire Royal de Bruxelles, désireux de pénétrer dans les arcanes de sa musique. Lors d’un atelier spécifique, il les a initiés à la lettre et à l’esprit, aux techniques et aux enjeux de son travail de compositeur. Le concert du 15 novembre, qui donnera à entendre quelques-unes des plus belles pages de musique de chambre de ce musicien, est le fruit de cette rencontre.
NL
Victor Kissine begeleidt een groep muzikanten, studenten van het Koninklijk Conservatorium van Brussel, die nieuwsgierig zijn naar de geheimen achter zijn muziek. Gedurende deze workshop heeft hij hen nauwgezet in de geest, de technieken en het doel van zijn werk als componist ingewijd. Het concert van 15 november, dat een aantal van de mooiste kamermuziekpassages van de componist bevat, is de vrucht van deze ontmoeting.
Mercredi | Woensdag 16/11
El Sistema Sud
Une saison au Japon | Een jaargetijde in Japan
10:30
14:00
18:00
Le Senghor
Coproduction | Coproductie: ReMuA& Le Senghor
10:30 Gratuit | Gratis
14:00 Tarif | Tarief: 5€
18:00 Tarif | Tarief: 5€
Le Mini Orchestra Of Our Time
El Sistema Sud (Ecoles | Scholen: Sainte-Alène & Les Bruyères)
Nick Hayes (1963)
Contée par | Verteld door: Stéphanie Koplowicz
Livret | Libretto: Sarah Goldfarb & Stéphanie Koplowicz
Mise en scène | Regie: Luc De Wit
FR
« C'est l’histoire d’un frère et d’une sœur.
C’est l’histoire d’un grand voyage à l’autre bout du monde, au plus profond d’eux-mêmes.
Aïna et Kenshi vivent avec leur père.
C’est lui qui les a élevés.
Depuis qu'ils sont petits.
Aussi petits que des bébés colibris tombés de leur nid.
Kenshi a 18 ans. Le père emmène ses deux enfants chez un notaire. Là-bas, une lettre attend. Une lettre de leur mère.
La lettre parle d'une pierre magique et d'un grand-père inconnu.
La lettre dit qu'il faut aller au Japon.
Commence alors pour Aïna et Kenshi un incroyable voyage… »
NL
‘’ Het verhaal van een broer en een zus.
Het verhaal van een grote reis aan de andere kant van de wereld, tot in hun diepste wezen.
Aïna en Kenshi wonen bij hun vader.
Hij heeft hen opgevoed.
Sinds ze klein zijn.
Zo klein als babycolibri’s die uit het nest gevallen zijn.
Kenshi is 18 jaar. De vader neemt zijn twee kinderen mee naar de notaris. Daar wacht een brief. Een brief van hun moeder.
De brief heeft het over een magische steen en een onbekende grootvader.
In de brief staat dat ze naar Japan moeten gaan.
Dan begint hun onvergetelijke reis… ‘’
Merecredi | Woensdag 16/11
Jeudi | Donderdag 17/11
Vendredi | Vrijdag 18/11
Samedi | Zaterdag 19/11
HORS-CHAMP
Long-métrage scénique | Scenische langspeelfilm
Une danse cinéma pour cinq danseurs et un caméraman | Een filmdans voor vijf dansers en een cameraman
Me | Wo 16/11
19:30
Je | Do 17/11
Ve | Vr 18/11
Sa | Za 19/11
20:15
Théâtre National
Labellisation | Labellisatie: Ars Musica
Prix | Prijs:19€/ 10€
Scénario, mise en scène et chorégraphie| Scenario, regie en choreografie: Michèle Noiret
Création et interprétation | Creatie en vertolking: Juan Benitez, David Drouard, Isael Mata, Marielle Morales, Lise Vachon
Films: Patric Jean
Caméraman plateau | Live camera: Vincent Pinckaers
Composition musicale originale | Compositie originele muziek: Todor Todoroff
Scénographie | Scenografie: Sabine Theunissen
Lumières | Licht: Xavier Lauwers
Costumes | Kostuums: Greta Goiris
Production | Productie: Compagnie Michèle Noiret/Tandem asbl et Blackmoon
Productions
Coproduction | Coproductie: Théâtre National/Bruxelles, Théâtre National de Chaillot, Paris, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg, Le Théâtre de Liège, Le Manège.mons/Technocité
Avec le soutien | Met de steun van: Fond Expériences Interactives de Pictanovo, Wallimage & Dicream/CNC
Réalisé avec l’aide | Uitgevoerd met de steun van: Ministère de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Service de la Danse
Michèle Noiret est artiste associée au Théâtre National/Bruxelles et membre de l’Académie royale de Belgique | Michèle Noiret is verbonden aan het Théâtre National/Bruxelles en is lid van de Académie royale de Belgique
Todor Todoroff (1963)
FR
Depuis plusieurs années, Michèle Noiret pense et construit des passerelles entre danse et cinéma. Le critique Gérard Mayen a d’ailleurs créé l’expression « danse-cinéma » pour décrire son travail. Hors-champ s’inscrit dans la continuité de cette recherche et repousse les limites de l’ambiguïté entre réalité et fiction. L’idée n’est pas de juxtaposer l’image à la danse, mais plutôt de développer une écriture scénique et cinématographique qui permette aux deux mediums de se fondre et de s’alimenter l’un l’autre pour créer une œuvre à la croisée des genres. Plongés dans les envoûtantes compositions sonores de Todor Todoroff, cinq danseurs filmés par un caméraman, habitent la scénographie de Sabine Theunissen digne d’un décor de cinéma. Le dispositif mis en place modifie la temporalité linéaire de la représentation, il déstructure et bouleverse les perspectives spatiales. Il transforme l’espace clos de la boîte noire : les « hors-champs » filmés ajoutent de l’espace à l’espace scénique. La « réalité hallucinatoire », celle qui nous entoure et nous surprend chaque jour, est l’un des fils conducteur de cette création. Hors-champ plonge le spectateur dans un univers multidimensionnel, où la diversité des points de vue fascine et nous entraîne dans des mondes inattendus et parallèles, réels et virtuels, où se mêlent les temps présent, passé et futur.
NL
Al verschillende jaren bedenkt en bouwt Michèle Noiret bruggen tussen dans en film. In die mate dat criticus Gérard Mayen de uitdrukking “danse-cinéma” gebruikte als omschrijving van haar werk. In Hors-champ (buiten beeld), zet de choreografe dat onderzoek voort en verlegt ze de grenzen van de overlapping tussen realiteit en fictie. Het is niet de bedoeling om beelden en dans tegenover elkaar te stellen, maar veeleer om het scenisch en cinematografisch zo aan te pakken dat de twee media met elkaar versmelten en elkaar voeden, en op die manier een werk te creëren op het kruispunt tussen genres. Ondergedompeld in de betoverende klankcomposities van Todor Todoroff bewonen vijf dansers de scenografie van Sabine Theunissen, terwijl ze worden gefilmd; een echte filmset waardig. De manier van werken wijzigt het lineaire tijdsverloop van de voorstelling en deconstrueert het ruimtelijk perspectief. Ze transformeert het afgesloten gebied van de camera obscura: de gefilmde “buitenbeeldfragmenten” voegen een nieuwe ruimte toe aan de bestaande ruimte op de scène. De “hallucinante realiteit” die ons omringt en ons elke dag weer verrast dient als leidraad voor deze creatie. Hors-champ dompelt de toeschouwer onder in een multidimensionele wereld met een verscheidenheid aan gezichtspunten die ons fascineert en meesleept naar onverwachte en parallelle dimensies, reëel en virtueel, waar heden, verleden en toekomst in elkaar overlopen.
Jeudi | Donderdag 17/11
Trois masterclasses pour piano, violoncelle et percussion
Ashley Bathgate - Vicky Chow - David Cossin de Bang on a Can All-Stars
Drie masterclasses voor piano, cello en percussie
Ashley Bathgate - Vicky Chow - David Cossin van Bang on a Can All -Stars
10:00
Conservatoire Royal de Bruxelles | Koninklijk Conservatorium Brussel
Coproduction: Conservatoire Royal de Bruxelles| Coproductie: Koninklijk Conservatorium Brussel
Réservé aux étudiants du Conservatoire royal de Bruxelles | Voorbehouden voor de studenten van het Koninklijk Conservatorium van Brussel
Ashley Bathgate, violoncelle | cello (US)
Vicky Chow, piano (US)
David Cossin, percussions | percussie (US)
With the support of the Embassy of the United States of America | Avec le soutien de l’Ambassade des Etats-Unis d’Amérique | Met de steun van de Ambassade van de Verenigde Staten van Amerika
L’ensemble Bang on a Can All-Stars s’est imposé, depuis sa création, en 1987, comme l’un des principaux ensembles américains dans le domaine de la musique contemporaine. De Steve Reich à Bryce Dessner, de John Cage à John Adams ou Terry Riley, il a fait de la musique de création son étendard. Mais au delà de cette qualité, le Bang on a Can All-Stars a fait de la transmission un élément essentiel de son activité. En collaboration avec le Conservatoire Royal de Bruxelles, Ars Musica offre aux étudiants une occasion unique d’aborder un répertoire que l’ensemble new-yorkais paufine depuis près de trente ans. Avec Ashley Bathgate (violoncelle), Vicky Chow (piano) et David Cossin (percussions).
NL
Het Amerikaans ensemble Bang on a Can All-Stars heeft sinds zijn oprichting in 1987 een vooraanstaande plaats verworven in het landschap van de hedendaagse muziek. Van Steve Reich tot Bryce Dessner, van John Cage tot John Adams of Terry Riley: het ensemble draagt muziekcreatie hoog in het vaandel. Daarnaast vindt Bang on a Can All-Stars ook transmissie belangrijk en waardevol. In samenwerking met het Koninklijk Conservatorium van Brussel, geeft Ars Musica studenten de unieke gelegenheid om kennis te maken met een repertoire waar het ensemble uit New York al bijna dertig jaar aan sleutelt. Met Ashley Bathgate (cello), Vicky Chow (piano) en David Cossin (percussie).
Jeudi | Donderdag 17/11
Palma Ars Acustica/ EBU-UER 2016
Me, My English and All the Languages of My Life (2015)
18:15
Les Halles de Schaerbeek
Gratuit | Gratis
Anna Raimondo (1981) Artiste sonore, radiophonique et vidéaste | Geluids-, radio- en videokunstenares (IT-BE)
Me, My English and All the Languages of My Life (2015)
Création belge | Belgische creatie
Palma Ars Acustica/ EBU-UER 2015
Alessandro Bosetti (1973) Artiste sonore | Geluidskunstenaar (IT)
The Notebooks (2014)
Création belge | Belgische creatie
FR
Le Prix Palma Ars Acustica est un concours international, organisé par l’Euroradio Ars Acustica Group afin de promouvoir et de honorer des productions d’excellente qualité, d’auteurs d’art radiophonique. L’Euroradio Ars Acustica Group est un forum de discussion, de promotion et de production dédié à l’art radiophonique et à l’art sonore au sein de l’Union européenne de radio-télévision. L’ Euroradio Ars Acustica Group fonctionne comme carrefour pour l’échange de productions radio, de propositions à projet et l’échange d’information sur les activités et les événements dans l’art radiophonique dans les différents pays européens. Il stimule et encourage l’échange sur les tendances actuelles dans la théorie et la pratique de l’art radiophonique et les domaines associés, et la réalisation de co-productions entre les sociétés de radiodiffudion;
Le jury de Palma Ars Acustica, présidé par Eoin O’kelly de RTÉ, a proclamé vainqueur de l’année 2016 Anna Raimondo d’origine belge, pour son oeuvre Me, My English and All the Languages of my Life.
Anna Raimondo reflète dans son oeuvre primé sur sa relation avec les différentes langues dans sa vie – italien, espagnol, français et anglais – après avoir habité, voyagé et travaillé dans le monde entier. Elle a également participé à un cours de phonétique anglaise afin d’apprendre à parler avec un accent plus britannique. Emprisonnée entre moquerie et sérieux, hésitation et encouragement, l’expérience de Raimondo invite les auditeurs à plonger dans une soupe de son constituée de lingue/idiomas, langues/languages.
NL
L’occasion sera également de découvrir le prix Ars Acustica 2015, attibué à Allesandro Bosetti pour son oeuvre “The Notebooks”. Dans les archives du mémorial Janacek à Brno, se cache un trésor extraordinaire: une série de très petits carnets dans lesquels le compositeur a collecté, entre 1904 et 1928, des bribes du langage parlé de la vie quotidienne. "L'obsession" de Janacek peut ressembler à la pratique actuelle du field-recording, mais sous une forme écrite. A partir de ces carnets, Alessandro Bosetti a construit une oeuvre sonore originale qui replonge l’auditeur dans le passé et le présent à la fois.
De Palma Ars Acustica Prijs is een internationale wedstrijd, georganiseerd door de Euroradio Ars Acustica Group, ter bevordering en onderscheiding van producties in de wereld radiokunst. De Euroradio Ars Acustica Group is een forum voor discussie, promotie en productie van radio- en klankkunst binnen de Europese Radio Unie en werkt als knooppunt voor uitwisseling van radiokunstproducties, projectvoorstellen en informatie over activiteiten en evenementen in de mediakunst in verschillende landen. Ze stimuleert de discussie rond huidige trends in de theorie en de praktijk van radiokunst en aanverwante terreinen en de realisatie van coproducties tussen radio-omroepen. Ze is overtuigd van de nood aan een kunstvorm die de ontwikkeling van radio weerspiegelt in onze maatschappij.
De jury van Palma Ars Acustica, voorgezeten door Eoin O’kelly van RTÉ, verkoos Anna Raimondo uit België tot winnares van het jaar 2016 met Me, My English and All the Languages of my Life.
Anna Raimondo bespiegelt in haar gelauwerd werk haar relatie met de verschillende talen in haar leven - Italiaans, Spaans, Frans en Engels - na gewoond, gewerkt en gereisd te hebben over zowat de hele wereld. Zo nam ze eveneens deel aan een cursus fonetiek om haar Engels meer Brits te doen klinken. Gevangen tussen spot en ernst, twijfel en stimulans, nodigt Raimondo’s experiment de luisteraar uit een duik te nemen in een klanksoep van lingue/idiomas, langues/languages.
Jeudi | Donderdag 17/11
Prélude à Présences Electronique
Chaosphère de Jacques Foschia
Prelude op Présences Electronique
Chaosphère van Jacques Foschia
19:00
Halles de Schaerbeek (Mezzanine - Bar)
Coproduction | Coproductie: Halles de Schaerbeek
Gratuit | Gratis
Jacques Foschia, installations sonores | geluidinstallaties (BE)
Jacques Foschia (1960), Chaosphère #5 Création Ars Musica | Creatie Ars Musica
FR
Sculptures électromagnétiques
Les champs électromagnétiques sont des volumes en mutation. Ils investissent les espaces, contournent les matières, les corps, les objets. Ils se polarisent, se repoussent, se mélangent, se fondent puis disparaissent. Cette plasticité que leur confère leur nature instable, et d’apparence fragile, leur permet de couvrir un territoire, d’occuper des zones. À ce titre les ondes électromagnétiques ont été aussi les vecteurs invisibles des luttes de pouvoirs idéologiques ou mercantiles mais aussi de résistance. À l’heure où la révolution numérique tend à s’imposer sur toutes les formes de transmission, il apparaît nécessaire de traduire sous forme sonore et ludique le grand théâtre d’ombres et de lumières que présentait la radio hertzienne à son apogée.
NL
Elektromagnetische Sculpturen
Elektromagnetische velden zijn volumes die veranderingen doormaken. Ze nemen ruimtes in en omcirkelen materie, lichamen en voorwerpen. Ze polariseren, stoten elkaar af, mengen zich, versmelten om vervolgens te verdwijnen. Die plasticiteit die eigen is aan hun onstabiele aard en hun fragiel voorkomen, zorgt ervoor dat ze een territorium kunnen bedekken en zones kunnen innemen. Zo hebben elektromagnetische golven ook als onzichtbare vectoren gefungeerd van de ideologische of handelsstrijd, maar ook van de weerstand. Op het moment dat de digitale revolutie zich probeert te dringen in alle mogelijke vormen van overdracht, lijkt het meer dan ooit nodig het grote schimmen- en lichttheater uit het hoogtepunt van het Hertziaanse radiotijdperk te vertalen naar een ludieke klankvorm.
Dinsdag | Zondag 20/11
La Voie du Thé
Cérémonie du thé
De weg van de thee
Theeceremonie
16:00
Les Brigittines (Hall)
Coproduction | Coproductie: Les Brigittines
Gratuit | Gratis
FR
« La Voie du Thé », mieux connu en Europe sous le nom de "Cérémonie du thé", repose sur une tradition séculaire qui s’articule au Japon autour de la préparation du thé vert "matcha", selon des règles très précises. Comme son nom l'indique, sa pratique constitue une véritable Voie (道), au même titre que l'aïkido, le kendo, l'iaïdo, ou le kyudo. Pratique spirituelle fascinante, elle est le reflet de la culture japonaise, un manifeste du zen ; la médiation dans l’action la plus quotidienne, un art de l’hospitalité plus élaboré que dans toute autre civilisation.
NL
‘De weg van de thee’, in Europa beter bekend als de ‘theeceremonie’, is een eeuwenoude Japanse traditie van het bereiden van groene 'matcha’ thee volgens zeer nauwkeurige regels. Zoals haar naam aanduidt, is het uitoefenen ervan als het ware een ‘weg’ (道 of do), net zoals aïkido, kendo, iaïdo, of kyudo. Ze is een spirituele en fascinerende praktijk, een reflectie van de Japanse cultuur, een uiting van zen; meditatie binnen een dagelijks ritueel, een uitgepuurde vorm van gastvrijheid, meer uitgewerkt dan in om het even welke andere beschaving.
Mardi | Dinsdag 22/11
Cursus Amarant (en néerlandais)
Hedendaagse architectuur in Japan - Van Tatami tot Shigeru Ban
10:00 - 12:30
14:00 - 16:30
Muntpunt
En collaboration avec | In samenwerking met: Amarant & Muntpunt
Prix | Prijs:26€/ 23€
Professeur | Docent: Frank De Groeve (BE)
FR
A quelques kilomètres de la frontière franco-belge, à Lens, dans le Pas-de-Calais, s’est établi le Louvre-Lens, vaste projet de décentralisation culturelle. Ce musée axa, dès son ouverture, sur une approche différente de la relation au public. Conçu par le cabinet d’architecture japonais Sanaa, le bâtiment est un exemple d’intégration dans une urbanisation existante. Cette réussite trouve son origine dans la culture architecturale japonaise, qui intègre les strates historiques dans son processus d’élaboration architectonique. La série de cours proposée par Amarant, nous fera découvrir les caractéristiques et les principe de cette arhitecture, séculaire et contemporaine, de Tatami à Shigoru Ban. En analysant le musée Louvre-Lens, nous voyagerons dans les mondes architecturaux de Frank Lloyd-Wright et Bruno Taut, et partagerons leur fascination pour le Japon.
NL
Niet ver van de Belgisch-Franse grens, in Lens, Pas-de-Calais, staat een museum: het Louvre-Lens. Het museum benadert de kunst, zijn publiek, de omgeving, op een heel andere manier dan we gewoon zijn. Het museum werd ontworpen door een Japans architectenbureau, Sanaa. De architecten zijn er op wonderlijke wijze in geslaagd een gigantisch complex in een klein dorpje harmonieus in te schakelen. Hoe ze dit hebben gerealiseerd heeft alles te maken met de manier waarop Japan met architectuur omgaat.
In deze lessenreeks ontdekken we via de ontleding van het museum Louvre-Lens, de kenmerken en principes van de Japanse architectuur, eeuwenoud of hyperrecent, van Tatami tot Shigeru Ban. We reizen opnieuw mee met architecten als Frank Lloyd Wright en Bruno Taut en delen hun nieuwsgierigheid en fascinatie voor Japan.
Vendredi | Vrijdag 25/11
Kan Takahama
Conférence | Conferentie
12:30
Muntpunt
Prix | Prijs: 5€
Réservation | Reservatie: www.muntpunt.be
Kan Takahama, dessinatrice | tekenares
FR
Née en 1977 à Amakusa (Japon), Kan Takahama débute le manga en 2001 dans le magazine “Garo”. Ses histoires parues dans ce périodique “Garo” sont rassemblées en un album, Yellowbacks, publié au Japon chez Seirindô en 2002, puis en Espagne et aux États-Unis chez Ponent Mon, en 2003 sous le titre Kinderbook. Cette jeune dessinatrice est non seulement une des plus douées de sa génération, mais elle est dotée d'un style singulier qui la différencie radicalement des sillons tracés jusqu’alors.
Dans cette conférence, elle présentera son travail et son approche si personnelle de la narration et de la représentation graphique.
NL
Kan Takahama is in 1977 geboren in Amakusa (Japan), en debuteerde met Manga in het magazine Garo. Haar verschenen verhalen in Garo werden voor het eerst gebundeld in het album Yellowbacks en uitgegeven in Japan bij Seirindô in 2002, vervolgens in Spanje en in de Verenigde Staten bij Ponent Mon in 2003 onder de titel Kinderbook. De jonge illustratrice is niet alleen één van de meest getalenteerde tekenaars van haar generatie, maar ze bezit tevens een originele stijl die haar volledig onderscheidt van de tot nog toe uitgetekende paden.
Tijdens deze conferentie stelt ze haar werk voor en praat ze over haar zeer persoonlijke manier van vertellen en van tekenen.